{"id":7247,"date":"2025-02-19T17:36:23","date_gmt":"2025-02-19T16:36:23","guid":{"rendered":"https:\/\/www.hessisches-staatsballett.de\/?page_id=7247"},"modified":"2025-04-04T12:10:15","modified_gmt":"2025-04-04T10:10:15","slug":"digitales-programmheft-chronicles","status":"publish","type":"page","link":"https:\/\/www.hessisches-staatsballett.de\/de\/digitales-programmheft-chronicles\/","title":{"rendered":"Digitales Programmheft Chronicles"},"content":{"rendered":"
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Programmheft Chronicles<\/strong><\/h1>\n\t\t\t<\/div>\n\t\t<\/div>\n\t<\/div>\n<\/div>\n\n\n
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Editorial<\/strong><\/h3>\n

17. Oktober 2014 \u2013 der Vorhang hebt sich f\u00fcr die allererste Vorstellung des neu gegr\u00fcndeten Hessischen Staatsballetts. Der Beginn einer Reise voller Spannung und Erwartungen f\u00fcr uns so- wie die tanzbegeisterten Communities in Wiesbaden, Darmstadt und dar\u00fcber hinaus.<\/p>\n

Zehneinhalb Jahre sp\u00e4ter \u00fcberlegten wir, wie wir diese bemerkenswerte Dekade voller Kreativit\u00e4t, wunderbarer Begegnungen und Erinnerungen feiern k\u00f6nnten. So entwickelten wir ein Programm, das trotz seines Namens Chronicles nicht zur\u00fcckblickt. Statt einer blo\u00dfen Sammlung vergangener H\u00f6hepunkte wagt es, genau wie damals zur Gr\u00fcndung des Hessischen Staatsballetts, einen mutigen Schritt nach vorn. Entstanden ist ein galahaftes Programm, das den Geist von Innovation und Entdeckung in sich tr\u00e4gt und sowohl musikalisch als auch choreografisch vielf\u00e4ltige Sinneseindr\u00fccke bietet.
\nChronicles umfasst nicht weniger als vier Urauff\u00fchrungen,\u2028erg\u00e4nzt durch zwei bereits existierende Werke, und schafft so eine mitrei\u00dfende und zukunftsweisende Feier unserer Reise. Diese sechs Kurzkreationen, choreografiert von sieben inspirierenden zeitgen\u00f6ssischen Tanzschaffenden, heben die bemerkenswerte k\u00fcnstlerische und technische Vielfalt im Talent unserer T\u00e4nzerinnen und T\u00e4nzer hervor.<\/p>\n

Wir freuen uns umso mehr, dabei von den wunderbaren Orchestern beider Staatstheater begleitet zu werden, die wir stolz unser Zuhause nennen.<\/p>\n

Ich w\u00fcnsche Ihnen einen fantastischen Abend!<\/p>\n

Bruno Heynderickx
\nBallettdirektor<\/p>\n<\/div>\n<\/div>\n<\/div>\n\t\t\t<\/div>\n\t\t<\/div>\n\t<\/div>\n<\/div>\n\n\n\t\t

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Das Programm <\/h4>\n\t<\/div>\n\t
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FAUNO<\/strong><\/h3>\n

Choreografie, B\u00fchne & Kost\u00fcme<\/strong> Liliana Barros<\/p>\n<\/div>\n

\u2028Musik<\/strong> Claude Debussy
\nLicht<\/strong> Tanja R\u00fchl
\nProbenleitung<\/strong> Jaione Zabala Martin<\/div>\n
Originalbesetzung\u00a0<\/strong><\/div>\n
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Ramon John, Masayoshi Katori, Jorge Moro Argote, Tatsuki Takada<\/p>\n

Dauer<\/strong> ca. 12 Min.<\/p>\n<\/div>\n\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t

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Force Majeure<\/strong><\/h3>\n

Choreografie, B\u00fchne & Kost\u00fcme<\/strong> David Raymond & Tiffany Tregarthen
\nMusik<\/strong> Ang\u00e8le David-Guillou
\nPiano<\/strong> Waldemar Martynel
\nLicht<\/strong> James Proudfoot
\nProbenleitung<\/strong> Jaione Zabala Martin<\/p>\n

Originalbesetzung<\/strong>
\n(F\u00fcr die Wiedereinstudierung in der Spielzeit 2024\/25)<\/p>\n

Greta Dato, Gorka Duran Villar, Ramon John, Sayaka Kado, Kenedy Kallas, Masayoshi Katori, Bridget Lee, Mei-Yun Lu, Marcos Novais, Yamil Ortiz, Alessio Pirrone, Anthony Michael Pucci, Rita Winder<\/p>\n

Dauer<\/strong> ca. 17 Min.<\/p>\n<\/div>\n<\/div>\n\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t

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Bouff\u00e9es<\/strong><\/h3>\n

Choreografie, Kost\u00fcme & Licht<\/strong> Le\u00efla Ka
\nProbenleitung<\/strong> Uwe Fischer, Bruno Heynderickx<\/p>\n

Originalbesetzung\u2028 <\/strong>(F\u00fcr die Wiedereinstudierung am Hessischen Staatsballett)<\/p>\n

Daniela Castro Hechavarr\u00eda, Sayaka Kado, Kenedy Kallas, Meilyn Kennedy, Rita Winder<\/p>\n

Dauer<\/strong> ca. 13 Min.<\/p>\n

Weltpremiere Bouff\u00e9es am 12.6.2022 in Paris<\/strong><\/em><\/p>\n

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Holding Space<\/strong><\/h3>\n

Choreografie & B\u00fchne<\/strong> Anouk van Dijk<\/div>\n

Musik<\/strong> David Lang, Steve Reich<\/div>\n
Kost\u00fcme<\/strong> Jessica Helbach
\nLicht<\/strong> Tanja R\u00fchl
\nProbenleitung<\/strong> Allison Brown<\/div>\n
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Originalbesetzung<\/strong><\/div>\n
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Milica Mu\u010dibabi\u0107, Marcos Novais, Anthony Michael Pucci<\/p>\n

Dauer<\/strong> ca. 13 Min.<\/p>\n<\/div>\n<\/div>\n<\/div>\n\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t

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Moonfall<\/strong><\/h3>\n

Choreografie & B\u00fchne<\/strong> Dunja Joci\u0107
\nMusik<\/strong> Michael Gordon, Renger Koning
\nKost\u00fcme<\/strong> Ivana Vasi\u0107
\nKost\u00fcmassistenz<\/strong> Janine Schwind
\nLicht<\/strong> Tanja R\u00fchl
\nProbenleitung<\/strong> Allison Brown<\/p>\n

Originalbesetzung<\/strong><\/p>\n

Peng Chen, Greta Dato, Ramon John, Meilyn Kennedy, Bridget Lee, Milica Mu\u010dibabi\u0107, Marcos Novais, Anthony Michael Pucci, Vanessa Shield, Tatsuki Takada
\n\u00a0<\/strong>
\nDauer<\/strong> ca. 11 Min.<\/p>\n<\/div>\n<\/div>\n\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t

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The Mass Ornament<\/strong><\/h3>\n

Choreografie<\/strong> Fran D\u00edaz, in Kollaboration mit den T\u00e4nzer:innen
\nChoreografische Assistenz<\/strong> Keren Leiman
\nMusik<\/strong> Henryk G\u00f3recki
\nZus\u00e4tzliche Komposition\/Sounddesign<\/strong> Tom Foskett-Barnes
\nCembalo<\/strong> Waldemar Martynel
\nB\u00fchne & Kost\u00fcme<\/strong> Fran D\u00edaz
\nBeratung B\u00fchnenbild<\/strong> Manuel Cornelius
\nKost\u00fcmassistenz<\/strong> Janine Schwind
\nLicht<\/strong> Tanja R\u00fchl
\nProbenleitung<\/strong> Jaione Zabala Martin
\n\u00a0<\/strong>
\nOriginalbesetzung<\/strong><\/p>\n

Enzo Boffa, Daniela Castro Hechavarr\u00eda, Alessio Damiani, Gorka Duran Villar, Sayaka Kado, Kenedy Kallas, Masayoshi Katori, Mei-Yun Lu, Jorge Moro Argote, Yamil Ortiz, Luke Watson, Benjamin Wilson, Rita Winder<\/p>\n

Dauer<\/strong> ca. 12 Min.<\/p>\n<\/div>\n<\/div>\n<\/div>\n<\/div>\n<\/div>\n<\/div>\n\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t

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Musikalische Leitung (Wiesbaden) <\/strong>Albert Horne
\nMusikalische Leitung (Darmstadt)<\/strong> Alice Meregaglia
\nDramaturgie<\/strong> Lucas Herrmann<\/p>\n

Es spielen das Hessische Staatsorchester<\/strong> Wiesbaden und das Staatsorchester Darmstadt<\/strong>.<\/p>\n<\/div>\n<\/div>\n<\/div>\n\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t

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WI Urauffu\u0308hrung<\/strong> 16.2.2025, Gro\u00dfes Haus<\/p>\n

DA Premiere<\/strong> 5.4.2025, Gro\u00dfes Haus<\/p>\n\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t<\/div>\n\t\t<\/div>\n\t<\/div>\n<\/div>\n\n\n<\/div><\/div><\/div>

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Tanzchroniken<\/h4>\n\t<\/div>\n\t
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Tanz ist, wie die Geschichte, eine Chronik \u2013 ein sich entfaltendes Zeugnis von Bewegung, Emotion und Zeit. Doch anders als zwischen Buchseiten gebannte Worte ist der Tanz verg\u00e4nglich. Er existiert nur im Moment, verschwindet, sobald er erscheint und hinterl\u00e4sst seine Spuren in Erinnerungen und Eindr\u00fccken.<\/p>\n

Chronicles zeigt sechs zeitgen\u00f6ssische Tanzst\u00fccke von sieben Choreograf:innen in einem dreiteiligen Abend. Keine der Kreationen dauert l\u00e4nger als 20 Minuten. Es entsteht ein bewegtes Gesamtgem\u00e4lde, gerahmt von einem offenen B\u00fchnenraum und begleitet von der live eingespielten Musik der beiden Staatsorchester in Wiesbaden und Darmstadt. Das Musikrepertoire vereint unterschiedliche Werke von Gr\u00f6\u00dfen aus der Klassik und Minimal Music sowie experimentelle Kompositionen. Es wird mit diesen Chroniken des Tanzes sowohl in choreografischer als auch musikalischer Hinsicht ein breiter Bogen geschlagen.<\/p>\n

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Photo Credit: A. Etter<\/figcaption><\/figure>\n

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Den Reigen er\u00f6ffnet FAUNO<\/strong> von Liliana Barros. Die portugiesische Choreografin setzt sich mit einem ikonischen Stoff aus der Literatur-, Musik- und Ballettgeschichte auseinander. Im Mittelpunkt steht die Geschichte des Fauns, die basierend auf dem symbolistischen Gedicht L\u2019Apr\u00e8s-midi d\u2019un faune (\u201eDer Nachmittag eines Fauns\u201c) von St\u00e9phane Mallarm\u00e9 aus dem Jahr 1876 sowohl Claude Debussy 1894 zu seinem Musikst\u00fcck Pr\u00e9lude \u00e0 l\u2019apr\u00e8s-midi d\u2019un faune und Vaslav Nijinsky 1912 zu seinem Ballett L\u2019Apr\u00e8s-midi d\u2019un faune inspiriert hat.
\nBarros interessiert an dem Stoff, wie kunst\u00fcbergreifend die Str\u00f6mung des Symbolismus Tr\u00e4ume und Tabus als Reaktion auf Spiritualit\u00e4t nutzt und mittels Mythen das Mysteri\u00f6se und Unausgesprochene heraufbeschw\u00f6rt. Sie fragt danach, welche Bedeutung diese symbolischen Figuren heute noch haben und wie diese im Zeitalter des Anthropoz\u00e4ns interpretiert werden k\u00f6nnen.<\/p>\n

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Photo: A. Etter<\/figcaption><\/figure>\n

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In Force Majeure <\/strong>erforschen David Raymond & Tiffany Tregarthen die Idee eines existenziellen Ausgeliefertseins gegen\u00fcber einer \u00e4u\u00dferen Kraft, die zugleich tief in uns selbst verankert sein kann. Sie stellen sich die Frage, ob und inwieweit uns diese unvorhersehbare Variable in der Gleichung des menschlichen Lebens \u00fcber Epochen hinweg immer wieder begegnet und wie unser inneres Klima mit diesem \u00e4u\u00dferen Klima verkn\u00fcpft ist. Sie streben nach einer Harmonie von Formung und Aufl\u00f6sung \u2013 dem Pakt zwischen Sch\u00f6pfung und Zerst\u00f6rung als treibender Kraft f\u00fcr Ver\u00e4nderung in uns selbst, in unseren Beziehungen zueinander, zur Welt um uns herum und zu unserer Zukunft.\u00a0Das St\u00fcck des kanadischen Duos mit Kompositionen der Franz\u00f6sin Ang\u00e8le David-Guillou lief als Neukreation f\u00fcr das Hessische Staatsballett bereits in der Spielzeit 2022\/23 am Staatstheater Darmstadt. Im Rahmen von Chronicles wird ein Ausschnitt der Choreografie zu den beiden Musikst\u00fccken Forgetting Trees und Exocet von David-Guillou wiedereinstudiert.<\/p>\n

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Photo: A. Etter<\/figcaption><\/figure>\n

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Bouff\u00e9es<\/strong> von Le\u00efla Ka ist eine Wiedereinstudierung der freien Produktion der franz\u00f6sischen Choreografin. Das preisgekr\u00f6nte St\u00fcck aus dem Jahr 2022 zeigt f\u00fcnf Frauen gefangen im Griff einer Trauer, deren Gr\u00fcnde unbekannt sind, aber vielf\u00e4ltig erscheinen. Gef\u00fchle von \u00dcberw\u00e4ltigung und Befreiung halten sich die Waage beim gleichzeitigen Versuch, den aufkeimenden Kummer in die Kraft des Lebens zu verwandeln. Aufgereiht in gebl\u00fcmten Kleidern entwickelt sich eine k\u00f6rperlich-klangliche Kakophonie der f\u00fcnf K\u00f6rper, die Atem, wiederkehrende Gesten und ein Rhythmus des Fallens und Wiederaufstehens vereint.<\/p>\n

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Photo: A. Etter<\/figcaption><\/figure>\n

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In Holding Space<\/strong> ergr\u00fcndet Anouk van Dijk die Kraft von drei K\u00f6rpern im Raum.
\nF\u00fcr die niederl\u00e4ndische Choreografin ist es nach ihren erfolgreichen abendf\u00fcllenden Produktionen das erste Kurzst\u00fcck in 25 Jahren. Zur Grundlage ihrer zweigeteilten Choreografie w\u00e4hlt sie die Violinst\u00fccke After Sorrow von David Lang aus dessen Musikzyklus Mystery Sonatas und Duet von Steve Reich. Fasziniert von der engen, aber dennoch offenen Struktur beider Kompositionen \u2013 die zwischen geistig-spirituellem Barockeinfluss und mathematischer Konstruktion oszillieren \u2013 entfaltet van Dijk im Verbund von Tanz und Musik eine unaufhaltsame Dynamik, deren vermeintliche Einfachheit sich durch ihre Komplexit\u00e4t auszeichnet. \u00c4hnlich divergent \u2013 sich mal \u00f6ffnend, dann wieder schlie\u00dfend \u2013 agiert der Raum im Zusammenspiel mit Licht und Choreografie.<\/p>\n

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Photo: A. Etter<\/figcaption><\/figure>\n

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Dunja Joci\u0107 setzt sich in ihrem St\u00fcck Moonfall<\/strong> mit Extremsituationen auseinander.
\nVor dem Hintergrund gegenw\u00e4rtiger gesellschaftspolitischer Krisen untersucht die serbisch-niederl\u00e4ndische Choreografin das Verh\u00e4ltnis von Individuum und Kollektiv im Prozess von Umsturz und Wiederherstellung. Dabei interessieren sie besonders die Wahrnehmung und das Handeln von Menschen im Modus der Alarmbereitschaft. Joci\u0107 arbeitet mit den Musikst\u00fccken Rewriting Beethoven\u2019s Seventh Symphony Part 1 von Michael Gordon und The Whole\u2019s Gone Missing von Renger Koning. Im zweiteiligen Aufbau ihrer Choreografie nutzt sie den spannungsvollen und zuweilen chaosbeschw\u00f6renden Charakter der Musik, um die fragilen und zu-\u2028gleich unvorhersehbaren Akte im Kampf von Akzeptanz und Auflehnung zu versinnbildlichen.<\/p>\n

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Photo: A. Etter<\/figcaption><\/figure>\n

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In The Mass Ornament<\/strong> reflektiert der spanische Choreograf Fran D\u00edaz schlie\u00dflich einen Aspekt aus Siegfried Kracauers 1963 erschienenen Essayband Das Ornament der Masse. Der Philosoph im Umfeld der Frankfurter Schule beschreibt am Beispiel der Revuetruppe Tiller Girls aus den 1920er Jahren die Rationalisierung von K\u00f6rpern als sozial\u00f6konomischem Ausdruck der Massenproduktion. D\u00edaz \u00fcbersetzt diesen Gedanken in die heutige Zeit und nutzt choreografisch ein breites Spektrum an Formationen. Zur unerbittlichen Musik von Henryk G\u00f3reckis Concerto for Harpsichord and String Orchestra Op. 40 und einer zus\u00e4tzlichen Komposition von Tom Foskett-Barnes gliedert D\u00edaz sein St\u00fcck in drei Abschnitte. Pr\u00e4zision, Bewusstheit und Verausgabung charakterisieren in der Choreografie das Selbstopfer f\u00fcr das Ganze. Bei allem Konformit\u00e4tswahn bleibt ein Kuss da manchmal eine letzte Bastion der Menschlichkeit.<\/p>\n<\/div>\n\t\t\t<\/div>\n\t\t<\/div>\n\t<\/div>\n<\/div>\n\n\n<\/div><\/div><\/div>

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Drei Fragen an…<\/h4>\n\t<\/div>\n\t
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Photo: A. Etter<\/figcaption><\/figure>\n\t\t\t<\/div>\n\t\t<\/div>\n\t<\/div>\n<\/div>\n\n\n
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Drei Fragen an die Choreografin Liliana Barros<\/strong><\/h3>\n

Welchen Ansatz verfolgst du bei der Erforschung der Figur des Fauns?<\/strong><\/p>\n

Ich vertiefe Konnotationen des Grotesken, des Au\u00dfergew\u00f6hnlichen und der Unvollkommenheit. Die Figur in FAUNO beschreibt ein Individuum, das den Zustand seiner Seele \u00fcber Metapher und Symbolismus hinaus reflektiert. Es geht um das Freilegen von Schichten emotionaler Zust\u00e4nde, die von Selbstzweifeln und einem Gef\u00fchl der Unvollst\u00e4ndigkeit belastet sind. Ihre Gedanken bewegen sich durch eine d\u00fcstere Unterwelt, gezeichnet vom Verlangen nach Zugeh\u00f6rigkeit, auf der Suche nach einer Identit\u00e4t, die sich in verschiedene Selbstbilder vervielf\u00e4ltigt \u2013 ein Versuch, Freiheit zu erlangen.<\/p>\n

In welchem Verh\u00e4ltnis stehen Musik und Choreografie in deiner Arbeit?<\/strong><\/p>\n

Ich gebe der Choreografie Vorrang. Wenn ich mit einer bereits existierenden Komposition arbeite, ist es f\u00fcr mich essenziell, eine starke Verbindung zum St\u00fcck zu sp\u00fcren, da es einen enormen Einfluss auf meine Arbeitsweise hat. In FAUNO bietet Debussys wunderbare Partitur die ultimative Klanglandschaft f\u00fcr dieses St\u00fcck. Die spannende Herausforderung bestand darin, eine kontrastierende Ebene hinzuzuf\u00fcgen. So existieren zwei k\u00fcnstlerische Ausdrucksformen gleichzeitig, die interagieren.<\/p>\n

Die Kost\u00fcme konterkarieren ein St\u00fcck weit die t\u00e4nzerische Interpretation.<\/strong>
\nWarum dieser Gegensatz?<\/strong><\/p>\n

Ich suchte nach einer M\u00f6glichkeit, der Idee des Verbergens emotionaler Zust\u00e4nde zu widersprechen. Fast wie bei einem Spiegeleffekt wollte ich etwas finden, das letztlich die Exzentrik und \u00dcbertreibung der Figuren enth\u00fcllt und damit die Angst vor der Sichtbarmachung der inneren Dunkelheit konterkariert. Das Kost\u00fcmdesign tr\u00e4gt also eine gewisse Show-Atmosph\u00e4re in sich, die im Kontrast zum undurchsichtigen inneren Zustand der Figuren steht. Wie ein Kristall, der dem Licht ausgesetzt ist, reflektiert es in viele Richtungen.\n<\/p><\/div>\n<\/div>\n<\/div>\n\t\t\t<\/div>\n\t\t<\/div>\n\t<\/div>\n<\/div>\n\n\n

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Liliana Barros<\/strong><\/h3>\n

Die Portugiesin Liliana Barros ist eine unabh\u00e4ngige Choreografin mit Wohnsitz in Deutschland. Nach ihrer Tanzausbildung bei CODARTS in Rotterdam wurde Barros u.a. an der sizilianischen Compagnia Zappal\u00e1 Danza, der Pretty Ugly Dance Company K\u00f6ln, dem Ballett des Saarl\u00e4ndischen Staatstheaters und der Compagnie Marie Chouinard in Montreal engagiert.<\/p>\n

Als freie Choreografin kreierte Barros mehrere Auftragsarbeiten f\u00fcr Kompanien wie Tanz Nationaltheater Mannheim, das Ballett des Saarl\u00e4ndischen Staatstheaters, Gauthier Dance, die MiR Dance Company, die Tanzcompagnie am Theater Osnabr\u00fcck, das Nederlands Dans Theater 2, f\u00fcr Tanz_Kassel am Staatstheater Kassel sowie das Staatsballett Hannover.<\/p>\n

Ihre choreografischen Arbeiten zeichnen sich durch eine intensive szenische Atmosph\u00e4re aus, in der sich die elegante Plastizit\u00e4t des K\u00f6rpers mit technischen Elementen des Tanzes in dekonstruierter Form verbindet. Zu ihren freien Produktionen geh\u00f6rt NERVURE, ein hochgelobtes Solowerk, das mehrere internationale Preise gewann und weltweit auf Tournee ging, sowie MEMORABILIA und TECHNO FAUNA, f\u00fcr die Barros vom Land Niedersachsen und verschiedenen anderen deutschen Stiftungen gef\u00f6rdert wurde. TECHNO FAUNA wurde 2022 \u00fcberdies von der Stiftung Niedersachsen als eine der herausragendsten Produktionen des freien Theaters in Niedersachsen nominiert und auf dem Best OFF Festival in Hannover gezeigt. FAUNO ist ihre erste Arbeit f\u00fcr das Hessische Staatsballett.<\/p>\n\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t

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Drei Fragen an die Choreograf:innen David Raymond & Tiffany Tregarthen<\/strong><\/h2>\n

In Chronicles pr\u00e4sentiert ihr einen Auszug aus eurer Kreation Force Majeure.<\/strong>
\nInwiefern n\u00e4hert ihr euch dem Material auf eine neue Weise?<\/strong><\/p>\n

Unser damaliger Prozess legte gro\u00dfen Wert darauf, die T\u00e4nzer:innen in unsere physischen Interessen einzuf\u00fchren \u2013 die Transformation von Gewicht, Flugbahn, Momentum und Kraft. Wir wollen nun st\u00e4rker auf die Bildsprache eingehen und die Imagination der T\u00e4nzer:innen in Bezug auf den Raum in ihnen, zwischen ihnen und um sie herum f\u00f6rdern. Da wir sie und das Werk selbst nun viel besser kennen, suchen wir nach einer Poesie im Detail und nach der M\u00f6glichkeit, mehr von deren einzigartiger Individualit\u00e4t in die Arbeit einflie\u00dfen zu lassen.<\/p>\n

Wie \u00fcbersetzt ihr das existenzielle Thema einer \u201eh\u00f6heren Gewalt\u201c \u00e4sthetisch in eurem St\u00fcck?<\/strong><\/p>\n

Durch eine unendliche Harmonie von Formung und Aufl\u00f6sung. Diese dr\u00fcckt sich im K\u00f6rper, in der Gruppe und im B\u00fchnenbild aus. Dabei spielt die Beziehung zwischen innerem und \u00e4u\u00dferem Klima eine wichtige Rolle. Die T\u00e4nzer:innen bleiben in einem Zustand des Wandels. Sie sind miteinander und mit den Elementen durch ein psychisches Bindegewebe verbunden. Licht, B\u00fchnenbild und Requisiten dienen als Hyper-Objekte jenseits der Zeit und des menschlichen Ma\u00dfstabs. Kraft und St\u00e4rke manifestieren sich dabei in Form offengelegter Fragilit\u00e4t.<\/p>\n

Ihr arbeitet mit Musik der Komponistin Ang\u00e8le David-Guillou.<\/strong>
\nWelche Rolle spielt sie in eurem kreativen Prozess?<\/strong><\/p>\n

Ang\u00e8les Musik ist wahrhaft eine Musik zum Tanzen. Sie war der inspirierende Ausgangspunkt und der Leitfaden f\u00fcr das Werk. Sie bietet sowohl die Gr\u00f6\u00dfe des Kosmischen als auch die Tiefe der inneren Welt. Ihre Musik verbindet uns mit der geheimnisvollen, unerkl\u00e4rlichen Beziehung zwischen Natur und Kosmos. Dar\u00fcber hinaus erschafft Ang\u00e8le die Atmosph\u00e4re einer Filmmusik \u2013 das Gef\u00fchl mehrerer verbundener Zeitlinien in verschiedenen Dimensionen, die einander beeinflussen.<\/p>\n

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David Raymond & Tiffany Tregarthen<\/strong><\/h2>\n

Nachdem das kanadische Choreograf:innenenduo 2004 zum ersten Mal zusammengearbeitet hatte, verbrachte es einen zweij\u00e4hrigen Residenzaufenthalt in Antwerpen, Belgien, um seine kreative Partnerschaft fortzusetzen und individuelle Bewegungssprache weiterzuentwickeln. Ihre Studien und fr\u00fchen Karrieren f\u00fchrten sie nach New York, S\u00fcdkorea, Brasilien, die Niederlande, Tschechien und Italien, wo sie an Institutionen wie der LondonSchool of Contemporary Dance, der Rotterdamse Dansacademie, der Fontys Dansacademie, der Hansung University und der New York University arbeiteten.<\/p>\n

Sie tanzten unter anderem mit Justine A. Chambers, Company 605, Wen Wei Dance und Beijing Modern Dance Company. Beide haben lange mit Crystal Pites Kompanie Kidd Pivot zusammengearbeitet, u.a. an den mit dem \u201eOlivier Award\u201c ausgezeichneten Werken Betroffenheit und Revisor. Im Jahr 2007 gr\u00fcndeten sie ihre eigene Kompanie Out Innerspace Dance Theatre in Vancouver auf indigenem Gebiet der Coast Salish V\u00f6lker. Entschlossen, \u00fcber die traditionelle \u00c4sthetik hinauszugehen, fordern sie mit dem Out Innerspace Dance Theatre die M\u00f6glichkeiten des zeitgen\u00f6ssischen Tanzes durch Forschung und Experimentieren heraus.<\/p>\n

Seit 2021 choreografieren sie Werke f\u00fcr gro\u00dfe Kompanien wie Ballet BC oder das Nederlands Dans Theater 2. Ihr Erfolgsst\u00fcck Bygones tourt seit 2019 weltweit in \u00fcber 30 St\u00e4dten und 14 L\u00e4ndern. Ihre Choreografien wurden mit dem \u201eCanDance Creation Fund 2014\u201c und dem \u201eCrystal Dance Prize 2019\u201c ausgezeichnet. Sie erhielten f\u00fcr drei Jahre den Titel \u201eAssociate Artist of Agora de la Danse\u201c in Montreal. Dar\u00fcber hinaus bieten sie im Rahmen ihres Ausbildungsprogramms Modus Operandi neben ihrer k\u00fcnstlerischen Arbeit Impulse f\u00fcr Tanzentwicklung und individuelles Mentoring, das bisher einige der radikalsten und inspiriertesten jungen Tanzk\u00fcnstler:innen Kanadas hervorbrachte.<\/p>\n\t\t\t<\/div>\n\t\t<\/div>\n\t<\/div>\n<\/div>\n\n\n

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James Proudfoot<\/strong><\/h2>\n

Der Lichtdesigner und Beleuchtungsdirektor James Proudfoot lebt in Vancouver, Kanada.
\nEr stammt urspr\u00fcnglich aus Edinburgh, Schottland, wo er seine erste Theaterausbildung erhielt.
\nAls Autodidakt auf dem Gebiet der Tanzbeleuchtung hat er in den letzten 25 Jahren f\u00fcr viele K\u00fcnstler:innen und Kompanien Lichtkonzepte entwickelt. Neben einer kontinuierlichen Kollaboration mit dem Out Innerspace Dance Theatre arbeitete er unter anderem mit Ballet BC, Beijing Modern Dance Company, Justine A. Chambers, Company 605, Joe Ink, Action at a Distance und Wen Wei Dance zusammen. Proudfoot ist dankbar daf\u00fcr, auf den Territorien der xwm kw y\u2019 m (Musqueam), Skwxw\u00fa7mesh (Squamish) und Sel\u2019\u00edl\u2019witulh (Tsleil-Waututh) Nationen zu leben und zu arbeiten.<\/p>\n\t\t\t<\/div>\n\t\t<\/div>\n\t<\/div>\n<\/div>\n\n\n

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Drei Fragen an die Choreografin Le\u00efla Ka<\/strong><\/h2>\n

Du arbeitest in Bouff\u00e9es ausschlie\u00dflich mit T\u00e4nzerinnen. <\/strong>
\nWelche Perspektive nimmst du auf sie ein?<\/strong><\/p>\n

Ich erforsche ihre St\u00e4rke, Zerbrechlichkeit und Widerstandskraft. Es geht um rohe Energie, nicht um Klischees.<\/p>\n

Kannst du deinen choreografischen Ansatz <\/strong>
\nkurz beschreiben?<\/strong><\/p>\n

Instinktiv, k\u00f6rperlich, emotional. Die Bewegungen kommen von innen \u2013 dr\u00e4ngend, notwendig.<\/p>\n

Welche Bedeutung haben die Kost\u00fcme f\u00fcr dich in dem St\u00fcck?<\/strong><\/p>\n

Sie formen Identit\u00e4t, Bewegung, Transformation. Kein schm\u00fcckendes Beiwerk, sondern Ausdruck.<\/p>\n\t\t\t<\/div>\n\t\t<\/div>\n\t<\/div>\n<\/div>\n\n\n

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Le\u00efla Ka<\/strong><\/h2>\n

Die Franz\u00f6sin Le\u00efla Ka hat es innerhalb weniger Jahre geschafft, zu einer der gefragtesten Choreografinnen ihrer Generation zu werden.\u2028Ihre Tanzkunst ist zugleich kraftvoll, theatralisch und pr\u00e4zise.<\/p>\n

Ka fand ihren Einstieg \u00fcber den urbanen Tanz und beschritt bewusst einen unkonventionellen Weg abseits akademischer Traditionen. Nach ihrer Mitwirkung in Maguy Marins gefeiertem St\u00fcck May B begann sie, ihre eigenen Choreografien zu kreieren, inspiriert von urbanen und zeitgen\u00f6ssischen Einfl\u00fcssen. Nach dem internationalen Erfolg ihrer ersten drei mehrfach preisgekr\u00f6nten St\u00fccke \u2013 der Solo- und Duettst\u00fccke Pode ser, C\u2019est toi qu\u2019on adore und Se faire la belle \u2013 kreierte Ka mit
\nMaldonne ein Gruppenst\u00fcck, das 2024 f\u00fcr den Inter- national Dance Prize am Saddler\u2019s Wells in London nominiert wurde. Derzeit ist sie assoziierte K\u00fcnstlerin des CENTQUATRE \u2013 Paris, der sc\u00e8ne nationale de Cavaillon und der sc\u00e8ne nationale de Dieppe.<\/p>\n

Die Wiedereinstudierung ihres St\u00fccks Bouff\u00e9es, f\u00fcr das sie 2022 den ersten Preis beim internationalen Wettbewerb Danse \u00c9largie des Th\u00e9\u00e2tre de la Ville de Paris gewann, ist die erste Zusammenarbeit von Ka mit dem Hessischen Staatsballett.<\/p>\n\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t<\/div>\n\t\t<\/div>\n\t<\/div>\n<\/div>\n\n\n

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Drei Fragen an die Choreografin Anouk van Dijk<\/strong><\/h3>\n

Du setzt dich mit zwei sehr unterschiedlichen Violinst\u00fccken von David Lang und Steve <\/strong>
\nReich auseinander. Wie stehen diese beiden Werke in Beziehung zu deiner Choreografie?<\/strong><\/p>\n

Langs Musik bewegt sich in die Tiefe, wie vertikale Kr\u00e4fte, die die T\u00e4nzer:innen sanft nach unten dr\u00fccken, w\u00e4hrend sie versuchen aufzusteigen. Reichs Musik hingegen ist wie sich \u00f6ffnende Fenster: eine end- lose Panoramalandschaft, die sich horizontal entfaltet. Diese gegens\u00e4tzlichen Atmosph\u00e4ren durchdringen die K\u00f6rper der T\u00e4nzer:innen und erzeugen eine sich st\u00e4ndig weiterentwickelnde Kette von Ereignissen, die vertraute Muster neu ausrichten und in einem Zustand st\u00e4ndiger Ver\u00e4nderung halten.<\/p>\n

Kannst du deine Arbeitsweise mit den T\u00e4nzer:innen im Rahmen der von dir <\/strong>
\nentwickelten Countertechnique kurz beschreiben?<\/strong><\/p>\n

Mich interessiert eine dreidimensionale Bewegungssprache, die die T\u00e4nzer:innen in den unendlichen Raum um sie herum einbindet. Die Countertechnique hilft ihnen, die Spannung zwischen Freiheit und Kontrolle, zwischen den Grenzen des K\u00f6rpers und seinem grenzenlosen Potenzial zu halten. Dieses Gleichgewicht, gleichsam eine Dichotomie, hat mich schon immer fasziniert, und ich nutze diese Methodik, um mit den T\u00e4nzer:innen die Freiheit innerhalb ihrer physischen Grenzen zu erkunden.<\/p>\n

Welchen Einfluss haben Kost\u00fcme und B\u00fchnenbild auf deinen choreografischen <\/strong>
\nProzess?<\/strong><\/p>\n

Die Spannung zwischen dem physischen Raum und dem Individuum ist f\u00fcr mich der Ausgangspunkt. In Holding Space wird die B\u00fchne zu einer weiten Leere, in der die T\u00e4nzer:innen verloren wirken \u2013 wie fragile Blumen, die in einer der Welt entrissenen Natur dennoch standhaft bleiben. Jessica Helbachs Kost\u00fcmdesigns erschaffen immer wieder einzigartige Wesen und erforschen die Spannung zwischen dem Nat\u00fcrlichen und K\u00fcnstlichen, dem Pers\u00f6nlichen und Politischen. Jedes Mal fordern sie mich heraus, meine eigene Arbeit aus einer neuen Perspektive zu betrachten.<\/p>\n\t\t\t<\/div>\n\t\t<\/div>\n\t<\/div>\n<\/div>\n\n\n

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Anouk van Dijk<\/strong><\/h3>\n

Die Niederl\u00e4nderin Anouk van Dijk ist Choreografin, Regisseurin und Sch\u00f6pferin der Countertechnique. Von 2012 bis 2019 war sie K\u00fcnstlerische Leiterin der f\u00fchrenden australischen Tanz- kompanie Chunky Move und leitete von 1999 bis 2011 ihre in Amsterdam ans\u00e4ssige Kompanie anoukvandijk dc. Von architektonischer Pracht bis zu reduzierter Minimalistik, von Spektakel bis zu Intimit\u00e4t inszeniert van Dijk ihre Werke in einer Vielzahl von Kontexten, die vom Blackbox-Theater \u00fcber gro\u00dfe B\u00fchnen mit Pros- zenium bis zu ortsspezifischen Arbeiten reichen. Dabei positioniert sie die fragile, aber k\u00e4mpferische menschliche Figur in einer instabilen, sich st\u00e4ndig ver\u00e4ndernden Welt. Im Zentrum von van Dijks k\u00fcnstlerischem Schaffen steht die Countertechnique, ein von ihr entwickeltes Bewegungssystem, das T\u00e4nzer:innen praktische Werkzeuge f\u00fcr eine vielseitige Tanzpraxis im 21. Jahr- hundert bietet \u2013 mit dem Fokus auf den Prozess, Informationen in Handlung umzusetzen. Van Dijk hat disziplin\u00fcbergreifend mit K\u00fcnst-\u2028lern wie Ho Tzu Nyen (Singapur), Theun Mosk (Niederlande), Marg Horwell (Aus-\u2028tralien) und Ian Strange (USA\/Australien) zusammen- gearbeitet. Ihre langj\u00e4hrige Zusammenarbeit mit dem deutschen Schriftsteller und Regisseur Falk Richter hat bisher sieben abendf\u00fcllende Werke hervorgebracht, darunter TRUST (Schaub\u00fchne Berlin), RAUSCH (Schauspielhaus D\u00fcsseldorf) und TOUCH (M\u00fcnchner Kammerspiele).<\/p>\n

Seit 2019 arbeitet Van Dijk international als freischaffende Choreografin und hat Werke unter anderem f\u00fcr das Staatsballett Berlin, die M\u00fcnchner Kammerspiele und das Skanes Dansteater (Schweden) geschaffen. Im Jahr 2012 wurde sie mit dem Swan Award, der renommiertesten Tanz-Auszeichnung der Niederlande geehrt \u2013 als Anerkennung f\u00fcr ihren heraus- ragenden k\u00fcnstlerischen und akademischen Beitrag zum Tanz in ihrem Heimatland. Ihre Bewegungstechnik Countertechnique ist weltweit bekannt geworden.<\/p>\n\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t

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Jessica Helbach<\/strong><\/h3>\n<\/div>\n<\/div>\n<\/div>\n

Die niederl\u00e4ndische Designerin, K\u00fcnstlerin und Kuratorin\u2028Jessica Helbach arbeitet in den Bereichen Theater, Tanz,\u2028Kunst und Lehre. Urspr\u00fcnglich als Modedesignerin und K\u00fcnstlerin ausgebildet, verfolgte Helbach eine Vielzahl inter- disziplin\u00e4rer Projekte, die sich haupts\u00e4chlich mit der Beziehung zwischen Kunst und Mode befassen. Ihre Designs, Ausstellungen und Kunstwerke basieren auf demselben Leitprinzip, bei dem Zeit als zyklisch anstatt linear wahrgenommen wird. Ausstellungen wie Six Yards im Museum Arnheim (2012) \u2013 als Mitglied des K\u00fcnstlerkollektivs Suze May Sho \u2013 \u00fcber die Vergangenheit und Gegenwart der Vlisco-Stoffe, sind beispielhaft f\u00fcr ihren Ansatz. Innerhalb der Ausstellung wurden die Stoffe gleichwertig zur modernen Kunst behandelt. Ein \u00e4hnlicher Ansatz wurde in der Ausstellungsreihe Moonshot im Valkhof Museum in Nijmegen (2022) in enger Zusammenarbeit mit Flos Wildschut angewandt, in der moderne Kunst und wissenschaftliches Erbe in Einklang pr\u00e4sentiert wurden. Helbach wurde 2003 Mitglied des K\u00fcnstlerkollektivs Suze
May Sho, gemeinsam mit Connie Nijman und Rosell Heijmen. Das Kollektiv war ein Pionier im Bereich der Online-Ausstellungen, indem es www.projectprobe.net erfand und einen transhistorischen sowie multidisziplin\u00e4ren Ansatz f\u00fcr Design und Ausstellungsgestaltung entwickelte. Helbachs Arbeit als Kost\u00fcmbildnerin \u2013 unter anderem f\u00fcr Anouk van Dijk und Nicole Beutler \u2013 spiegelt direkt ihr kontinuierliches Engagement f\u00fcr ein sich erweiterndes Feld von Disziplinen wider (Arch\u00e4ologie, Wissenschaft, Kulturerbe). Sie hat an einer Vielzahl von Produktionen f\u00fcr renommierte H\u00e4user wie das Schauspielhaus Bochum, die Oper Malm\u00f6 oder die Philharmonie Luxemburg mitgewirkt. Als Dozentin engagiert sie sich f\u00fcr den interdisziplin\u00e4ren Wissensaustausch und ist auf Crossover-Projekte spezialisiert.<\/p>\n\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t<\/div>\n\t\t<\/div>\n\t<\/div>\n<\/div>\n\n\n

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Drei Fragen an die Choreografin Dunja Jocic\u0301<\/strong><\/h2>\n

In Moonfall erz\u00e4hlst du von Herausforderungen unserer Zeit. Welche sind dies f\u00fcr dich?<\/strong><\/p>\n

Mich interessiert, wie gesellschaftliche Strukturen in schwierigen Situationen funktionieren. Ich kann den globalen Zustand der Welt nicht ignorieren, insbesondere in Bezug auf meine Herkunft. Die Art und Weise, wie L\u00e4nder gef\u00fchrt werden \u2013 Macht, Manipulation, Chaos, Ordnung, Widerstand und Glaube, um nur einige Aspekte zu nennen \u2013 wurde zum zentralen Thema meiner choreografischen Auseinandersetzung. Ein wichtiger Aspekt ist f\u00fcr mich dabei der mentale Zustand in herausfordernden Zeiten und was es braucht, um zu \u00fcberleben.<\/p>\n

Inwieweit beeinflussen die Musiken von Michael Gordon und Renger Koning die <\/strong>
Entwicklung deines St\u00fccks?<\/strong><\/p>\n

Normalerweise lasse ich die Musik w\u00e4hrend des kreativen Prozesses komponieren. Am Ende beginne ich sie dann zusammen- zusetzen, \u00e4hnlich wie beim Schneiden eines Films. In diesem\u2028Fall stand die Musik von Anfang an fest, und ich wurde gleichsam von ihr gef\u00fchrt. Beide Werke besitzen eine starke innere Dramaturgie. Ich spiele mit deren Musikalit\u00e4t, indem ich sie manchmal als treibende Kraft f\u00fcr Bewegung, Komposition und Intensit\u00e4t nutze, w\u00e4hrend ich in anderen Momenten versuche, durch sie hindurchzugehen und eine zus\u00e4tzliche Bewegungsebene zu schaffen, die unsere Wahrnehmung der Musik ver\u00e4ndert.<\/p>\n

Welche Rolle spielt das B\u00fchnen- und Kost\u00fcmdesign in deiner Arbeit?<\/strong><\/p>\n

B\u00fchne und Kost\u00fcme waren die ersten Dinge, die mir klar vor Augen standen. Dieses wei\u00dfe Bild war so pr\u00e4sent, dass ich es nicht loswerden konnte \u2013 und alle weiteren Elemente folgten daraus.
Die \u201eReinheit\u201c von Wei\u00df und die Intensit\u00e4t des Themas erzeugen einen starken Kontrast. Die Kost\u00fcme wirken wie eine R\u00fcstung \u2013 sie schaffen eine Einheit innerhalb des Kollektivs, w\u00e4hrend die T\u00e4nzer:innen dennoch als individuelle Charaktere mit ausgepr\u00e4gten Pers\u00f6nlichkeiten erkennbar bleiben.<\/p>\n

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Dunja Jocic\u0301<\/strong><\/h2>\n

Die serbisch-niederl\u00e4ndische Choreografin Dunja Jocic\u0301 war vor ihrer aktiven Tanzkarriere professionelle rhythmische Sportgymnastin und brachte es dabei zur Vize-Meisterin Jugoslawiens und Mitglied des jugoslawischen Olympiateams.<\/p>\n

Jocic\u0301 lebt in Amsterdam, wo sie seit 2016 ihre eigene Kompanie leitet. Ihre Arbeit wurde mit zahl-\u2028reichen Preisen ausgezeichnet, darunter dem renommierten Swan Award f\u00fcr die beste Tanzproduktion 2020\/21 f\u00fcr The Panter. Neben den Produktionen ihrer eigenen Kompanie hat Jocic\u0301 Werke f\u00fcr verschiedene Ensembles geschaffen, darunter die Spellbound Dance Company (Italien), Gauthier Dance, Club Guy & Roni (Niederlande), das Staatstheater Braunschweig, das Theater Bielefeld und das Stadttheater Osnabr\u00fcck. Sie kreiert auch Werke f\u00fcr die Leinwand. Ihr Tanz- film Bird (2015) wurde f\u00fcr den Golden Kalf Award nominiert, den prestigetr\u00e4chtigsten Filmpreis der Niederlande. Ihre neueste Arbeit wird im neuen Film von Peter Greenaway, Lucca Mortis, zu sehen sein, in dem Dustin Hoffman, Helen Hunt und Sofia Boutella mitspielen.<\/p>\n

Moonfall ist ihre erste Kreation f\u00fcr das Hessische Staatsballett.<\/p>\n\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t

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Ivana Vasic\u0301<\/strong><\/h2>\n

Die Serbin Ivana Vasic\u0301 wurde in Belgrad geboren. Nach einer vielseitigen klassischen Ausbildung mit Schwerpunkt auf deutscher Sprache und Literatur, erg\u00e4nzt durch Ballett, Kunst und Sport, entschied sie sich, an der Akademie f\u00fcr Angewandte Kunst und Design in Belgrad Kost\u00fcmdesign zu studieren. Bereits w\u00e4hrend ihres Studiums erhielt sie erste professionelle Auftr\u00e4ge.<\/p>\n

Seit ihrem Masterabschluss im B\u00fchnenkost\u00fcmdesign hat sie an einer Vielzahl von Projekten sowohl auf nationaler als auch internationaler Ebene gearbeitet. Ihr Werk umfasst \u00fcber 70 Theaterst\u00fccke, zahlreiche Filme und TV-Serien, Dutzende von Werbe-spots sowie Hunderte von Kost\u00fcmdesigns f\u00fcr Werbezwecke und die HoReCa-Branche (Hotel\/Restaurant\/Caf\u00e9). Zu Vasic\u0301s bemerkenswerten Projekten z\u00e4hlen die Filme The Machine (Legendary\/Sony Pictures), Tarot (Sony Pictures) und The Deal (Electric Entertainment); die TV-Serien Besa (Staffel 1), The Outpost (Staffeln 2, 3 und 4), The Ark (Staffeln 1 und 2) sowie The Librarians: TNC (Staffeln 1 und 2). Dar\u00fcber hinaus entwarf sie Kost\u00fcme f\u00fcr den serbischen Pavillon auf der Expo Dubai 2020 sowie die offizielle Wettkampfausr\u00fcstung des serbischen Nationalteams im Wasserspringen.<\/p>\n

Ihre Projekte erstrecken sich \u00fcber verschiedene Genres, darunter mittelalterliche Fantasy, Science-Fiction, Actionkom\u00f6die, Horror, zeitgen\u00f6ssischer Krimi und Modedesign. Vasic\u0301 trainiert Wasserspringen und bekleidet die ehrenamtliche Position der Generalsekret\u00e4rin des Serbischen Wassersprungverbands.<\/p>\n

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Drei Fragen an den Choreografen Fran D\u00edaz<\/strong><\/h2>\n

Welchen Bezug hat dein St\u00fcck zu Siegfried Kracauers Das Ornament der Masse?<\/strong><\/p>\n

Mich interessieren Kracauers Ausf\u00fchrungen zur popul\u00e4ren Unterhaltung, etwa die synchronisierten Tanzroutinen der Tiller Girls, als Spiegel der kapitalistischen Rationalisierung. Ihre geometrisch pr\u00e4zisen Choreografien reflektieren die mechanisierte Logik der Massenproduktion. Ich wollte ein menschliches \u201eMassenornament\u201c in einem zeitgen\u00f6ssischen neoliberalen Kontext erschaffen \u2013 in einer Welt, die Individualit\u00e4t als radikal frei betrachtet, jedoch durch Wirtschaft und Technologie formt. Im St\u00fcckprozess entstand dabei ein Netzwerk aus F\u00fcrsorge und Zusammenarbeit, in dem Individualit\u00e4t und Kollektivit\u00e4t sich nicht widersprechen, sondern im Dialog stehen.<\/p>\n

Wie entwickelst du deine Choreografie zur eher schnellen Musik von Henryk G\u00f3recki?<\/strong><\/p>\n

G\u00f3reckis Concerto for Harpsichord ist ein kurzes, aber intensives St\u00fcck mit zwei kontrastierenden S\u00e4tzen. Der erste, romantisch und doch mechanisch, steht im Gegensatz zur fragmentierten Choreografie. Der zweite, mit fieberhafter Energie, greift Kracauers Idee der Selbstaufl\u00f6sung innerhalb starrer Strukturen auf und spiegelt das Prinzip des Massenornaments wider.
\nDie Choreografie vermittelt zwischen diesen Gegens\u00e4tzen in einem Interludium von Tom Foskett-Barnes, indem sie vom Chaos allm\u00e4hlich in geordnete Bewegung \u00fcbergeht.<\/p>\n

Welche Rolle spielen B\u00fchne, Kost\u00fcme und Licht in deiner Arbeit?<\/strong><\/p>\n

Angesichts der Komplexit\u00e4t von Choreografie und Musik entschied ich mich f\u00fcr eine minimalistische Ausstattung. Besonders die Kost\u00fcme sind eine subtile Referenz an amerikanische Tanzensembles der 1980er Jahre \u2013 eine schlichte, zeitgen\u00f6ssische Silhouette, die sowohl als Uniform dient als auch Kracauers Bezug zur amerikanischen Kultur aufgreift.
\nIch wollte eine \u00c4sthetik erzeugen, die vage an A Chorus Line (1985) erinnert und eine Welt andeutet, in der Performance, Disziplin und Spektakel aufeinandertreffen.<\/p>\n\t\t\t<\/div>\n\t\t<\/div>\n\t<\/div>\n<\/div>\n\n\n

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Fran D\u00edaz<\/strong><\/h2>\n

Der spanische Choreograf Fran D\u00edaz lebt in Deutschland. Er studierte an der National Ballet School of Canada in Toronto und arbeitete als T\u00e4nzer mit dem Leipziger Ballett und dem Staatsballett Hannover unter der Leitung von Marco Goecke. Danach widmete er sich dem Choreografieren. Seine Arbeit, die sich h\u00e4ufig in multidisziplin\u00e4ren Projekten manifestiert, befasst sich h\u00e4ufig mit dem Begriff der Gemeinschaft, dem Bed\u00fcrfnis nach einem Gef\u00fchl der Zugeh\u00f6rigkeit oder der Neukonfiguration der eigenen physischen R\u00e4ume und Grenzen. Er interessiert sich auch\u2028f\u00fcr die Schnittstelle zur Queer-Kultur und die Gestaltung institutioneller Strukturen.<\/p>\n

Im Jahr 2020 gewann er mit seiner Choreografie Toothpicks den dritten Preis beim Internationalen Choreografie- wettbewerb in Hannover, und 2021 war er mit seiner Choreografie I\u2019ll do the talking Finalist beim Internatio- nalen Choreografiewettbewerb in Kopenhagen. Im Jahr 2023 brachte er The Habit, ein neues St\u00fcck f\u00fcr das Bayerische Staatsballett, zur Urauff\u00fchrung sowie zwei weitere Neu- kreationen in der freien Tanzszene, Born by the Sea und Scheme, wobei letzteres die Herausforderungen des Strukturwandels durch die Untersuchung von Beschwerdeprozessen in Tanzinstitutionen untersucht. Mit Born by the Sea z\u00e4hlte D\u00edaz zur Auswahl der TwentyArtists bei Spring Forward 2024 des europ\u00e4ischen Tanznetzwerks Aerowaves.<\/p>\n

The Mass Ornament ist die erste Zusammenarbeit von D\u00edaz mit dem Hessischen Staatsballett.<\/p>\n\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t

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Musikalische Leitung & Licht <\/h4>\n\t<\/div>\n\t
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Tanja R\u00fchl<\/strong><\/h3>\n

Geboren und aufgewachsen in Deutschland, begann Tanja R\u00fchl ihre Ausbildung zur Fachkraft f\u00fcr Veranstaltungstechnik 1999 an der Oper Frankfurt (St\u00e4dtische B\u00fchnen Frankfurt) und wechselte 2002 zum Ballett Frankfurt unter der k\u00fcnstlerischen Leitung von William Forsythe.<\/p>\n

Nach Neugr\u00fcndung der The Forsythe Company (2005) und mit Abschluss des Meisters f\u00fcr Ver- anstaltungstechnik, Fachrichtung Beleuchtung (2007), \u00fcbernahm R\u00fchl die Position der Beleuchtungsmeisterin der Kompanie. Im gleichen Jahr begann sie mit ersten Lichtdesigns f\u00fcr Tanzproduktionen, zun\u00e4chst au\u00dferhalb der Kompanie, bald aber auch f\u00fcr Forsythe selbst.<\/p>\n

Als Mitglied des Forsythe Productions Teams ber\u00e4t sie internationale Tanzkompanien bei der technischen und gestalterischen Umsetzung von Forsythe-Werken und arbeitet weiterhin als Designerin f\u00fcr seine neuen Projekte. Seit Juli 2014 ist R\u00fchl als freiberufliche Lichtdesignerin f\u00fcr darstellende Kunst t\u00e4tig und kollaboriert mit internationalen Choreograf:innen, K\u00fcnstler:innen und Kompanien. Ihre bisherigen Arbeiten waren Bestandteil von Produktionen an H\u00e4usern wie
\nder Op\u00e9ra Garnier, Paris, Brooklyn Academy of Music, New York, Tate Modern, London, Kawasaki Arts Center, Japan, Ruhrtriennale Jahrhunderthalle, Bochum und Taichung National Theater, Taiwan.<\/p>\n

Neben ihrer T\u00e4tigkeit auf der B\u00fchne unterrichtet R\u00fchl Grundlagen des Lichtdesigns und gibt Einblicke in die technischen Aspekte der B\u00fchnenbeleuchtung in Workshops, u. a. an der Palucca Hochschule f\u00fcr Tanz in Dresden und der Hochschule f\u00fcr Musik und Darstellende Kunst Frankfurt (HfMDK) in Frankfurt am Main.<\/p>\n\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t

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Albert Horne<\/strong><\/h3>\n

Der S\u00fcdafrikaner Albert Horne studierte an der Guildhall School of Music and Drama in London. Von 2007 bis 2014 war er Chordirektor und Dirigent an der Oper in Kapstadt, S\u00fcdafrika.
\n2013 erhielt er mit seinem Chor die Auszeichnung \u201eChor des Jahres\u201c bei den International Opera Awards in London. 2012 war Horne Chorleiter bei Gershwins Porgy and Bess mit den Berliner Philharmonikern unter Simon Rattle. Seit 2014 ist er als Chordirektor und Dirigent am Hessischen Staatstheater Wiesbaden engagiert.<\/p>\n

Neben der Einstudierung des gesamten Chorrepertoires \u00fcbernahm Horne hier bereits die musikalische Leitung von Candide (Bernstein), Madame Butterfly (Puccini), Boris Godunow (Mussorgski), Peter Grimes (Britten), La Boh\u00e8me (Puccini), Sch\u00f6nerland (Urauff\u00fchrung von S\u00f8ren Nils Eichberg), Liliom (Ballett von Tim Plegge), Anna Nicole (Turnage), Babylon (J\u00f6rg Widmann), Il trittico (Puccini), Oryx and Crake (Urauff\u00fchrung von S\u00f8ren Nils Eichberg) und Follies (Stephen\u2028Sondheim) sowie drei Sinfoniekonzerte und ein Neujahrskonzert mit dem Hessischen Staatsorchester. Zus\u00e4tzlich zu seiner Position als Chordirektor \u00fcbernahm er von 2022 bis 2024\u2028die Position des Koordinierenden Musikalischen Leiters am Hessischen Staatstheater Wiesbaden. Als Orchesterdirigent arbeitete er u.a. mit dem Orchestra Victoria (Melbourne), dem Orchestre Pasdeloup (Paris) und an den Opernh\u00e4usern in Bordeaux, Malm\u00f6, Tel Aviv, London (ENO) und Cardiff (WNO). Als Gastdirigent stand er am Pult des Landesjugendorchesters Rheinland-Pfalz, mit dem er 2018 durch Deutschland, S\u00fcdafrika und Botswana tourte.
\nWeitere Gastengagements f\u00fchrten ihn zu den M\u00fcnchner Symphonikern im Gasteig und ins Prinzregententheater M\u00fcnchen sowie zur Rheinischen Orchesterakademie Mainz.<\/p>\n

Als Klavierbegleiter trat er in den USA, Gro\u00dfbritannien, Australien, Frankreich, Schweden und Deutschland auf. In der Spielzeit 2024\/25 dirigiert er am Hessischen Staatstheater Wiesbaden neben Chronicles auch Die Zauberfl\u00f6te (Mozart) und Tosca (Puccini).<\/p>\n

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Alice Meregaglia<\/strong><\/h3>\n

Die Italienerin Alice Meregaglia absolvierte ihr Studium am Konservatorium von Venedig und an der Universit\u00e4t Mailand, wo sie jeweils ein Klavierdiplom und einen Master in Musikwissenschaft erwarb. Anschlie\u00dfend erhielt sie mit Bestnote einen Master als Opernkorrepetitorin am Konservatorium von Mailand (in der Klasse von Umberto Finazzi) sowie ein Spezialisierungsdiplom in Orchesterleitung am Konservatorium von Stra\u00dfburg.<\/p>\n

Im Jahr 2012 trat sie dem Op\u00e9ra Studio der Op\u00e9ra du Rhin als Korrepetitorin und Assistentin des Dirigenten bei. 2016 ging sie ans Theater Bremen \u2013 zun\u00e4chst als Chordirektorin und Vocal Coach, sp\u00e4ter auch als Dirigentin. Sie dirigierte zahlreiche Werke, darunter La rondine, La cambiale di matrimonio, L\u2019occasione fa il ladro, Il trovatore, L\u2019elisir d\u2019amore, L\u2019\u00e9toile, Don Giovanni, Le Nozze di Figaro, Cos\u00ec fan tutte, L\u2019impresario Dotcom von L\u030cubica C\u030cekovsk\u00e1, das Requiem von Faur\u00e9 und die Messa a 4 voci von Puccini. Sie wird regelm\u00e4\u00dfig an internationale Opernh\u00e4user eingeladen (u. a. Bregenzer Festspiele, Elbphilharmonie, Staatsoper Hamburg, Op\u00e9ra national du Rhin, Norrlandsoperan) und arbeitet u.a. mit den Bremer Philharmonikern, dem Philharmonischen Orchester Nizza und dem Orchester des Slowakischen Nationaltheaters in Bratislava zusammen.<\/p>\n

Zudem ist sie als Korrepetitorin in zahlreichen Meisterkursen t\u00e4tig (u. a. mit Teresa Berganza, Luciana Serra, Renata Scotto, Anna Vandi, Elisabeth Wilke, Sylvie Valayre) und arbeitet mit Dirigenten wie Marco Comin, Mirga Gra\u017einyte\u0307-Tyla, Marko Letonja, Klaus M\u00e4kel\u00e4, John Nelson, Markus Poschner und Christopher Ward.<\/p>\n

Meregaglia ist Preistr\u00e4gerin des \u201eKurt-H\u00fcbner-Preises 2018\u201c und derzeit Chordirektorin und Dirigentin am Staatstheater Darmstadt. Dort \u00fcbernimmt sie im M\u00e4rz 2025 die musikalische Leitung von La Cenerentola (Aschenputtel) in der Regie Achim Freyers. \u00dcberdies unterrichtet sie Die Kunst des Rezitativs und Italienisches Repertoire an der Hochschule Bremen. Zur Spielzeit 2025\/26 wird sie Chordirektorin an der Staatsoper Hamburg.<\/p>\n\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t

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Das Team<\/h4>\n\t<\/div>\n\t
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Ballettdirektor<\/strong> Bruno Hevnderickx<\/p>\n

Ballettmeister:innen<\/strong> Alison Brown, Jaione Zabala Martin<\/p>\n

Dramaturg<\/strong> Lucas Herrmann<\/p>\n

Company Managerin<\/strong> Lisa Marie Heidrich<\/p>\n

Produktionsleiterin<\/strong> Mara Eckert<\/p>\n

Produktionsleiter Tanzplattform Rhein-Main<\/strong> Melchior Hoffmann<\/p>\n

Technischer Produktionsleiter<\/strong> Dietmar Janeck<\/p>\n

Inspizient \/ Ballettmeister<\/strong> Uwe Fischer<\/p>\n

Leiterin Tanzvermittlung<\/strong> Nira Priore Nouak<\/p>\n

Tanzvermittlung<\/strong> Ludmila Komkova<\/p>\n

Ballettkorrepetitor<\/strong> Waldemar Martynel<\/p>\n

Musikalischer Assistent<\/strong> Daniel Lett<\/p>\n

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Die T\u00e4nzer:innen<\/h4>\n\t<\/div>\n\t
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Ramon John<\/h3>\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t<\/figcaption>\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t<\/figure>\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t<\/a>\n\t\t\t\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t
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Briget Lee<\/h3>\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t<\/figcaption>\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t<\/figure>\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t<\/a>\n\t\t\t\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t
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Enzo Boffa<\/h3>\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t<\/figcaption>\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t<\/figure>\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t<\/a>\n\t\t\t\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t
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Milica Mucibabic<\/h3>\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t<\/figcaption>\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t<\/figure>\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t<\/a>\n\t\t\t\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t
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Benjamin Wilson<\/h3>\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t<\/figcaption>\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t<\/figure>\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t<\/a>\n\t\t\t\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t
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Vanessa Shield<\/h3>\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t<\/figcaption>\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t<\/figure>\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t<\/a>\n\t\t\t\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t
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Luke Watson<\/h3>\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t<\/figcaption>\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t<\/figure>\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t<\/a>\n\t\t\t\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t
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Rita Winder<\/h3>\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t<\/figcaption>\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t<\/figure>\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t<\/a>\n\t\t\t\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t
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Gorka Duran Villar<\/h3>\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t<\/figcaption>\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t<\/figure>\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t<\/a>\n\t\t\t\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t
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Meilyn Kennedy<\/h3>\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t<\/figcaption>\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t<\/figure>\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t<\/a>\n\t\t\t\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t
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Peng Chen<\/h3>\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t<\/figcaption>\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t<\/figure>\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t<\/a>\n\t\t\t\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t
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Kenedy Kallas<\/h3>\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t<\/figcaption>\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t<\/figure>\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t<\/a>\n\t\t\t\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t
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Tatsuki Takada<\/h3>\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t<\/figcaption>\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t<\/figure>\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t<\/a>\n\t\t\t\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t
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Marie Ramet<\/h3>\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t<\/figcaption>\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t<\/figure>\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t<\/a>\n\t\t\t\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t
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Taulant Shehu<\/h3>\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t<\/figcaption>\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t<\/figure>\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t<\/a>\n\t\t\t\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t
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Aur\u00e9lie Patriarca<\/h3>\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t<\/figcaption>\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t<\/figure>\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t<\/a>\n\t\t\t\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t
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Alessio Pirrone<\/h3>\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t<\/figcaption>\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t<\/figure>\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t<\/a>\n\t\t\t\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t
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Margaret Howard<\/h3>\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t<\/figcaption>\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t<\/figure>\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t<\/a>\n\t\t\t\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t
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Yamil Ortiz<\/h3>\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t<\/figcaption>\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t<\/figure>\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t<\/a>\n\t\t\t\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t
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Greta Dato<\/h3>\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t<\/figcaption>\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t<\/figure>\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t<\/a>\n\t\t\t\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t
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Marcos Novais<\/h3>\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t<\/figcaption>\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t<\/figure>\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t<\/a>\n\t\t\t\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t
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Daniela Castro Hechavarri\u00e1<\/h3>\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t<\/figcaption>\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t<\/figure>\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t<\/a>\n\t\t\t\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t
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Jorge Moro Argote<\/h3>\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t<\/figcaption>\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t<\/figure>\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t<\/a>\n\t\t\t\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t
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Mei-Yun Lu<\/h3>\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t<\/figcaption>\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t<\/figure>\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t<\/a>\n\t\t\t\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t
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Masayoshi Katori<\/h3>\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t<\/figcaption>\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t<\/figure>\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t<\/a>\n\t\t\t\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t
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Sayaka Kado<\/h3>\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t<\/figcaption>\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t<\/figure>\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t<\/a>\n\t\t\t\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t
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Alessio Damiani<\/h3>\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t<\/figcaption>\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t<\/figure>\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t<\/a>\n\t\t\t\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t
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Anthony Michael Pucci<\/h3>\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t<\/figcaption>\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t<\/figure>\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t<\/a>\n\t\t\t\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t<\/div>\n\t\t<\/div>\n\n\t\n\n<\/div><\/div><\/div>
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Lieben Sie Tanz und Ballett? Dann werden Sie Mitglied bei uns!<\/strong><\/p>\n

Freunde des Hessischen Staatsballetts e. V.<\/strong>
\nChristian-Zais-Strasse 3, 65189 Wiesbaden<\/p>\n

info@freunde-des-hessischen-staatsballetts.de<\/p>\n

Vorsitzende:<\/strong> Dr. Gabriele Sophia Volmer<\/p>\n\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t

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