{"id":13985,"date":"2026-09-27T20:51:09","date_gmt":"2026-09-27T18:51:09","guid":{"rendered":"https:\/\/www.hessisches-staatsballett.de\/?page_id=13985"},"modified":"2026-10-12T17:09:43","modified_gmt":"2026-10-12T15:09:43","slug":"digitales-programmheft-silent-echo","status":"publish","type":"page","link":"https:\/\/www.hessisches-staatsballett.de\/de\/digitales-programmheft-silent-echo\/","title":{"rendered":"Digitales Programmheft „Silent Echo“"},"content":{"rendered":"
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Digitales Programmheft „Silent Echo“<\/strong><\/h1>\n

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\u00a9 De-Da Productions<\/figcaption><\/figure>\n

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„I’m afraid to forget your smile“\u00a0<\/strong><\/a><\/h3>\n

Von Imre & Marne van Opstal<\/p>\n

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\u00a9 De-Da Productions<\/figcaption><\/figure>\n

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„Midnight Raga“\u00a0<\/strong><\/a><\/h3>\n

Von Marco Goecke<\/p>\n\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t

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\u00a9 Andreas Etter<\/figcaption><\/figure>\n

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„The Mass Ornament“\u00a0<\/strong><\/a><\/h3>\n

Von Fran D\u00edaz<\/p>\n\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t<\/div>\n\t\t<\/div>\n\t<\/div>\n<\/div>\n\n\n\t\t

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Credits <\/h4>\n\t<\/div>\n\t
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„I’m afraid to forget your smile“\u00a0<\/strong><\/h2>\n

Choreografie<\/strong> Imre & Marne van Opstal<\/a>
\nB\u00fchne & Licht<\/strong> Tom Visser
\nDramaturgie<\/strong> Lucas Herrmann<\/a><\/p>\n

Musikalische Einstudierung:<\/strong> Dirigent Thomas H\u00f6pp<\/p>\n

Chor:<\/strong> Schiersteiner Kantorei und Musikverein Darmstadt<\/p>\n

S\u00e4nger:innen:<\/strong> Andrea Botar, Victoria Gomez, Simone Gr\u00fcn, Laura Hafner, Azita Mahiny, Eliane Regel, Beatrix Weber, Agnes Busch, Dana Dimitriu, Kirsten K\u00f6rner, Birgid Merkel, Susanne Sch\u00f6ntaube, Regina Titzrath-Mahler, Sabine Wolf, Clemens Bosselmann, Stephan Lich, Adrian M\u00f6ller, Leo Simanjuntak, Rolf-Detlef Treede, Tim-Felix Anderten, Luca Englert, Thomas Ludwig, Eugen Melnykov, Martin Tiedemann, Dietmar Wagner<\/p>\n

T\u00e4nzer:innen:<\/strong> Ramon John<\/a>, Peng Chen<\/a>, Masayoshi Katori<\/a>, Luke Watson<\/a>, Sayaka Kado<\/a>, Mei-Yun Lu<\/a>, Bridget Lee<\/a>, Daniela Castro Hechavarr\u00eda<\/a>, Anthony Michael Pucci<\/a>, Marcos Novais<\/a>, Enzo Boffa<\/a>, Benjamin Wilson<\/a>, Alessio Pirrone<\/a><\/p>\n

Urauff\u00fchrung Darmstadt \u2013 17.09.2022, 19.30 Uhr<\/strong>
\nStaatstheater Darmstadt, Gro\u00dfes Haus<\/p>\n

Premiere Wiesbaden \u2013 28.10.2022, 19.30 Uhr<\/strong>
\nStaatstheater Wiesbaden, Gro\u00dfes Haus<\/p>\n

Trailer:<\/strong> De-Da Productions<\/p>\n\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t

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„Midnight Raga“\u00a0<\/strong><\/h2>\n

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Choreografie:<\/strong> Marco Goecke<\/a>
\nMusik:<\/strong> Ravi Shankar\/Etta James
\nKost\u00fcm:<\/strong> Marco Goecke \/ Nadja Kadel
\nMusikalische Einstudierung:<\/strong> Waldemar Martynel<\/a>
\nT\u00e4nzer:innen:<\/strong> Ramon John<\/a>, Mei-Yun Lu<\/a>, Benjamin Wilson<\/a>, Marcos Novais<\/a>, Sayaka Kado<\/a>, Alessio Pirrone<\/a>
\nTrailer:<\/strong> De-Da Productions<\/p>\n\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t

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„The Mass Ornament“<\/strong><\/h2>\n

Choreografie, B\u00fchne und Kost\u00fcm:<\/strong> Fran D\u00edaz<\/a>
\nLicht:<\/strong> Tanja R\u00fchl
\nInspizienz:<\/strong> Uwe Fischer<\/a>
\nTrailer:<\/strong> De-Da Productions<\/p>\n\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t<\/div>\n\t\t<\/div>\n\t<\/div>\n<\/div>\n\n\n<\/div><\/div><\/div>

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Dramaturgentext <\/h4>\n\t<\/div>\n\t
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(c) De-Da Productions<\/figcaption><\/figure>\n\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t
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(c) De-Da Productions<\/figcaption><\/figure>\n\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t
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(c) Andreas Etter<\/figcaption><\/figure>\n\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t<\/div>\n\t\t<\/div>\n\t<\/div>\n<\/div>\n\n\n
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Drei Choreografische Welten<\/strong><\/h1>\n

von Lucas Herrmann<\/strong><\/h2>\n

Silent Echo bringt die Erfolgsproduktionen I\u2019m afraid to forget your smile von Imre & Marnevan Opstal, Midnight Raga von Marco Goecke und The Mass Ornament von Fran D\u00edaz aus dem Repertoire des Hessischen Staatsballetts zur\u00fcck auf die B\u00fchne. In den drei Arbeiten artikulieren sich h\u00f6chst unterschiedliche Bewegungssprachen \u2013 und begegnen sich doch in zentralen Fragen des Menschseins.<\/p>\n

Den Abend er\u00f6ffnen Imre & Marne van Opstal mit I\u2019m afraid to forget your smile. Sechzehn K\u00f6rper sitzen auf B\u00e4nken, sechs weitere liegen in einer von glei\u00dfendem Licht beschienenen Fl\u00e4che. Aus kollektiven Stimmen erhebt sich ein Choral. Wie auf ein geheimes Zeichen beginnen die Liegenden, ihre Beine im wechselnden Takt auf den Boden zu schlagen. Der Rhythmus breitet sich aus und verwandelt den Raum in ein kraftvolles, perkussives K\u00f6rperbild: Sakral anmutende Erhabenheit trifft auf die unmittelbare, irdische Kraft des K\u00f6rpers. Stimme und Bewegung stehen zun\u00e4chst in Spannung zueinander, bevor sie zunehmend verschmelzen. Der zweiteilige Aufbau der Choreografie f\u00fchrt vom Individuellen zum Kollektiven: Soli und Duette erscheinen zun\u00e4chst als pers\u00f6nliche Auseinandersetzungen mit Erinnerungen und Emotionen, Begegnungen und Blicke schaffen fragile Momente von N\u00e4he. Dazwischen entsteht Stille \u2013 Augenblicke des Innehaltens, die genauso stark wirken wie der Gesang. Im zweiten Teil formieren sich die T\u00e4nzer:innen zu gr\u00f6\u00dferen Gruppen. Die Vielstimmigkeit des Chores wird k\u00f6rperlich sichtbar: Die Gruppe strebt nach Einheit, erreicht sie f\u00fcr einen Moment und zerf\u00e4llt wieder. Gerade die Verg\u00e4nglichkeit dieser Momente verleiht ihnen ihre Intensit\u00e4t. Sie werden zu Bildern einer Gemeinschaft, die im Bewusstsein ihres Verschwindens umso nachhaltiger in Erinnerung bleibt.<\/p>\n

Uraufgef\u00fchrt beim Hessischen Staatsballett im Jahr 2022 und f\u00fcr den Theaterpreis DER FAUST 2023 nominiert, ist I\u2019m afraid to forget your smile ein St\u00fcck \u00fcber Verlust und Loslassen \u2013 und \u00fcber den Wunsch, das Verlorene dennoch festzuhalten. Gemeinsam mit B\u00fchnen- und Lichtdesigner Tom Visser schaffen die Geschwister van Opstal ein fl\u00fcchtiges Tanzgem\u00e4lde aus vielen Farben und Schichten. Die Chormusik von u. a. Ola Gjeilo, J\u00f3hann J\u00f3hannsson und Arvo P\u00e4rt wird von der Schiersteiner Kantorei und dem Musikverein Darmstadt unter der Leitung von Thomas H\u00f6pp live gesungen.<\/p>\n

Ein tiefes Mitternachtsblau pr\u00e4gt den zweiten Teil des Abends: Marco Goeckes Midnight Raga. Der Titel verweist auf die klassische indische Musikform des Raga \u2013 eine melodische Grundstruktur, die traditionell mit bestimmten Tages- und Gef\u00fchlszeiten verbunden ist. Anders als h\u00e4ufig in Goeckes Arbeitsweise bildete bei diesem St\u00fcck die Musik den Ausgangspunkt der Choreografie. Sie stammt von dem indischen Sitarvirtuosen Ravi Shankar und dessen legend\u00e4rem Woodstock-Auftritt 1969.<\/p>\n

Goecke faszinierten darin gleicherma\u00dfen das Mystische und das Fremdartige. Zugleich reizte ihn die Vorstellung, sich von indischer Musik inspirieren zu lassen, ohne die kulturspezifischen Tanzelemente zu \u00fcbernehmen. So trifft eine musikalische Welt voller ritueller und spiritueller Assoziationen auf seine unverwechselbare Bewegungssprache. F\u00fcr die beiden T\u00e4nzer:innen ist diese Sprache ma\u00dfgeschneidert: nerv\u00f6s, pr\u00e4zise, vibrierend und von hoher k\u00f6rperlicher Konzentration. Kleinste Bewegungen k\u00f6nnen den gesamten K\u00f6rper erfassen; Gesten scheinen sich wie elektrische Impulse durch Arme, H\u00e4nde und Oberk\u00f6rper fortzusetzen. Die schweren blauen Seidenstoffe der Kost\u00fcme greifen die Atmosph\u00e4re des St\u00fccks auf und verst\u00e4rken das Gef\u00fchl einer n\u00e4chtlichen, entr\u00fcckten Welt. Neben der Musik Shankars wird eine Live-Aufnahme von Etta James\u2019 ber\u00fchmtem Blues- und Soulklassiker I\u2019d Rather Go Blind eingespielt, die dem Tanz der beiden K\u00f6rper eine innige Note verleiht. Midnight Raga ist ein Duett \u00fcber Spannung und N\u00e4he, \u00fcber Fremdheit und Verbindung sowie ein weiteres Beispiel f\u00fcr Goeckes F\u00e4higkeit, Musik in eine unmittelbar k\u00f6rperliche Erfahrung zu verwandeln.<\/p>\n

Das Hessische Staatsballett war die erste Kompanie, die das 2017 am Nederlands Dans Theater uraufgef\u00fchrte St\u00fcck wiedereinstudiert hat und das urspr\u00fcnglich f\u00fcr zwei M\u00e4nner kreierte Werk dabei auch in weiblicher Besetzung zeigt.
\nIm gro\u00dfen Schlussakkord des Abends The Mass Ornament setzt sich der spanische Choreograf Fran D\u00edaz mit einem Gedanken des Philosophen und Soziologen Siegfried Kracauer auseinander. In seinem Essayband Das Ornament der Masse beschreibt Kracauer am Beispiel der Tiller Girls der 1920er Jahre die Rationalisierung und Synchronisierung von K\u00f6rpern als Ausdruck einer von Massenproduktion gepr\u00e4gten Gesellschaft. D\u00edaz \u00fcbertr\u00e4gt diesen Gedanken in die Gegenwart und erhebt die Gruppe selbst zum choreografischen Material. Pr\u00e4zise Formationen, wiederkehrende Muster und immer neue Konstellationen bestimmen den Verlauf des St\u00fccks. Zu Henryk G\u00f3reckis Concerto for Harpsichord and String Orchestra Op. 40 und einer zus\u00e4tzlichen Komposition von Tom Foskett-Barnes werden die T\u00e4nzer:innen Teil eines komplexen Systems, in dem Individualit\u00e4t zugunsten des Ganzen zur\u00fccktritt. Die Bewegungen verlangen h\u00f6chste Pr\u00e4zision und Bewusstheit, zugleich aber auch k\u00f6rperliche Verausgabung. Der Tanz wird zum Element einer h\u00f6heren Ordnung, die nur funktioniert, wenn sich ihr alle unterwerfen. Doch selbst im scheinbar vollkommen organisierten K\u00f6rperkollektiv blitzen Momente individueller Menschlichkeit auf. Ein Kuss kann dabei zur letzten Bastion pers\u00f6nlicher N\u00e4he werden \u2013 eine kleine, intime Geste, die sich der Logik des Systems widersetzt.<\/p>\n

Mit The Mass Ornament beschloss das Hessische Staatsballett seinen vielumjubelten Jubil\u00e4umsmarathon Chronicles zum zehnj\u00e4hrigen Bestehen im Jahr 2024. Das St\u00fcck erfuhr j\u00fcngst seine australische Premiere in einer Wiedereinstudierung der Sydney Dance Company.<\/p>\n

Drei Werke, drei choreografische Welten: Was sie verbindet, ist die Frage nach dem, was zwischen Menschen geschieht \u2013 und was davon bleibt. Es geht um Erinnerung und Identit\u00e4t, N\u00e4he und Distanz, um Gemeinschaft und Individualit\u00e4t und um die Spuren, die Begegnungen hinterlassen: ein stilles Echo.<\/p>\n\t\t\t<\/div>\n\t\t<\/div>\n\t<\/div>\n<\/div>\n\n\n<\/div><\/div><\/div>

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Im Gespr\u00e4ch mit Imre & Marne van Opstal
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(c) Lukas Anton<\/figcaption><\/figure>\n

Miniaturen eines erinnerten Lebens<\/strong><\/h1>\n

In eurem St\u00fcck setzt ihr euch mit Sterblichkeit auseinander. Wie kamt ihr als junges choreografisches Duo auf das Thema Tod?<\/strong><\/p>\n

Imre:<\/strong> Ein Cousin von uns starb sehr jung. Au\u00dferdem erlebten wir einen weiteren Sterbeprozess in unserem n\u00e4heren famili\u00e4ren Umfeld. Der Tod als Realit\u00e4t kam dadurch etwas n\u00e4her. Nat\u00fcrlich auch durch die Erfahrungen mit der Pandemie, durch die Erkenntnis, dass es dich jederzeit erwischen kann und du keine Kontrolle \u00fcber die Dinge hast.<\/em><\/p>\n

Marne:<\/strong> Uns war dabei wichtig, dass sowohl die T\u00e4nzer:innen als auch das Publikum sp\u00e4ter eine pers\u00f6nliche Verbindung dem St\u00fcck entwickeln w\u00fcrden. Es fragt ja auch danach, was es bedeutet zu leben, einen K\u00f6rper zu haben, Erfahrungen zu sammeln, Liebe zu sp\u00fcren. Am Ende geht alles in etwas \u00fcber, bewegt sich auf einen neuen Ort zu. Auch wir entdecken dieses St\u00fcck w\u00e4hrend des Prozesses immer wieder neu.<\/em><\/p>\n

Wie seid ihr die Arbeit mit den T\u00e4nzer:innen an diesem existenziellen Thema angegangen?<\/strong><\/p>\n

Imre:<\/strong> Wir k\u00f6nnen nicht in einen gemeinsamen Austausch treten, ohne etwas \u00fcber die Menschen zu wissen, mit denen wir arbeiten. Daher haben wir sie gebeten, ihre Erfahrungen und Gedanken \u00fcber die Sterblichkeit in einem Brief niederzuschreiben. Sie versetzen sich dadurch in einen sehr verwundbaren Zustand, aber letztlich bringt es uns als Team n\u00e4her zusammen.<\/em><\/p>\n

Marne:<\/strong> Dadurch erfuhren die T\u00e4nzer:innen Dinge voneinander, die sie vorher nicht kannten, nie zuvor geh\u00f6rt hatten. Sie haben diese Dinge vorher vielleicht nicht einmal \u00fcber sich selbst realisiert, beim Schreiben mussten sie sich aber in ihre Erinnerungen begeben.<\/em><\/p>\n

Imre:<\/strong> Du f\u00e4ngst an, ein bisschen in dir selbst zu graben. Uns ist es wichtig, einen sicheren Ort zu kreieren, in dem Vertrauen herrscht und auch die M\u00f6glichkeit geboten wird, sich fallen zu lassen, wenn jemand Schmerz empfindet oder weinen m\u00f6chte.<\/em><\/p>\n

Marne:<\/strong> Das hat eine kathartische Wirkung. Es braucht einiges, damit Menschen bereit sind, sich verwundbar zu zeigen, und erlauben, die Emotionen durch sich hindurchzulassen. Wir versuchten bei aller thematischen Schwere, es leicht zu halten und uns mehr \u00fcber die K\u00f6rperlichkeit zu n\u00e4hern als \u00fcber das Drama. In einem kreativen Prozess geht es aber auch darum, eine Hintert\u00fcr zu finden und Momente zuzulassen, bei denen die T\u00e4nzer:innen im Studio von ihren eigenen Emotionen \u00fcberw\u00e4ltigt werden. Das ist sch\u00f6n und macht sie zu menschlichen Wesen.<\/em><\/p>\n

Wie entstand die Idee, mit Chormusik zu arbeiten?<\/strong><\/p>\n

Imre:<\/strong>Wir wollten Live-Elemente in dem St\u00fcck haben. Zu Anfang war uns noch nicht klar, ob es eine Band sein sollte oder ein Kammerquartett. Dann kam die Idee, mit einem Chor zu arbeiten. Es ist f\u00fcr uns eine neue Erfahrung. Wir haben uns in das musikalische Repertoire eingeh\u00f6rt, das sehr breit und vielschichtig ist. Es gibt so viele unterschiedliche Stile. Uns ging es aber mehr um ein Gef\u00fchl und eine gleiche Form von Frequenz. Es war weniger eine bestimmte Zeitepoche, die uns interessiert hat wie die Renaissance oder Klassik, sondern zeitgen\u00f6ssische Kompositionen. Allerdings haben auch diese eine Art \u201eOldschool-Feeling\u201c. Die Idee eines Chores ist nat\u00fcrlich sehr spirituell, es gibt spezifische Konnotationen.<\/em><\/p>\n

Marne:<\/strong> Die menschliche Stimme ist aber auch ein sehr m\u00e4chtiges Mittel, vor allem im Kollektiv. Das hat etwas sehr Urspr\u00fcngliches. Genau wie der Tanz. K\u00f6rper und Stimme sind grundlegende Wirklichkeiten. Sie begleiten uns vom Anbeginn der Zeit und dauern bis zu ihrem Ende. <\/em><\/p>\n

Wie setzt ihr euch choreografisch mit dieser Musik auseinander?<\/strong><\/p>\n

Imre<\/strong>:<\/strong> F\u00fcr uns bestand die Gefahr, dass die Musik zu sch\u00f6n sein k\u00f6nnte. Wir wollten Reibung kreieren durch Kontraste und verschiedene Rhythmen. Das St\u00fcck dreht sich mehr um das Gef\u00fchl des Physischen, darum mussten wir anders als sonst vorgehen, denn durch die Vorgabe der Musik kann der Versuch einer choreografischen Interpretation zu dramatisch werden. Im ersten Teil arbeiten wir st\u00e4rker gegen die Musik an, es wird dadurch mehr Reibung und Rhythmus in den Bewegungen erzeugt, eine \u201ewilde Schicht\u201c. Im zweiten Teil finden Tanz und Musik mehr zueinander, ehe es am Ende t\u00e4nzerisch noch einmal gebrochen wird. Dadurch, dass unsere Bewegungssprache durch die Reibung und eigenen Br\u00fcche im K\u00f6rper bereits so detailliert ist, sieht es von au\u00dfen wahrscheinlich so aus, als w\u00fcrde sich der Tanz nicht wirklich auf die Musik beziehen. <\/em><\/p>\n

Wie ist der Fokus der T\u00e4nzer:innen? Beziehen sie sich auf die Musik oder aufeinander?<\/strong><\/p>\n

Marne<\/strong>: Sie beziehen sich aufeinander, aber vor allem auch auf sich selbst. Der eigene Moment schafft den n\u00e4chsten Moment. Sie befinden sich dadurch in einer sich st\u00e4ndig weiterentwickelnden Situation. Eine Einheit finden sie erst im sogenannten \u201eFamilienportr\u00e4t\u201c, das den zweiten Teil einleitet. Alles davor ist ziemlich getrennt voneinander, wirkt eher in sich gekehrt. Die erste Szene des St\u00fccks ist zwar als eine gemeinsame Erfahrung angelegt, aber die T\u00e4nzer:innen bewegen sich dabei mehr umeinander. <\/em><\/p>\n

Du nennst den Begriff \u201eFamilienportr\u00e4t\u201c. Wie sehr beeinflusst euch Malerei in der Arbeit?<\/strong><\/p>\n

Imre:<\/strong> Wir haben verschiedene Gem\u00e4lde als Inspirationsmaterial auf den Proben verwendet, nehmen aber keine direkten Referenzen. Es gibt gerade in der Malerei so viel Symbolik rund um das Thema Tod. Die Bez\u00fcge, die wir hier erstellen, stammen nicht unbedingt von Gem\u00e4lden, die sich auf den Tod beziehen. Es ging mehr um das malerische Gef\u00fchl, das diese Bilder in einem selbst ausl\u00f6sen. Dies erz\u00e4hlt sich vor allem in der Beziehung zwischen den Menschen dort. Man sp\u00fcrt durch das Betrachten pl\u00f6tzlich eine Miniaturgeschichte, die sich ver\u00e4ndert. Auch dabei geht es wieder um das Leben, um verschiedene Stationen mit verschiedenen Gruppen von Menschen, Beziehungen und Situationen; um eine Abstraktion dessen, was sie m\u00f6glicherweise f\u00fcreinander bedeuten k\u00f6nnten. Vielleicht ist es nur ein Foto in der Zeit, wir schauen es an und denken: \u201eOh mein Gott, das ist ja eine Erinnerung!\u201c <\/em><\/p>\n

K\u00f6nnt ihr die Szenerie beschreiben, die ihr f\u00fcr die Arbeit gew\u00e4hlt habt?<\/strong><\/p>\n

Marne<\/strong>: Es ist eine Art Warteraum, ein Dazwischen wie im Fegefeuer. Gleichzeitig erscheint der Eindruck einer Arena durch eine viereckige Fl\u00e4che, die von B\u00e4nken, auf denen der Chor sitzt, begrenzt wird. Von oben leuchten Softboxen diese Fl\u00e4che aus. Sie erzeugen ein gerichtetes Licht, das wirkt, als w\u00fcrde es durch Fenster fallen. Beinahe wie bei Kirchenfenstern. Vielleicht ist hier auch ein Bezug zu diesem malerischen Gef\u00fchl zu sehen. Die Kost\u00fcme sollten individuell sein, aber keinen Charakter offenbaren. Der Fokus liegt auf der K\u00f6rperlichkeit. Ebenso beim Chor; er wird auch einfach in Schwarz gehalten. Es entsteht allerdings viel mehr Kontext mit so vielen K\u00f6rpern, mit 16 weiteren Energien im Raum. Das Ganze wirkt wie eine Installation und schafft gleichzeitig ein \u201eKino-Feeling\u201c. Vielleicht k\u00f6nnte das St\u00fcck auch als standortbezogenes Projekt funktionieren.<\/em><\/p>\n

Welche Bedeutung hat der Titel f\u00fcr euch?<\/strong><\/p>\n

Marne:<\/strong> Die meisten Menschen f\u00fcrchten sich davor, jemanden zu vergessen, wenn er stirbt. Das Gesicht zu vergessen. Jetzt haben wir ja Bilder. Aber h\u00e4ufig ist es doch so, als w\u00fcrde die Erinnerung den Rest f\u00fcllen. So funktioniert unser Ged\u00e4chtnis, wir f\u00fcllen es auf, wir ver\u00e4ndern beim Erinnern. Das Einzige, worin die Menschen weiterleben, ist unsere Erinnerung. <\/em><\/p>\n

Imre:<\/strong> Doch am Ende geht es vielleicht auch um eine pers\u00f6nliche Erfahrung, um die Angst, das L\u00e4cheln von jemandem zu vergessen, zu vergessen wie jemand riecht, sich anh\u00f6rt, welches Gef\u00fchl er in einem ausl\u00f6st. Der Aspekt des L\u00e4chelns ist wichtig, denn es handelt von einer guten Erinnerung. Es geht darum, wie diese Person einen gl\u00fccklich gemacht hat, doch gleichzeitig steckt in diesem Titel auch ein sch\u00f6ner Widerspruch in den W\u00f6rtern Angst und L\u00e4cheln. Eine weitere Miniaturgeschichte \u2026<\/em><\/p>\n\t\t\t<\/div>\n\t\t<\/div>\n\t<\/div>\n<\/div>\n\n\n<\/div><\/div><\/div>

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Imre & Marne van Opstal<\/h4>\n\t<\/div>\n\t
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Imre & Marne van Opstal<\/strong><\/h1>\n

bilden als Geschwister ein kreatives Duo als niederl\u00e4ndische Choreograf:innen und renommierte darstellende K\u00fcnstler:innen. Nach erfolgreichen und Tanzkarrieren beim Nederlands Dans Theater (NDT 1 & NDT 2) und\/oder der Batsheva Dance Company verfolgten sie ihre eigene Kreativit\u00e4t. Die kollaborative Natur ihrer Arbeit spricht oft den menschlichen Zustand, die Grenzen und M\u00f6glichkeiten von K\u00f6rper und Geist an. Ihre Arbeit ist vielschichtig und surrealistisch mit einer starken, unverbl\u00fcmten Tanzsprache, die f\u00fcr ihren Eklektizismus, ihre Theatralik und Partnering-Elemente steht. Sie deb\u00fctierten 2014 mit ihrer Kreation LiNK<\/em> f\u00fcr das Talententwicklungsprogramm Up & Coming Choreographers. F\u00fcr Up & Coming Choreographers 2015 realisierten sie die Arbeit John Doe<\/em>. In der Spielzeit 2016\/17 markierte ihre Kreation The Grey<\/em> ihr choreografisches Deb\u00fct f\u00fcr das regul\u00e4re Programm von NDT 2. 2019 schufen sie dann ihr hochgelobtes Erstlingswerk Take Root<\/em> f\u00fcr NDT 1, das als \u201ebeste Tanzproduktion\u201c f\u00fcr den niederl\u00e4ndischen Zwaan nominiert wurde. Ab 2020 konzentrierten sich beide ausschlie\u00dflich aufs Choreografieren. F\u00fcr das NDT 1 schufen sie 2021 mit Baby don\u2019t hurt me<\/em> eine vielgelobte Arbeit rund um die Themen Identit\u00e4t, Sexualit\u00e4t, Geschlecht und Liebe. Ihre j\u00fcngsten Kreationen sind Eye Candy<\/em> mit der Rambert Dance Company und The little man<\/em> f\u00fcr das Nationaltheater Mannheim.<\/p>\n\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t

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(c) Rahi Rezvani<\/figcaption><\/figure>\n\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t<\/div>\n\t\t<\/div>\n\t<\/div>\n<\/div>\n\n\n<\/div><\/div><\/div>
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Im Gespr\u00e4ch mit Marco Goecke<\/h4>\n\t<\/div>\n\t
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(c) De-Da Productions<\/figcaption><\/figure>\n

Bausteine und andere Trips \u2013 Doppelte Dosis Leben<\/h1>\n

Wenn du zur\u00fcckblickst auf den Entstehungsprozess von Midnight Raga. Was war der Ausgangspunkt?<\/strong><\/p>\n

Das war ein Auftragswerk vom Nederlands Dans Theater. Ich war froh, mal kein gro\u00dfes Handlungsballett zu kreieren. Im Grunde ist das ja immer eine Carte Blanche nach dem Motto: \u201eMach was f\u00fcr uns.\u201c Ich habe witzigerweise keinen Drang gehabt, etwas zu erz\u00e4hlen. Ich meine, ich lese viel, aber meistens liege ich vor dem Fernseher mit meinem Hund. Es stellt sich eh die Frage; woher den Mut nehmen, etwas zu erschaffen, das nicht existiert?<\/em><\/p>\n

Irgendwoher hast du den Mut dann ja genommen.<\/strong><\/p>\n

Ein guter Freund hatte mir auf YouTube Musik von Etta James geschickt und parallel besch\u00e4ftigte ich mich mit Woodstock. So kam Ravi Shankar dazu. Das sind alles kleine Bausteine, die in dieser Zeit oder schon vorher zusammengekommen sind. Eine grundlegende Idee habe ich bei abstrakten St\u00fccken noch nie gehabt. Die Ersch\u00f6pfung, die ich nach 25 Jahren als Choreograf versp\u00fcre, r\u00fchrt auch daher, dass ich das alles aus mir selbst herausgequ\u00e4lt habe; ohne zu wissen, was das ist. Das finde ich schon ganz sch\u00f6n mutig. Zumal ich jetzt nicht der gr\u00f6\u00dfte Fan meiner eigenen Arbeit bin.<\/em><\/p>\n

Dann hast du dich dem St\u00fcck also \u00fcber die Musik gen\u00e4hert?<\/strong><\/p>\n

Wenn ich an Woodstock denke; dieses St\u00fcck ist ja auch irgendwie ein Trip und man begibt sich in eine Art Trance. Es ist eine doppelte Dosis Leben, die man empfindet. Auf der B\u00fchne f\u00fchlt sich alles doppelt so stark an. Etta James ist vielleicht etwas Realeres, um aus dieser Trance wieder herauszukommen. Manchmal denkt man, irgendetwas stimmt f\u00fcr mich, ich lasse das so. Als geb\u00fcrtiger Wuppertaler habe ich ohnehin das Gef\u00fchl, dass Collage und Spr\u00fcnge in der Musik immer wichtig sind, um etwas Bestimmtes auszudr\u00fccken. Das Stimmige ist dann vielleicht etwas, das man sehr tief sp\u00fcrt. Und wenn etwas stimmt, ergibt das Sinn, ohne Worte daf\u00fcr zu finden.<\/em><\/p>\n

Welche Bedeutung hat Musik f\u00fcr dich?<\/strong><\/p>\n

Als junger Choreograf bin ich durch Stuttgart gestiefelt, in meiner kleinen Tasche den Discman und meine CDs. Das war einfach eine sch\u00f6ne Zeit; mit Kopfh\u00f6rern auf und dann von irgendwas zu tr\u00e4umen. In der Musik von Etta James entdeckte ich eine ganz tiefe Wahrheit und Leidenschaft. Diese Leidenschaft habe ich immer gesucht und mir f\u00fcr andere Leute gew\u00fcnscht. F\u00fcr junge Leute. Und ich glaube, das habe ich mir auch erf\u00fcllt im Leben. Es ist \u00e4hnlich wie Woodstock ein ganz sch\u00f6ner Trip.<\/em><\/p>\n

Sind die Proben mit den T\u00e4nzer auch so ein Trip?<\/strong><\/p>\n

Vieles entsteht aus der Begegnung. Ich merke sehr schnell, was die T\u00e4nzer k\u00f6nnen und wozu sie bereit sind. Darauf kann ich mich einlassen. Bei der Kreation vom Midnight Raga am Nederlands Dans Theater war bei den beiden T\u00e4nzern Alexander Anderson und Guido Dutilh alles m\u00f6glich. Das war dann auch so ein Schwindel an M\u00f6glichkeiten und ich dachte, wie weit kann ich noch gehen? Das ist vielleicht wie bei Liebesakten. Wenn man jemanden sehr liebt und mit dieser Person schl\u00e4ft, gibt es diesen Moment, wo man sich nicht noch n\u00e4herkommen kann, weil die Grenze der Nahbarkeit bereits erreicht wurde. An dem Sprichwort \u201ejemanden auffressen k\u00f6nnen\u201c, ist schon was dran. Das empfinde ich bei Midnight Raga ebenso. In der N\u00e4he kommt ja auch immer die Verzweiflung, dass man doch getrennt ist.<\/em><\/p>\n

Ich kann mir vorstellen, dass das dann sehr intensive Arbeitsprozesse sind.<\/strong><\/p>\n

Wir haben eigentlich immer viel Spa\u00df auf den Proben und die T\u00e4nzer arbeiten sehr gerne mit mir. Ich gehe immer in St\u00fcckkreationen, um eine gute Zeit zu haben und etwas Sinnvolles zu erreichen. Nat\u00fcrlich ist das intensiv. Aber die meisten T\u00e4nzer, die ich getroffen habe, wollen so etwas erleben. Zu einem bestimmten Grad sind das vielleicht Masochist, die tief in der Qual suchen. Und wenn die so ein wenig masochistisch sind, dann bin ich vielleicht in der Sache etwas sadistisch. Ich empfinde eine St\u00fcckentwicklung wie eine Liebesbeziehung oder ein Verliebtsein f\u00fcr eine bestimmte Zeit mit allen Facetten, Unsicherheiten und dem Auschecken von Grenzen. Wenn das St\u00fcck dann fertig ist, ist dieses Liebesverh\u00e4ltnis einfach vorbei.<\/em><\/p>\n

Wie sieht es dann mit einer Wiedereinstudierung aus?<\/strong><\/p>\n

Ein St\u00fcck zur\u00fcckzubringen beschw\u00f6rt dieses Gef\u00fchl des Verlustes. Man kann das ja nicht kopieren. Genau wie bei der Liebe; du kannst dein Gegen\u00fcber nicht dazu zwingen. Ein interessanter Gedanke eigentlich. Aber wichtig bei einer Wiedereinstudierung ist auch, dass man das St\u00fcck wieder neu sieht und neu entfacht. Das ist gar nicht so einfach, wie manche vielleicht denken. Manchmal w\u00fcnschte ich, die Leute, die sich das angucken, w\u00fcssten, wie viel Kraft das kostet. Das kann man mit Geld \u00fcberhaupt nicht aufwiegen und trotzdem sind die Tanzschaffenden die schlechtbezahltesten K\u00fcnstler in der Kulturbranche.<\/em><\/p>\n

W\u00fcrdest du deine St\u00fccke auch selbst wiedereinstudieren?<\/strong><\/p>\n

Ich habe das mal probiert, aber da musste ich st\u00e4ndig zum Video laufen. Ballettmeister ist ein sehr anstrengender Job; sich wochenlang mit einem St\u00fcck zu befassen, ich wei\u00df gar nicht, ob ich Lust dazu h\u00e4tte. Es ist ja auch furchtbar sich mit alten Liebesbeziehungen auseinanderzusetzen. Ich habe nochmal eine andere Verr\u00fccktheit in mir, die andere Informationen \u00fcbermittelt. Das ist f\u00fcr die T\u00e4nzer sicherlich wertvoll, aber ich vertraue den Menschen, die meine St\u00fccke wiedereinstudieren sehr.<\/em><\/p>\n

Welche Bedeutung hat die Farbe Blau?<\/strong><\/p>\n

Blau ist sicherlich meine Lieblingsfarbe. Die Leute denken immer, ich tr\u00fcge schwarz. Ich habe aber immer blau an. Meinen blauen Anorak. Die Kost\u00fcme im St\u00fcck haben ein leichtes Muster, das sich an indischen Vorlagen orientiert. Letztlich habe ich mich mit Ravi Shankar mehr auseinandergesetzt als mit Etta James. Shankar ist der Vater von Norah Jones, das wusste ich \u00fcberhaupt nicht. Wusstest du das?<\/em><\/p>\n

Nein.<\/strong><\/p>\n

Er war einer der wichtigsten indischen Musiker des 20. Jahrhunderts. Raga ist ein indisches Musikst\u00fcck. Es gibt einen \u201eMorning Raga\u201c und einen \u201eAfternoon Raga\u201c. Das sind Traditionen. Ich wei\u00df gar nicht, um wie viel Uhr Shankar auf Woodstock aufgetreten ist. Aber es gab sicherlich keinen \u201eMidnight Raga\u201c. Ich glaube, dass die Nacht nie schwarz, sondern immer auf eine Art blau ist. \u00dcberdies bedeutet \u201eRaga\u201c im italienischen Slang auch \u201eLeute\u201c und wird als Koseform f\u00fcr \u201eFreunde\u201c verwendet. Das sind alles so kleine Bausteine.<\/em><\/p>\n\t\t\t<\/div>\n\t\t<\/div>\n\t<\/div>\n<\/div>\n\n\n<\/div><\/div><\/div>

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Marco Goecke <\/h4>\n\t<\/div>\n\t
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Marco Goecke<\/strong><\/h1>\n

Seine Ballettausbildung absolvierte Marco Goecke ab 1988 an der Ballettakademie der Heinz-Bosl-Stiftung M\u00fcnchen sowie am K\u00f6niglichen Konservatorium Den Haag, wo er 1995 sein Diplom erhielt. Darauf folgten Engagements an der Staatsoper Berlin und am Theater Hagen, an dem er 2000 seine erste Choreografie mit dem Titel Loch<\/em>. Es folgten mehrere Choreografien f\u00fcr die Noverre-Gesellschaft mit T\u00e4nzer:innen des Stuttgarter Balletts und eine Einladung an das New York Choreographic Institute. Im Juli 2003 gewann Goecke den Prix Dom P\u00e9rignon in Hamburg mit dem St\u00fcck Blushing<\/em>, getanzt vom Stuttgarter Ballett. In den Jahren danach erhielt er zahlreiche Auftr\u00e4ge f\u00fcr internationale Kompanien wie zum Beispiel Les Ballets de Monte Carlo, Norwegisches Nationalballett, Pacific Northwest Ballet Seattle oder Staatsballett Berlin.<\/p>\n

Mit der Spielzeit 2005\/2006 wurde Marco Goecke zum Hauschoreografen des Stuttgarter Balletts ernannt und kreierte im Dezember 2006 dort sein erstes Handlungsballett Nussknacker<\/em>, das sp\u00e4ter auch f\u00fcr den ZDFtheaterkanal verfilmt wurde. Von 2006 bis 2012 hatte Goecke den Titel des Hauschoreografen auch beim Scapino Ballet Rotterdam inne. Ab der Spielzeit 2013\/2014 wurde er Associate Choreographer beim renommierten Nederlands Dans Theater. 2019 bis 2023 war er Gauthier Dance als Artist in Residence verbunden, von 2019-2023 au\u00dferdem Ballettdirektor des Staatsballetts Hannover.<\/p>\n

Von seinen \u00fcber neunzig Werken, werden viele weltweit von Kompanien wiedereinstudiert, so u.a. vom Canadian National Ballet, Stanislawsky Theater Moskau, Ballett Z\u00fcrich oder der Wiener Staatsoper.<\/p>\n

Goecke wurden mehrere internationale Preise zugesprochen, u.a. 2005 der Kulturpreis des Landes Baden-W\u00fcrttemberg, 2006 der Nijinsky Award Monte Carlo, 2015 Choreograph des Jahres in der Kritikerumfrage der Zeitschrift Tanz, 2017 der Niederl\u00e4ndische Tanzpreis Zwaan sowie der italienische Preis Danzadanza f\u00fcr die beste Choreografie des Jahres. 2018 wurde er mit seinem bei NDT uraufgef\u00fchrten St\u00fcck Wir sagen uns Dunkles<\/em> f\u00fcr den Prix Benois nominiert. 2022 wurde er sowohl mit dem Ji\u0159\u00ed-Kyli\u00e1n-Ring als auch dem Deutschen Tanzpreis ausgezeichnet.<\/p>\n

Zu seinen j\u00fcngsten Erfolgsarbeiten geh\u00f6ren das abendf\u00fcllende St\u00fcck A Wilde Story<\/em> \u00fcber den Schriftsteller Oscar Wilde f\u00fcr das Staatsballett Hannover sowie das 2023 entstandene In The Dutch Mountains<\/em> f\u00fcr das Nederlands Dans Theater.<\/p>\n\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t

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(c) Rahi Rezvani<\/figcaption><\/figure>\n\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t<\/div>\n\t\t<\/div>\n\t<\/div>\n<\/div>\n\n\n<\/div><\/div><\/div>
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Im Gespr\u00e4ch mit Fran D\u00edaz<\/h4>\n\t<\/div>\n\t
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(c) Lukas Anton<\/figcaption><\/figure>\n

Im Gespr\u00e4ch mit Fran D\u00edaz<\/h1>\n

Welchen Bezug hat dein St\u00fcck zu Siegfried Kracauers <\/strong>Das Ornament der Masse<\/strong><\/em>?<\/strong><\/p>\n

Mich interessieren Kracauers Ausf\u00fchrungen zur popul\u00e4ren Unterhaltung, etwa die synchronisierten Tanzroutinen der Tiller Girls, als Spiegel der kapitalistischen Rationalisierung. Ihre geometrisch pr\u00e4zisen Choreografien reflektieren die mechanisierte Logik der Massenproduktion. Ich wollte ein menschliches \u201eMassenornament\u201c in einem zeitgen\u00f6ssischen neoliberalen Kontext erschaffen \u2013 in einer Welt, die Individualit\u00e4t als radikal frei betrachtet, jedoch durch Wirtschaft und Technologie formt. Im St\u00fcckprozess entstand dabei ein Netzwerk aus F\u00fcrsorge und Zusammenarbeit, in dem Individualit\u00e4t und Kollektivit\u00e4t sich nicht widersprechen, sondern im Dialog stehen.<\/em><\/p>\n

Wie entwickelst du deine Choreografie zur eher schnellen Musik von Henryk G\u00f3recki?<\/strong><\/p>\n

G\u00f3reckis Concerto for Harpsichord ist ein kurzes, aber intensives St\u00fcck mit zwei kontrastierenden S\u00e4tzen. Der erste, romantisch und doch mechanisch, steht im Gegensatz zur fragmentierten Choreografie. Der zweite, mit fieberhafter Energie, greift Kracauers Idee der Selbstaufl\u00f6sung innerhalb starrer Strukturen auf und spiegelt das Prinzip des Massenornaments wider. Die Choreografie vermittelt zwischen diesen Gegens\u00e4tzen in einem Interludium von Tom Foskett-Barnes, indem sie vom Chaos allm\u00e4hlich in geordnete Bewegung \u00fcbergeht.<\/em><\/p>\n

Welche Rolle spielen B\u00fchne, Kost\u00fcme und Licht in deiner Arbeit?<\/strong><\/p>\n

Angesichts der Komplexit\u00e4t von Choreografie und Musik entschied ich mich f\u00fcr eine minimalistische Ausstattung. Besonders die Kost\u00fcme sind eine subtile Referenz an amerikanische Tanzensembles der 1980er Jahre \u2013 eine schlichte, zeitgen\u00f6ssische Silhouette, die sowohl als Uniform dient als auch Kracauers Bezug zur amerikanischen Kultur aufgreift. Ich wollte eine \u00c4sthetik erzeugen, die vage an A Chorus Line (1985) erinnert und eine Welt andeutet, in der Performance, Disziplin und Spektakel aufeinandertreffen.<\/em><\/p>\n\t\t\t<\/div>\n\t\t<\/div>\n\t<\/div>\n<\/div>\n\n\n<\/div><\/div><\/div>

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Fran D\u00edaz<\/h4>\n\t<\/div>\n\t
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Fran D\u00edaz<\/strong><\/h1>\n

Fran D\u00edaz ist ein spanischer Choreograf, der in Deutschland lebt. Er studierte an der National Ballet School of Canada in Toronto und arbeitete als T\u00e4nzer mit dem Leipziger Ballett und dem Staatsballett Hannover unter der Leitung von Marco Goecke. Danach widmete er sich der Choreografie. Seine Arbeit, die sich h\u00e4ufig in multidisziplin\u00e4ren Projekten manifestiert, befasst sich h\u00e4ufig mit Themen, die mit dem Begriff der Gemeinschaft, dem Bed\u00fcrfnis nach einem Gef\u00fchl der Zugeh\u00f6rigkeit oder der Neukonfiguration der eigenen physischen R\u00e4ume und Grenzen. Er interessiert sich auch f\u00fcr die Schnittstelle zur Queer-Kultur und die Gestaltung institutioneller Strukturen. Im Jahr 2020 gewann er mit seiner Choreografie Toothpicks den dritten Preis beim Internationalen Choreografiewettbewerb in Hannover, und 2021 war er mit seiner Choreografie \u201eI\u2019ll do the talking\u201c<\/em> Finalist beim Internationalen Choreografiewettbewerb in Kopenhagen. Im Jahr 2023 brachte er \u201eThe Habit<\/em>\u201e, ein neues St\u00fcck f\u00fcr das Bayerische Staatsballett, zur Urauff\u00fchrung und zwei neue St\u00fccke in der freien Tanzszene, \u201eBorn by the Sea<\/em>\u201c und \u201eScheme<\/em>\u201e, wobei letzteres die Herausforderungen des Strukturwandels durch die Untersuchung von Beschwerdeprozessen in Tanzinstitutionen untersucht.<\/p>\n\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t

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(c) Lilit Hakobyan<\/figcaption><\/figure>\n\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t<\/div>\n\t\t<\/div>\n\t<\/div>\n<\/div>\n<\/div><\/div><\/div><\/div><\/div><\/div><\/div><\/div>","protected":false},"excerpt":{"rendered":"","protected":false},"author":9,"featured_media":14178,"parent":0,"menu_order":0,"comment_status":"closed","ping_status":"closed","template":"","meta":{"_acf_changed":false,"footnotes":""},"class_list":["post-13985","page","type-page","status-publish","has-post-thumbnail","hentry"],"acf":[],"_links":{"self":[{"href":"https:\/\/www.hessisches-staatsballett.de\/de\/wp-json\/wp\/v2\/pages\/13985","targetHints":{"allow":["GET"]}}],"collection":[{"href":"https:\/\/www.hessisches-staatsballett.de\/de\/wp-json\/wp\/v2\/pages"}],"about":[{"href":"https:\/\/www.hessisches-staatsballett.de\/de\/wp-json\/wp\/v2\/types\/page"}],"author":[{"embeddable":true,"href":"https:\/\/www.hessisches-staatsballett.de\/de\/wp-json\/wp\/v2\/users\/9"}],"replies":[{"embeddable":true,"href":"https:\/\/www.hessisches-staatsballett.de\/de\/wp-json\/wp\/v2\/comments?post=13985"}],"version-history":[{"count":73,"href":"https:\/\/www.hessisches-staatsballett.de\/de\/wp-json\/wp\/v2\/pages\/13985\/revisions"}],"predecessor-version":[{"id":14195,"href":"https:\/\/www.hessisches-staatsballett.de\/de\/wp-json\/wp\/v2\/pages\/13985\/revisions\/14195"}],"wp:featuredmedia":[{"embeddable":true,"href":"https:\/\/www.hessisches-staatsballett.de\/de\/wp-json\/wp\/v2\/media\/14178"}],"wp:attachment":[{"href":"https:\/\/www.hessisches-staatsballett.de\/de\/wp-json\/wp\/v2\/media?parent=13985"}],"curies":[{"name":"wp","href":"https:\/\/api.w.org\/{rel}","templated":true}]}}