{"id":12060,"date":"2026-02-25T15:43:45","date_gmt":"2026-02-25T14:43:45","guid":{"rendered":"https:\/\/www.hessisches-staatsballett.de\/?page_id=12060"},"modified":"2026-02-25T15:43:47","modified_gmt":"2026-02-25T14:43:47","slug":"digitales-programmheft-become-ocean","status":"publish","type":"page","link":"https:\/\/www.hessisches-staatsballett.de\/de\/digitales-programmheft-become-ocean\/","title":{"rendered":"Digitales Programmheft „Become Ocean“"},"content":{"rendered":"
\n\t
\n\t\t
\n\t\t\t
\n\t\t\t\t

Digitales Programmheft „Become Ocean“<\/strong><\/h1>\n

 <\/p>\n

Adams orchestrales Meisterwerk kann als Allegorie auf die Klimakrise interpretiert werden, zugleich ist es eine kraftvolle Meditation \u00fcber Tiefe, Turbulenzen, unheimliche Stille und letztendliche Ruhe.<\/p>\n

F\u00fcr LEE\\VAKULYA<\/strong> dr\u00fcckt sich in dem St\u00fcck aber auch die Sch\u00f6nheit in der Zirkularit\u00e4t des Lebens aus.
\nSie f\u00fchlen sich von der anmutigen Balance der Natur angezogen, die Leben schenkt und es mit ihrer gewaltigen Kraft auch wieder nehmen kann \u2013 und uns letztlich zu unserem Ursprung zur\u00fcckf\u00fchrt.<\/p>\n

Tanz und Musik wechseln zwischen Harmonie und Dissonanz, zwischen der sanften, flie\u00dfenden Zartheit des Wassers und der intensiven, steinspaltenden Spannung des Eises.<\/p>\n\t\t\t<\/div>\n\t\t<\/div>\n\t<\/div>\n<\/div>\n\n\n\t\n\t\t

\n\t\t\t
\n\t\t\t\t
\n\t\t\t\t\t
\n\n\t\t\t\t\t\t
\n\t\t\t\t\t\t\t
\n\t\t\t\t\t\t\t\t
\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t
\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t
\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t
\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\"\"\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t
(c) Andreas Etter<\/figcaption>\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t<\/figure>\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t
\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t
\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\"\"\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t
(c) Andreas Etter _ Anthony Michael Pucci<\/figcaption>\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t<\/figure>\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t
\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t
\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\"\"\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t
(c) Andreas Etter _ Ramon John, Sayaka Kado<\/figcaption>\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t<\/figure>\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t\t\t\t
<\/div>\n\t\t\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\n\t\t\t\t\t\t\t
<\/div>\n\t\t\t\t\t\t\t
<\/div>\n\t\t\t\t\t\t<\/div>\n\n\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t<\/div>\n\t\t<\/div>\n\n\t\n\n\t\t
\n\t\t
\n\t\t\t
\n\t\t\t
\n\t\t\t\t
\n\t
\n\t\t

Dramaturgentext <\/h4>\n\t<\/div>\n\t
\n\t\t
\n\n\n
\n\t
\n\t\t
\n\t\t\t
\n\t\t\t\t

Ein sinnliches Eintauchen<\/strong><\/h2>\n

\n\u201eListening to it, we become ocean.\u201c<\/em><\/h4>\n

Dieses Zitat stammt aus dem mesostischen Gedicht Many Happy Returns des Komponisten John Cage, verfasst in den sp\u00e4ten 1970er Jahren. Cage widmete es seinem Freund und Kollegen Lou Harrison und schrieb \u00fcber dessen Musik: \u201eBeim Zuh\u00f6ren w\u00fcrden wir selbst zu einem Ozean.\u201c Diese Vorstellung faszinierte John Luther Adams, Harrisons Sch\u00fcler, so sehr, dass er sie als Titel f\u00fcr eines seiner bedeutendsten Orchesterwerke w\u00e4hlte: Become Ocean, 2013 vollendet. Auf Anregung des Seattle Symphony Orchestra unter der Leitung von Ludovic Morlot entstand die Komposition, die von der Weite und Dynamik des Meeres inspiriert ist. Ihre wellenartigen, flie\u00dfenden Strukturen spiegeln sowohl die sanfte Ruhe als auch die unaufhaltsame Kraft der Natur wider.<\/h4>\n

\nJohn Luther Adams<\/strong> wurde 1953 in Mississippi geboren. Schon fr\u00fch pr\u00e4gte ihn die Natur, und sein Umzug nach Alaska in den 1970er Jahren verst\u00e4rkte diese Verbindung. Die Landschaft des pazifischen Nordwestens \u2013 Licht, Weite, Klima \u2013 spiegelt sich in Adams\u2019 musikalischer Sprache wider. Diese zeichnet sich durch eine Kombination aus Minimal Music, subtilen Texturen, langsamen Harmonien und r\u00e4umlicher Klanggestaltung aus. Adams sch\u00f6pft seine st\u00e4rksten Einfl\u00fcsse aus der amerikanischen Avantgarde der Nachkriegszeit, darunter Komponisten wie John Cage und Morton Feldman. Wie diese interessiert er sich besonders f\u00fcr Fluidit\u00e4t \u2013 das Verschmelzen von Klang, Raum und Umgebung. Become Ocean erzeugt ein immersives Erlebnis, das das Publikum in die Weite des Meeres eintauchen l\u00e4sst. F\u00fcr diese Komposition erhielt Adams 2014 den Pulitzer-Preis f\u00fcr Musik sowie einen Grammy Award in der Kategorie Komposition.<\/h4>\n

\nDoch Adams\u2019 Musik ist mehr als ein \u00e4sthetisches Erlebnis. Sie thematisiert die tiefere Verbindung zwischen Mensch und Natur. In den Notizen zur Partitur von Become Ocean schreibt Adams: \u201eDas Leben auf dieser Erde entstand aus dem Meer. W\u00e4hrend das Polareis schmilzt und der Meeresspiegel steigt, stehen wir Menschen vor der Aussicht, dass wir buchst\u00e4blich wieder zu Ozean werden.\u201c Das epochemachende Musikst\u00fcck kann daher als Meditation \u00fcber die Klimakrise gelesen werden \u2013 \u00fcber Tiefe, Turbulenzen, Stille und letztendliche Ruhe.<\/h4>\n

\nAus dieser atmosph\u00e4risch dichten Klanglandschaft entwickelt das choreografische Duo LEE\\VAKULYA<\/strong> eine gleichnamige Neukreation f\u00fcr das Hessische Staatsballett. Die beiden Choreograf:innen f\u00fchlen sich von der anmutigen Balance der Natur angezogen, die Leben schenkt und es mit ihrer gewaltigen Kraft auch wieder nehmen kann. Ihre Choreografie \u00fcbersetzt die musikalische Struktur Adams\u2019 in eine umfassende Komposition von K\u00f6rper, Technik und Raum.<\/h4>\n

\nEin Prolog der Sounddesignerin Fanny Thollot<\/strong> stimmt das Publikum zun\u00e4chst sinnlich auf die bevorstehende Klangreise ein. Dann entfaltet sich die Musik: Wellenartige Bewegungen, dramatische H\u00f6hepunkte, ruhige Passagen \u2013 und LEE\\VAKULYA \u00fcbertragen all dies auf die K\u00f6rper der zw\u00f6lf T\u00e4nzer:innen. Die Choreografie folgt dem Prinzip der Wiederkehr: Bewegungen entstehen, l\u00f6sen sich auf und tauchen in ver\u00e4nderter Form erneut auf. Sanfte, flie\u00dfende Sequenzen kontrastieren mit kraftvollen, spannungsgeladenen Momenten. Soli verschmelzen mit Gruppenformationen, sodass die T\u00e4nzer:innen zwischen Individualit\u00e4t und Kollektiv wechseln \u2013 ein Spiegelbild der Dynamik von N\u00e4he, Abh\u00e4ngigkeit und Wandel. Die K\u00f6rper wirken dabei wie lebendige Bestandteile des B\u00fchnenraums, der selbst in Bewegung versetzt wird. So entsteht eine Gesamtkomposition, in der Tanz, Musik und Raum miteinander verschmelzen.<\/h4>\n

\nDas B\u00fchnenbild von Yoko Seyama<\/strong> ist flexibel und dynamisch: Statt fester Kulissen schafft die japanische K\u00fcnstlerin eine gro\u00dfe, bewegliche Installation aus leichten Materialien, die Interaktionsmomente mit den T\u00e4nzer:innen erzeugt. Sie erhebt sich langsam, evoziert Str\u00f6mungen, Wellen und die fortw\u00e4hrende Dynamik des Ozeans. Das Lichtdesign der Taiwanesin Joanne Shyue verst\u00e4rkt diese Wirkung: Bewegte Lichtreflexionen erinnern an Sonnenlichter unter Wasser. Die B\u00fchne wirkt flie\u00dfend und offen, die Grenzen zwischen Raum, T\u00e4nzer:innen und Publikum l\u00f6sen sich auf. Die Orchestermusiker:innen sind transparent auf der B\u00fchne platziert, sodass akustische und k\u00f6rperliche Ebenen \u00fcber die live gespielte Musik zu einer Einheit verschmelzen.<\/h4>\n

\nDie Kost\u00fcme des in Berlin lebenden taiwanesischen Designers Damur Huang<\/strong> transportieren die Qualit\u00e4ten von Wasser in Form, Struktur und Material. Jedes Kost\u00fcm ist ein Unikat, das die individuellen Besonderheiten der T\u00e4nzer:innen aufnimmt, die kreisenden und flie\u00dfenden Bewegungen unterst\u00fctzt und die k\u00f6rperliche Erfahrung der Choreografie intensiviert.<\/h4>\n

\nLEE\\VAKULYA<\/strong> zeigen in Become Ocean, dass Tanz nicht nur Musik illustriert, sondern eine eigenst\u00e4ndige Dimension von Rhythmus, Raum und Volumen erschafft. Die B\u00fchne wird zu einem organischen, atmenden K\u00f6rper, der in st\u00e4ndiger Bewegung ist. K\u00f6rper, Licht, B\u00fchne und Klang verschmelzen zu einem Ganzen \u2013 einer poetischen Allegorie auf die Natur, ihre Sch\u00f6nheit, ihre Gewalt und die unaufhaltsame Zirkularit\u00e4t des Lebens. Wie der Ozean selbst nimmt das Werk das Publikum mit auf eine Reise zwischen Harmonie und Dissonanz, zwischen innerer Ruhe und kraftvoller Dynamik \u2013 ein sinnliches Eintauchen in Klang, Bewegung und Raum.<\/h4>\n

\nvon Lucas Herrmann<\/h4>\n\t\t\t<\/div>\n\t\t<\/div>\n\t<\/div>\n<\/div>\n\n\n<\/div><\/div><\/div>
\n\t
\n\t\t

Biografien<\/h4>\n\t<\/div>\n\t
\n\t\t
\n\n\n
\n\t
\n\t\t
\n\t\t\t
\n\t\t\t\t
\n\t\t\t\t\t
\n\t\t\t\t\t\t
\"\"<\/figure>\n\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t
\n\t\t\t\t\t\t

LEE\\VAKULYA<\/strong><\/h3>\n

LEE\\VAKULYA sind die taiwanesische T\u00e4nzerin und Choreografin Chen-Wei Lee und der ungarische T\u00e4nzer und Choreograf Zolt\u00e1n Vakulya. Das in Br\u00fcssel ans\u00e4ssige Duo arbeitet seit 2016 zusammen an B\u00fchnenproduktionen, Ausstellungen sowie Performances und geh\u00f6rt zu den aufstrebenden Stimmen in der zeitgen\u00f6ssischen Tanzwelt. Lee tanzte mit vielen renommierten Kompanien, darunter Peeping Tom, G\u00f6teborgsOperans Danskompani, Tanztheater Wuppertal Pina Bausch, und von 2009 bis 2014 bei der Batsheva Dance Company. Vakulya kollaborierte neben seiner T\u00e4tigkeit als freier Choreograf mit so unterschiedlichen K\u00fcnstler:innen wie HODWORKS, Mal Pelo, Wim Vandekeybus, David Zambrano, Albert Quesada oder Vera Tussing. Die Arbeit von LEE\\VAKULYA zeichnet sich durch eine flie\u00dfende und zugleich pr\u00e4zise physische Herangehensweise aus, die die Grenzen des K\u00f6rpers herausfordert und in ihren B\u00fchnenarbeiten oft verschiedene Kompositionsstrategien miteinander verkn\u00fcpft. Beim Hessischen Staatsballett liefen als Gastspiele 2022 ihr gefeiertes Duett Together Alone in Darmstadt und 2023 in Wiesbaden die Deutschland-Premiere von Burnt [the eternal long now] im Rahmen des Tanzfestivals Rhein-Main. F\u00fcr ihre Arbeiten wurden beide Choreograf:innen mehrfach ausgezeichnet, so u. a. mit dem Jeon Mak Arts Award 2017 (S\u00fcdkorea), TECO Award for the Art of Dance 2020 (Taiwan) oder Taishin Performing Arts Award 2023 (Taiwan).<\/p>\n\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t<\/div>\n\t\t<\/div>\n\t<\/div>\n<\/div>\n\n\n

\n\t
\n\t\t
\n\t\t\t
\n\t\t\t\t
\n\t\t\t\t\t
\n\t\t\t\t\t\t
\"\"
(c) ArtisTree<\/figcaption><\/figure>\n\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t
\n\t\t\t\t\t\t

Yoko Seyama <\/strong><\/h3>\n

Die in Berlin lebende japanische Szenografin und Multimedia-K\u00fcnstlerin Yoko Seyama hat sich auf Kunst in Bezug zu Zeit und Raum spezialisiert und kommt aus den Bereichen Architektur und Tanz. In ihren Arbeiten kombiniert sie digitale Elemente mit nat\u00fcrlichen Materialien und verwandelt sie in sich ver\u00e4ndernde R\u00e4ume in \u00f6ffentlichen R\u00e4umen, Theatern, Museen und Galerien. F\u00fcr die darstellenden K\u00fcnste hat sie ihre einzigartige B\u00fchnenbilder f\u00fcr Tanz, Ballett, Musicals, Opern und Konzerte in Zusammenarbeit mit zahlreichen Partnern geschaffen, darunter M\u00e9moires d’Oubliettes mit Ji\u0159\u00ed Kyli\u00e1n am NDT, im Berliner Friedrichstadt-Palast GRAND SHOW 23 mit dem Staatsballett Berlin, mit dem Leipziger Ballett Der Nussknacker, am dem Grand Theatre \u0141\u00f3d\u017a Die Fledermaus mit Giorgio Madia, an der Astana Opera Cinderella mit Raimondo Rebeck, am Theatre of Musical Comedy St Petersburg Miss Saigon und Zirkusprinzessin, mit der National Dance Company Wales UK mit Felnando Melo, dem Les Grands Ballets Canadiens de Montr\u00e9al, der Compa\u00f1\u00eda Nacional de Danza und New National Ballet of Japan. Sie arbeitete an der Er\u00f6ffnungsfeier der EXPO 2025 in Osaka Japan und 2023\/24 beim Naniwa Danshi Concert mit Takeatsu Nashimoto. Ihre Installationen wurden weltweit im Zentrum f\u00fcr Internationale Lichtkunst (DE), Bor\u00e5s Art Museum (SE), Museo della luce (Rom), Wood Street Galleries (Pittsburgh), SonicActsXIII (NL), Echigo-Tsumari Art Triennale (JP), Bangkok Citycity Gallery, MAIIAM (TH) und vielen anderen ausgestellt. Sie hat einen MA in Kunstwissenschaft von der Royal Academy of Art in Den Haag und einen BA in Architektur von der Musashino Art University in Tokio. Sie erhielt ein Stipendium der Pola Art Foundation (JP), einen Lighting Design Award 2023 und eine Nominierung f\u00fcr die 22. Hong Kong Dance Awards.<\/p>\n\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t<\/div>\n\t\t<\/div>\n\t<\/div>\n<\/div>\n\n\n

\n\t
\n\t\t
\n\t\t\t
\n\t\t\t\t
\n\t\t\t\t\t
\n\t\t\t\t\t\t
\"\"
(c) Joanne Shyue<\/figcaption><\/figure>\n\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t
\n\t\t\t\t\t\t

Joanne Shyue<\/strong><\/h3>\n

Joanne Shyue ist Lichtdesignerin und K\u00fcnstlerin, die in den Bereichen Theater, Konzerte, Ausstellungen, Installationen, Film und Live-Events arbeitet. Mit einem M.F.A. in Lighting Design von derTaipei National University of the Arts versteht sie Licht nicht nur als technische Disziplin, sondern als k\u00fcnstlerische Sprache mit der F\u00e4higkeit, Wahrnehmung neu zu rahmen und zum Nachdenken anzuregen. Ihre Arbeit geht \u00fcber konventionelles Design hinaus: Joanne ist selbst auf der B\u00fchne aufgetreten und hat improvisierten Tanz mit Live-Beleuchtung verschmolzen, um die Grenzen zwischen Performer und Designer, Pr\u00e4senz und Beleuchtung zu erforschen. Dies erm\u00f6glicht ihr, Licht als aktiven Akteur zu betrachten, statt nur als Hintergrundelement. F\u00fcr Joanne ist Licht niemals neutral. Es ist eine Kraft, die R\u00e4ume formt, Verhalten ver\u00e4ndert und Schichten der Realit\u00e4t enth\u00fcllt oder verbirgt. Sie behandelt jedes Projekt als Experiment, wie Licht mit menschlicher Erfahrung interagiert, und weigert sich, es nur auf Dekoration oder Funktion zu reduzieren. Ihr fortlaufendes Ziel ist es, zu erforschen, wie Licht nicht nur Umgebungen transformieren, sondern auch das Publikum dazu einladen kann, seine eigene Beziehung zur Gesellschaft und zueinander neu zu \u00fcberdenken.<\/p>\n\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t<\/div>\n\t\t<\/div>\n\t<\/div>\n<\/div>\n\n\n

\n\t
\n\t\t
\n\t\t\t
\n\t\t\t\t
\n\t\t\t\t\t
\n\t\t\t\t\t\t
\"\"
(c) Damur<\/figcaption><\/figure>\n\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t
\n\t\t\t\t\t\t

Damur Huang<\/strong><\/h3>\n

Aufgewachsen in Taipeh, Taiwan, entdeckte Huang schon fr\u00fch seine Leidenschaft f\u00fcr Mode \u2013 ein Einfluss, der die starke Pr\u00e4senz asiatischer Popkultur in seinen Designs erkl\u00e4rt. Er studierte Textilien und Bekleidung an der Fu Jen Catholic University, bevor er nach Europa zog, um seine Ausbildung an der K\u00f6niglichen Akademie der Sch\u00f6nen K\u00fcnste in Antwerpen und an La Cambre-Mode[s] in Br\u00fcssel fortzusetzen, wo er im Fachbereich Modedesign seinen Schwerpunkt setzte. 2015 gr\u00fcndete Huang das in Berlin ans\u00e4ssige Label #DAMUR, das seine Inspirationen aus der dynamischen Energie der asiatischen Popkultur und dem experimentellen Geist Berlins bezieht. Huang brilliert darin, die zentralen Elemente der Berliner Kultur zu dekonstruieren und in exzentrische, aber zugleich m\u00fchelos tragbare Kollektionen zu verwandeln. Derzeit pr\u00e4sentiert Huang seine 13. Kollektion und wurde mit dem Young Talents Award ausgezeichnet.<\/p>\n\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t<\/div>\n\t\t<\/div>\n\t<\/div>\n<\/div>\n\n\n<\/div><\/div><\/div>

\n\t
\n\t\t

Im Gespr\u00e4ch mit Chen-Wei Lee und Zolt\u00e1n Vakulya<\/h4>\n\t<\/div>\n\t
\n\t\t
\n\n\n
\n\t
\n\t\t
\n\t\t\t
\n\t\t\t\t
\"\"
(c) Andreas Etter<\/figcaption><\/figure>\n

 <\/p>\n

\nWelchen choreografischen Zugang w\u00e4hlt ihr zur Musik von John Luther Adams?<\/strong><\/h3>\n

Die Musik entspringt tief im Inneren und \u00fcbertr\u00e4gt sich auf den K\u00f6rper, wie etwas, das aus seinem Kern in alle Richtungen str\u00f6mt. Wenn wir an Musikalit\u00e4t im Tanz denken, ist es oft eine Landschaft. Become Ocean ist keine Landschaft, die sich sofort erschlie\u00dft. Die intuitive Reaktion auf diese Musik w\u00e4re zu schweben, aufzusteigen und zu sinken. F\u00fcr uns vermittelt sich aber in erster Linie ein Gef\u00fchl von Pulsation, das unmittelbar mit Bewegung verbunden ist \u2013 die K\u00f6rper einzeln und als gro\u00dfe Einheit, die in kleine Partikel zerfallen oder wie ein m\u00e4chtiger Lungenzug gemeinsam atmen. Die h\u00f6rbare Erfahrung, kombiniert mit unseren visuellen Vorstellungen, inspiriert die Choreografie stark: Wie wir den Raum nutzen, wie die einzelnen T\u00e4nzer:innen ihre K\u00f6rper einsetzen. Wir sagen ihnen immer: \u00d6ffnen und Schlie\u00dfen. Diese Musik vermittelt eine solche Offenheit, aber sobald ein Instrument hervortritt, zoomst du automatisch hinein.<\/p>\n

\nWie verhalten sich Tanz und Musik zueinander?<\/strong><\/h3>\n

Wir arbeiten mit einem Hauptakkord von Chaos und Ordnung. Im Prolog von Fanny Thollot etablieren wir eine Ordnung, um das Publikum und den Tanz zu \u201eberuhigen\u201c \u2013 als Vorbereitung auf das Orchesterst\u00fcck. Become Ocean ist wie ein gro\u00dfes Fest, aber sobald die Ordnung etabliert ist, haben wir Material, um diese wieder zu brechen. Das Chaos entsteht auch, weil wir es in der Musik h\u00f6ren. Man k\u00f6nnte meinen, es g\u00e4be keine Ordnung \u2013 doch tats\u00e4chlich hat die Komposition eine klare Struktur: Alle sieben Minuten gibt es Auf- und Abw\u00e4rtsbewegungen. Nach der H\u00e4lfte kehrt sich alles um. Wir folgen nicht exakt diesem Muster, lassen uns aber davon inspirieren. Die Choreografie arbeitet mit der Idee von Einheit, bricht diese jedoch immer wieder auf. Es gibt Passagen, in denen wir harmonisch mit der Musik verschmelzen. Dort surft der Tanz auf einer Welle. Demgegen\u00fcber suchen wir aber auch gezielt die Momente, in denen die K\u00f6rper in die Musik eintauchen: Solos, die sehr tief gehen, oder der Gruppenk\u00f6rper, der die akustische Erfahrung in seiner Monumentalit\u00e4t reflektiert.<\/h4>\n

\nWelches Erlebnis liefert der Raum f\u00fcr die Gesamtkomposition?<\/strong><\/h3>\n

Der Raum von Yoko Seyama wird zu einem Teil der Gesamtbewegung. Innen- und Au\u00dfenperspektive verschmelzen. Gleichzeitig befinden wir uns mitten im Geschehen. Klang und Bewegung gehen schon dadurch eine besondere Verbindung ein, dass das Orchester mit auf der B\u00fchne ist. \u00dcber allem erstrahlt das Objekt. Wir beschreiben das Gesamtbild f\u00fcr uns im Sinne einer wandernden Wolke \u2013 sichtbar und doch fl\u00fcchtig. So entstehen aus scheinbarem Chaos geordnete Muster. Dabei spielen wir mit dem Gedanken eines Kommens und Gehens; arbeiten mit N\u00e4he und Ferne, wie beim Blick in den Himmel oder auf den Ozean: Die Weite bleibt, doch der Fokus ver\u00e4ndert die Wahrnehmung. Das Lichtdesign von Joanne Shyue wird dabei zum vermittelnden Element. Es erzeugt eine eigene Bewegungsebene, \u00f6ffnet und verschlie\u00dft R\u00e4ume, schafft Tiefe und lenkt den Blick. So entsteht ein Zusammenspiel von Klang, K\u00f6rper und Bewegung, das kontemplative Bilder hervorbringt. Wir hoffen, dass diese eine Offenheit entfalten, um vom Publikum mit eigenen Assoziationen gef\u00fcllt zu werden.<\/p>\n

 <\/p>\n\t\t\t<\/div>\n\t\t<\/div>\n\t<\/div>\n<\/div>\n\n\n<\/div><\/div><\/div><\/div><\/div><\/div><\/div><\/div>\n\n

\n\t
\n\t\t
\n\t\t\t
\n\t\t\t\t

Behind the scenes\u00a0<\/strong><\/h3>\n\t\t\t<\/div>\n\t\t<\/div>\n\t<\/div>\n<\/div>\n\n\n\t\n\t\t
\n\t\t\t
\n\t\t\t\t
\n\t\t\t\t\t
\n\t\t\t\t\t\t
\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t
\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t
\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t
\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\"\"\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t
\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t

\u00a9 De-Da Productions<\/p>\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t<\/figcaption>\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t<\/figure>\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t<\/a>\n\t\t\t\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t

\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t
\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t
\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\"\"\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t
\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t<\/figcaption>\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t<\/figure>\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t<\/a>\n\t\t\t\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t
\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t
\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t
\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\"\"\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t
\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t<\/figcaption>\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t<\/figure>\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t<\/a>\n\t\t\t\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t
\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t
\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t
\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\"\"\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t
\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t<\/figcaption>\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t<\/figure>\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t<\/a>\n\t\t\t\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t<\/div>\n\t\t<\/div>\n\n\t","protected":false},"excerpt":{"rendered":"","protected":false},"author":9,"featured_media":12030,"parent":0,"menu_order":0,"comment_status":"closed","ping_status":"closed","template":"","meta":{"_acf_changed":false,"footnotes":""},"class_list":["post-12060","page","type-page","status-publish","has-post-thumbnail","hentry"],"acf":[],"_links":{"self":[{"href":"https:\/\/www.hessisches-staatsballett.de\/de\/wp-json\/wp\/v2\/pages\/12060","targetHints":{"allow":["GET"]}}],"collection":[{"href":"https:\/\/www.hessisches-staatsballett.de\/de\/wp-json\/wp\/v2\/pages"}],"about":[{"href":"https:\/\/www.hessisches-staatsballett.de\/de\/wp-json\/wp\/v2\/types\/page"}],"author":[{"embeddable":true,"href":"https:\/\/www.hessisches-staatsballett.de\/de\/wp-json\/wp\/v2\/users\/9"}],"replies":[{"embeddable":true,"href":"https:\/\/www.hessisches-staatsballett.de\/de\/wp-json\/wp\/v2\/comments?post=12060"}],"version-history":[{"count":25,"href":"https:\/\/www.hessisches-staatsballett.de\/de\/wp-json\/wp\/v2\/pages\/12060\/revisions"}],"predecessor-version":[{"id":12091,"href":"https:\/\/www.hessisches-staatsballett.de\/de\/wp-json\/wp\/v2\/pages\/12060\/revisions\/12091"}],"wp:featuredmedia":[{"embeddable":true,"href":"https:\/\/www.hessisches-staatsballett.de\/de\/wp-json\/wp\/v2\/media\/12030"}],"wp:attachment":[{"href":"https:\/\/www.hessisches-staatsballett.de\/de\/wp-json\/wp\/v2\/media?parent=12060"}],"curies":[{"name":"wp","href":"https:\/\/api.w.org\/{rel}","templated":true}]}}