(Of) Classical Nature

Was bedeutet es, in der unabhängigen (freien) Szene in Wiesbaden und Umgebung künstlerisch tätig zu sein?

Die Arbeit in der freien, unabhängigen Tanzszene ist definitiv eine Herausforderung, aber meiner Erfahrung nach eine sehr bereichernde. Ich liebe die Zusammenarbeit mit Menschen unterschiedlicher Herkunft, Ausbildung und Stärken. Was alle Tänzerinnen und Tänzer, mit denen ich zusammenarbeite, verbindet, ist ihre Leidenschaft und ihr Engagement für ihre Arbeit. Das Fehlen einer festen Struktur zwingt uns, nicht nur künstlerisch, sondern auch organisatorisch kreativ zu sein. Das kann zwar anstrengend sein, stärkt aber gleichzeitig den Gemeinschaftssinn und die Widerstandsfähigkeit der Szene.

Was war der Ausgangspunkt für euer Werk, und gab es dabei größere Herausforderungen?

Ausgangspunkt war für uns die Musik. Dieses noch unfertige Werk ist Teil einer größeren Show mit vier verschiedenen Tanzgenres; für diesen Abschnitt ließen wir uns von klassischer Musik inspirieren. Darauf aufbauend überlegten wir, was wir mit dem Stück ausdrücken wollten. Dies ist für jeden Tänzer eine sehr persönliche Angelegenheit (was das Stück ihm individuell bedeutet), aber die Grundidee war, den Fokus auf Verbindung zu legen. In einer Zeit, in der wir ständig digital vernetzt sind, welche anderen Formen der Verbindung gibt es noch?

Wie stellst du dir die Entwicklung der freien Szene in Wiesbaden in den nächsten fünf Jahren vor? Was ist deine Vision für ihre Zukunft?

Ich wünsche mir sehr, dass die freie Tanzszene in Wiesbaden und Umgebung wächst. Es gibt so viele talentierte, unabhängige Künstler*innen, die sich mit Herzblut ihrer Arbeit widmen. Leider fehlt es uns noch immer an der nötigen Infrastruktur, um ihre Werke zu entwickeln und aufzuführen. Es gibt kaum, wenn überhaupt, Räumlichkeiten für Tanzaufführungen, die sowohl bezahlbar als auch von Größe und Beschaffenheit her für Tanz geeignet sind.
In fünf Jahren stelle ich mir eine Szene vor, in der Künstler Zugang zu Proberäumen, Residenzen und Veranstaltungsorten haben, die sich der Förderung unabhängiger Arbeit widmen. Ich wünsche mir ein stärkeres Netzwerk, in dem Künstler leichter zusammenarbeiten, Ressourcen teilen und die Region zu einem pulsierenden Zentrum für zeitgenössischen Tanz machen können.

Wie beeinflusst deine Erfahrung als Tänzerin deine choreografische Praxis – und wie beeinflusst die Choreografie im Gegenzug deine Art zu tanzen?
Ich sehe beides als untrennbar miteinander verbunden. Für mich kann das eine ohne das andere nicht existieren. Meine Erfahrung als Tänzerin ermöglicht mir ein tiefes Verständnis von Bewegung aus einer inneren Perspektive: wie sie sich anfühlt, wie sie durch den Körper fließt und welche emotionalen oder körperlichen Zustände sie hervorrufen kann. Diese Perspektive prägt ganz natürlich meine Art, Choreografien zu entwickeln.
Die Choreografie wiederum beeinflusst meinen Tanzstil, indem sie mich herausfordert, Bewegungen bewusster und gezielter auszuführen. Das Erstellen von Choreografien zwingt mich, über Struktur, Klarheit und Bedeutung nachzudenken, und diese Überlegungen fließen wiederum in meinen Tanz ein. Die beiden Praktiken bereichern sich ständig gegenseitig.

Gibt es etwas Bestimmtes, das du dem Publikum durch dieses Stück vermitteln möchtest?

Ich hoffe, das Publikum kann sich mit dem Stück identifizieren, aber nicht auf eine bestimmte Art und Weise. Im Gegenteil, ich möchte gern wissen, was sie individuell darauf empfunden haben, ob ihre Interpretationen ähnlich oder völlig unterschiedlich sind.
Ich möchte ihnen das Gefühl geben, nicht allein oder isoliert zu sein. Wenn das Werk auch nur einen kurzen Moment der Wiedererkennung oder Verbundenheit vermitteln kann, hat es seinen Zweck erfüllt.

Hast du schon einmal kreative Blockaden erlebt? Wenn ja, wie gehst du damit um oder wie überwindest du diese?

Absolut! Ich lasse mich von anderen Kunstformen inspirieren, sei es Musik, Poesie oder etwas ganz anderes. Außerdem versuche ich, mir viele Tanzaufführungen anzusehen; andere Tänzer zu sehen, inspiriert mich sehr. Manchmal hilft es mir, eine Auszeit vom Studio zu nehmen und mir Zeit zu lassen, neue Ideen zu verarbeiten, um meinen kreativen Prozess wieder in Gang zu bringen.

Wie wählst du den Titel für deinen Beitrag?

Wir wussten, dass wir klassische Musik einsetzen und das Thema Verbundenheit erforschen wollten. Ich glaube, Verbundenheit liegt in unserer Natur, und so entstand „(Of) Classical Nature“. Der Titel spiegelt sowohl die musikalische Grundlage des Stücks als auch die menschlichen Impulse wider, die es antreiben.

Bezogen auf die Stücke in unserem Programm Work in Progress: Wann und wie entscheidest du, dass ein Stück fertig ist – oder glaubst du, dass ein Stück überhaupt jemals vollständig abgeschlossen ist?
Ich glaube nicht, dass ein Kunstwerk jemals wirklich fertig ist, und das finde ich gut so. Es gibt immer etwas zu verbessern, etwas, das verfeinert oder perfektioniert werden kann. Kunst sollte aber auch nicht perfekt sein; was für den einen perfekt ist, mag für den anderen unvollkommen sein. Und genau das ist die Schönheit einer Live-Performance: Man sieht nie zweimal genau dasselbe. Das ist ungemein eindrucksvoll.
Ich fühle mich wohl dabei, ein Stück aufzuführen, wenn mir klar ist, was ich vermitteln möchte und die Tänzer ein hohes technisches Niveau erreicht haben. Ich bin aber überzeugt, dass sich ein Stück weiterentwickeln kann, und es bereitet mir Freude, später zu Werken zurückzukehren und neue Facetten darin zu entdecken.