Digitales Programmheft „Become Ocean“

Ein sinnliches Eintauchen

„Listening to it, we become ocean.“

Dieses Zitat stammt aus dem mesostischen Gedicht Many Happy Returns des Komponisten John Cage, verfasst in den späten 1970er Jahren. Cage widmete es seinem Freund und Kollegen Lou Harrison und schrieb über dessen Musik: „Beim Zuhören würden wir selbst zu einem Ozean.“ Diese Vorstellung faszinierte John Luther Adams, Harrisons Schüler, so sehr, dass er sie als Titel für eines seiner bedeutendsten Orchesterwerke wählte: Become Ocean, 2013 vollendet. Auf Anregung des Seattle Symphony Orchestra unter der Leitung von Ludovic Morlot entstand die Komposition, die von der Weite und Dynamik des Meeres inspiriert ist. Ihre wellenartigen, fließenden Strukturen spiegeln sowohl die sanfte Ruhe als auch die unaufhaltsame Kraft der Natur wider.

John Luther Adams wurde 1953 in Mississippi geboren. Schon früh prägte ihn die Natur, und sein Umzug nach Alaska in den 1970er Jahren verstärkte diese Verbindung. Die Landschaft des pazifischen Nordwestens – Licht, Weite, Klima – spiegelt sich in Adams’ musikalischer Sprache wider. Diese zeichnet sich durch eine Kombination aus Minimal Music, subtilen Texturen, langsamen Harmonien und räumlicher Klanggestaltung aus. Adams schöpft seine stärksten Einflüsse aus der amerikanischen Avantgarde der Nachkriegszeit, darunter Komponisten wie John Cage und Morton Feldman. Wie diese interessiert er sich besonders für Fluidität – das Verschmelzen von Klang, Raum und Umgebung. Become Ocean erzeugt ein immersives Erlebnis, das das Publikum in die Weite des Meeres eintauchen lässt. Für diese Komposition erhielt Adams 2014 den Pulitzer-Preis für Musik sowie einen Grammy Award in der Kategorie Komposition.

Doch Adams’ Musik ist mehr als ein ästhetisches Erlebnis. Sie thematisiert die tiefere Verbindung zwischen Mensch und Natur. In den Notizen zur Partitur von Become Ocean schreibt Adams: „Das Leben auf dieser Erde entstand aus dem Meer. Während das Polareis schmilzt und der Meeresspiegel steigt, stehen wir Menschen vor der Aussicht, dass wir buchstäblich wieder zu Ozean werden.“ Das epochemachende Musikstück kann daher als Meditation über die Klimakrise gelesen werden – über Tiefe, Turbulenzen, Stille und letztendliche Ruhe.

Aus dieser atmosphärisch dichten Klanglandschaft entwickelt das choreografische Duo LEE\VAKULYA eine gleichnamige Neukreation für das Hessische Staatsballett. Die beiden Choreograf:innen fühlen sich von der anmutigen Balance der Natur angezogen, die Leben schenkt und es mit ihrer gewaltigen Kraft auch wieder nehmen kann. Ihre Choreografie übersetzt die musikalische Struktur Adams’ in eine umfassende Komposition von Körper, Technik und Raum.

Ein Prolog der Sounddesignerin Fanny Thollot stimmt das Publikum zunächst sinnlich auf die bevorstehende Klangreise ein. Dann entfaltet sich die Musik: Wellenartige Bewegungen, dramatische Höhepunkte, ruhige Passagen – und LEE\VAKULYA übertragen all dies auf die Körper der zwölf Tänzer:innen. Die Choreografie folgt dem Prinzip der Wiederkehr: Bewegungen entstehen, lösen sich auf und tauchen in veränderter Form erneut auf. Sanfte, fließende Sequenzen kontrastieren mit kraftvollen, spannungsgeladenen Momenten. Soli verschmelzen mit Gruppenformationen, sodass die Tänzer:innen zwischen Individualität und Kollektiv wechseln – ein Spiegelbild der Dynamik von Nähe, Abhängigkeit und Wandel. Die Körper wirken dabei wie lebendige Bestandteile des Bühnenraums, der selbst in Bewegung versetzt wird. So entsteht eine Gesamtkomposition, in der Tanz, Musik und Raum miteinander verschmelzen.

Das Bühnenbild von Yoko Seyama ist flexibel und dynamisch: Statt fester Kulissen schafft die japanische Künstlerin eine große, bewegliche Installation aus leichten Materialien, die Interaktionsmomente mit den Tänzer:innen erzeugt. Sie erhebt sich langsam, evoziert Strömungen, Wellen und die fortwährende Dynamik des Ozeans. Das Lichtdesign der Taiwanesin Joanne Shyue verstärkt diese Wirkung: Bewegte Lichtreflexionen erinnern an Sonnenlichter unter Wasser. Die Bühne wirkt fließend und offen, die Grenzen zwischen Raum, Tänzer:innen und Publikum lösen sich auf. Die Orchestermusiker:innen sind transparent auf der Bühne platziert, sodass akustische und körperliche Ebenen über die live gespielte Musik zu einer Einheit verschmelzen.

Die Kostüme des in Berlin lebenden taiwanesischen Designers Damur Huang transportieren die Qualitäten von Wasser in Form, Struktur und Material. Jedes Kostüm ist ein Unikat, das die individuellen Besonderheiten der Tänzer:innen aufnimmt, die kreisenden und fließenden Bewegungen unterstützt und die körperliche Erfahrung der Choreografie intensiviert.

LEE\VAKULYA zeigen in Become Ocean, dass Tanz nicht nur Musik illustriert, sondern eine eigenständige Dimension von Rhythmus, Raum und Volumen erschafft. Die Bühne wird zu einem organischen, atmenden Körper, der in ständiger Bewegung ist. Körper, Licht, Bühne und Klang verschmelzen zu einem Ganzen – einer poetischen Allegorie auf die Natur, ihre Schönheit, ihre Gewalt und die unaufhaltsame Zirkularität des Lebens. Wie der Ozean selbst nimmt das Werk das Publikum mit auf eine Reise zwischen Harmonie und Dissonanz, zwischen innerer Ruhe und kraftvoller Dynamik – ein sinnliches Eintauchen in Klang, Bewegung und Raum.

von Lucas Herrmann