{"id":10715,"date":"2025-11-05T18:37:08","date_gmt":"2025-11-05T17:37:08","guid":{"rendered":"https:\/\/www.hessisches-staatsballett.de\/?post_type=nb_production&p=10715"},"modified":"2026-03-19T22:38:00","modified_gmt":"2026-03-19T21:38:00","slug":"lebenslicht","status":"publish","type":"nb_production","link":"https:\/\/www.hessisches-staatsballett.de\/de\/stuecke\/lebenslicht\/","title":{"rendered":"Lebenslicht"},"content":{"rendered":"
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Eine Reise durch den Prozess des Sterbens, des Sich-Verbindens und des Loslassens von<\/strong>
\nMatthew Tusa<\/strong><\/p>\n

Der Tod. Wir alle werden ihm begegnen. K\u00f6nnen uns seiner sicher sein. Er ist unausweichlich \u2013
\nund doch sprechen wir kaum \u00fcber ihn. Wir schieben ihn beiseite, behandeln ihn als Tabuthema \u2013
\nals etwas, das vermieden, hinausgez\u00f6gert oder verleugnet wird. Doch was w\u00e4re, wenn man nur
\nnoch kurze Zeit zu leben h\u00e4tte?<\/p>\n

In der Palliativmedizin werden Menschen mit dieser Wahrheit direkt konfrontiert. Dort ist Heilung
\nnicht mehr das Ziel. Der Fokus verlagert sich auf Schmerzlinderung, F\u00fcrsorge, Trost und W\u00fcrde \u2013
\nauf die Lebensqualit\u00e4t dieser letzten Lebensmomente.<\/p>\n

Dieses Tanzst\u00fcck widmet sich genau diesen Momenten: Inspiriert von den bewegenden
\nGeschichten auf der Palliativstation und den ber\u00fchrenden Einblicken, wie sich Menschen mithilfe
\nder Musiktherapie in ihren letzten Lebensphasen \u00f6ffnen, taucht es tief in die vielschichtigen
\nGef\u00fchlswelten ein. Ein \u201eLebenslicht\u201c am Abend.<\/p>\n

\u201eDas Leben ist angenehm. Der Tod ist friedlich. Der \u00dcbergang ist das Problem.\u201c \u2013 Isaac Asimov<\/p>\n

Am 28.03. gibt es um 19:10 Uhr eine Einf\u00fchrung und nach der Vorstellung auch ein Nachgespr\u00e4ch mit den K\u00fcnstlern.\u00a0<\/strong><\/p>\n\t\t\t<\/div>\n\t\t<\/div>\n\t<\/div>\n<\/div>\n\n\n\t\n\t\t

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(c) Reinhold Fischenich<\/figcaption>\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t<\/figure>\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t
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Choreografie:<\/strong> Matthew Tusa mit dem Ensemble<\/p>\n

T\u00e4nzer:innen:<\/strong> Carlos D\u00edaz, Paige Perry, delta RA\u2019i, Verena Wilhelm<\/p>\n

Musikerin:<\/strong> Sung-Eun Lee, Johannes Gutmann<\/p>\n

Initiatorin und Wegebnerin:<\/strong> Grit Schade<\/p>\n

Gef\u00f6rdert durch Dance Nexus e.V. und das Kulturamt Wiesbaden.<\/strong><\/p>\n

Mit herzlichem Dank an Karin Dietrich, Dr B.O. Maier, das Hinterbergwerk und an die Patient*innen der Palliativstation, deren pers\u00f6nliche Erfahrungen wir k\u00fcnstlerisch verarbeiten durften.<\/strong><\/p>\n\t\t\t<\/div>\n\t\t<\/div>\n\t<\/div>\n<\/div>\n\n\n<\/div><\/div><\/div>

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Matthew Tusa<\/b><\/h3>\n

Seine Mission ist es, die Erfahrung des Tanzes zu vertiefen, indem er kraftvolle, emotionale Tanzst\u00fccke schafft, die ein breites Publikum unterhalten und ansprechen.<\/p>\n

In Australien geboren, lebt Matthew seit 2005 in Wiesbaden. Nach einer 14-j\u00e4hrigen Karriere als Solot\u00e4nzer bei renommierten Kompanien wie der Deutschen Oper am Rhein, dem K\u00f6niglich Schwedischen Ballett, dem Ballet Madrid sowie mit dem Ballett des Hessischen Staatstheater Wiesbaden war er international f\u00fcr Opern- und Tanzkompanien in \u00d6sterreich, Deutschland, den USA und seiner Heimat Australien als Choreograf t\u00e4tig.<\/p>\n

Seit 2018 gestaltet er zweimal im Jahr Tanzprojekte der freien Szene in Wiesbaden mit Unterst\u00fctzung des Kulturamts Wiesbaden, oft in Zusammenarbeit mit der Gruppe LightArtDance. Er erhielt das \u201cProjektstipendium Internationale Maifestspiele\u201d 2021 und 2024 und verschiedene F\u00f6rderungen u.a. ein \u201cBr\u00fcckenstipendium\u201d der Hessische Kulturstiftung und \u201cDistanz Solo\u201d der Neustart Kultur\/Dachverband Tanz.<\/p>\n

www.matthewtusa.com<\/strong><\/p>\n\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t<\/div>\n\t\t<\/div>\n\t<\/div>\n<\/div>\n\n\n

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Carlos D\u00edaz<\/strong><\/h3>\n

Carlos D\u00edaz ist ein peruanischer T\u00e4nzer und Choreograf, der seit 2021 in Frankfurt am Main lebt. Er erhielt seine klassische Ballettausbildung an der Ellison Ballet School in New York City. Von 2015 bis 2020 tanzte Carlos D\u00edaz beim Nationalballett von Peru in Lima. Seit seinem Umzug nach Frankfurt arbeitet er freischaffend und war unter anderem als Gastt\u00e4nzer an der Oper Frankfurt, am Landestheater Detmold sowie am Hessischen Staatstheater Wiesbaden engagiert.<\/p>\n

Als Choreograf pr\u00e4sentierte er eigene Arbeiten beim Sommerwerft-Festival, beim Frankfurt Tanzt Festival, bei Freier Tanz im Delta XIII & XIV (Mannheim) und beim DanceNexus Festival (Wiesbaden). Zudem zeigte er seine St\u00fccke im Gallus Theater Frankfurt.<\/p>\n\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t<\/div>\n\t\t<\/div>\n\t<\/div>\n<\/div>\n\n\n

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Paige Perry<\/strong><\/h3>\n

Paige Perry wurde in den USA geboren. Ihre Ballettausbildung bekam sie in Milwaukee, Wisconsin, ihr erstes Engagement war am Milwaukee Ballet. Nach einem zweij\u00e4hrigen Engagement am Hartford Ballet, wechselte sie ans Hamburg Ballett unter John Neumeier. Nach knapp 5 Jahren am Hamburg Ballett ging sie zur\u00fcck in die USA, wo sie Ensemble-Mitglied am San Francisco Opera Ballet wurde. Zur gleichen Zeit wurde sie Gr\u00fcndungsmitglied der Lines Dance Company unter Alonso King.<\/p>\n

F\u00fcnf Jahre sp\u00e4ter ( und nach der Geburt ihrer ersten zwei Kinder) siedelte sie wieder um nach Europa, wo sie zun\u00e4chst als Solistin am Ulmer Ballett engagiert war. Sp\u00e4ter wechselte sie als Solot\u00e4nzerin ans Staatstheater Wiesbaden.<\/p>\n

Nach Beendigung ihre aktiven Tanzkarriere absolvierte Paige Perry eine Ausbildung zur Tanz-und B\u00fchnenp\u00e4dagogin an der Staatlichen Hochschule f\u00fcr Musik und Darstellende Kunst in Frankfurt, die sie mit einem Diplom abschloss.<\/p>\n

Von 2000 bis 2022 leitete Paige Perry die Ballett Akademie Wiesbaden.<\/p>\n\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t<\/div>\n\t\t<\/div>\n\t<\/div>\n<\/div>\n\n\n

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delta RA’i<\/strong><\/h3>\n

delta RA’i\u00a0ist seit Ende der 70er Jahre als Performer, T\u00e4nzer, Choreograf, Art Director sowie Licht-, B\u00fchnen- und SM-K\u00fcnstler t\u00e4tig.<\/p>\n

Seit 1985 widmet er sich dem japanischen Butoh-Tanz und gr\u00fcndete 1988 in Berlin die erste deutsch-japanische Tanzkompanie: tatoeba-TH\u00c9\u00c2TRE DANSE GROTESQUE (tatoeba.de) mit Minako Seki und Yumiko Yoshioka.<\/p>\n

Seit 1995 kuratierte er zusammen mit Yumiko Yoshioka auch das internationale Butoh-Tanz-Austausch- & Performance-Festival eX…it! (exit.tatoeba.de), das bis 2019 alle 4 Jahre auf Schloss Br\u00f6llin\/Deutschland stattfand.<\/p>\n

1998 begann er, sich dem interaktiven Tanz im \u00f6ffentlichen Raum mit rituellen Fu\u00dfwaschungen (feetwash.de) zu widmen und lernte dadurch Felix Ruckert (felixruckert.de) kennen, mit dem er seit 2000 als T\u00e4nzer, Performer und Dozent zusammenarbeitet.<\/p>\n

Seit 2019 arbeitet er zusammen mit seiner Liebespartnerin Julia an diversen Performances und Workshops rund um K\u00f6rperlichkeit in Lust, Schmerz und Verg\u00e4nglichkeit, Authentizit\u00e4t und Sexualit\u00e4t. Speziell dem Thema Sterben und Tod widmet er immer mehr, vor allem auch k\u00fcnstlerische Aufmerksamkeit, besonders seit er ab 2023 als ehrenamtlicher SterbeBegleiter in einem Hospiz arbeitet.<\/p>\n\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t<\/div>\n\t\t<\/div>\n\t<\/div>\n<\/div>\n\n\n

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Verena Wilhelm<\/strong><\/h3>\n

Verena Wilhelm ist freischaffende, zeitgen\u00f6ssische T\u00e4nzerin und Tanzp\u00e4dagogin. Sie studierte B\u00fchnentanz in Berlin und arbeitet seitdem mit verschiedenen Choreograph*innen der freien Szene, zudem war sie f\u00fcr mehrere Spielzeiten Gast am Schauspiel Stuttgart und dem NTM Mannheim. Sie ist Preistr\u00e4gerin des renommierten International Solotanztheater Festivals Stuttgart, ihre eigenen Arbeiten wurden zudem u.a. von den Sophies\u00e4len Berlin und dem LOFFT Leipzig eingeladen.<\/p>\n

In den letzten Jahren legte sie ihren Fokus verst\u00e4rkt auf den Bereich der Tanzvermittlung \u2013 zur Vertiefung absolvierte sie ein Masterstudium in Tanzp\u00e4dagogik an der Palucca Hochschule f\u00fcr Tanz Dresden. Seitdem bewegt sie sich konstant zwischen verschiedenen Tanzvermittlungskontexten und der kreativen B\u00fchnenarbeit als T\u00e4nzerin, Choreographin und choreographischen Assistenz – und entdeckt dabei best\u00e4ndig neue, inspirierende Synergien.<\/p>\n\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t<\/div>\n\t\t<\/div>\n\t<\/div>\n<\/div>\n\n\n

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Sung-Eun Lee<\/strong><\/h3>\n
Sung-Eun Lee wurde in Seoul, S\u00fcdkorea, geboren und absolvierte ihren Masterstudiengang Musiktherapie an der University of Applied Sciences Frankfurt am Main. Sie ist Musiktherapeutin, DMtG (Deutsche Musiktherapeutische Gesellschaft) qualifiziert, und Heilpraktikerin f\u00fcr Psychotherapie mit Zusatzqualifikationen in Musik-Traumatherapie, Neurologischer Musiktherapie (NMT) nach Thaut und Musiktherapie im palliativen Kontext. Seit 2014 arbeitet sie als Musiktherapeutin in der Palliativmedizin und ist derzeit an der Universit\u00e4tsmedizin Mainz sowie am St. Josefs-Hospital Wiesbaden t\u00e4tig. Zwischen 2018 und 2020 f\u00fchrte sie musiktherapeutische Interventionen im Rahmen der SOL (Song of Life)-Studie durch. Ihr Schwerpunkt liegt auf der Begleitung von Menschen in belastenden Lebensphasen, wobeisie musiktherapeutische Methoden zur emotionalen Entlastung, Stabilisierung und F\u00f6rderung der Lebensqualit\u00e4t einsetzt. Dabei legt sie besonderen Wert auf eine achtsame, ressourcenorientierte und individuell abgestimmte Begleitung.<\/div>\n
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Im Gespr\u00e4ch mit Matthew Tusa <\/h4>\n\t<\/div>\n\t
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Was bedeutet es, innerhalb der freien Szene in Wiesbaden und der umliegenden Region zu arbeiten und St\u00fccke zu entwickeln?<\/strong><\/p>\n

Ich glaube, es gibt viele M\u00f6glichkeiten, in Wiesbaden und der umliegenden Region zu arbeiten und St\u00fccke zu entwickeln. Wiesbaden ist seit 20 Jahren meine Heimat und ich nutze die Gelegenheiten, die hier entstehen. Ich bringe Menschen zusammen, dr\u00fccke mich selbst aus, schaffe St\u00fccke und versuche, die mir zur Verf\u00fcgung stehenden Mittel voll auszusch\u00f6pfen.<\/p>\n

Um das zu erreichen, ist Eigenantrieb wichtig. Es geht darum, M\u00f6glichkeiten zu er\u00f6ffnen, in denen ich selbst entscheide, was und wie ich kreiere und gestalte. Das ist, wo ich als Wiesbadener K\u00fcnstler stehe: die M\u00f6glichkeiten und Rahmenbedingungen herauszuarbeiten und zu schaffen. Dies ist der organisatorischen und managementseitigen Seite geschuldet, die mir Auftrittsm\u00f6glichkeiten und Vorstellungen erlaubt, um meine eigenen Choreografien zu pr\u00e4sentieren.<\/p>\n

Was war der Ausgangspunkt f\u00fcr dein St\u00fcck und gab es dabei besondere Herausforderungen?<\/strong><\/p>\n

Der Ausgangspunkt f\u00fcr \u201eLebenslicht\u201c war ein Treffen mit Song-Eun Lee, einer Musiktherapeutin auf den Palliativstationen in Wiesbaden und Mainz.<\/p>\n

Als ich von ihrer Arbeit und dem Thema Palliativmedizin h\u00f6rte, fand ich es sehr spannend. Das Thema an sich, den Tod und den Prozess des Sterbens hat unglaublich viel tiefe. Es hinterfragt unsere Einstellungen, unseren Glauben und unsere Bed\u00fcrfnisse sowie unsere Herangehensweise an den Tod.<\/p>\n

Das Thema war neu f\u00fcr mich, denn ich hatte mich bis dahin noch nicht wirklich damit auseinandergesetzt. Ich finde das Thema sehr naheliegend und existenziell und denke, dass die Auseinandersetzung dabei hilft. Es geht nicht nur um eine Zeit in der Zukunft, sondern darum, wie ich mein Leben jetzt lebe. Es hat mich gezwungen, meine eigenen Werte und meinen Glauben zu hinterfragen und zu \u00fcberlegen, was mir wichtig ist. Der neu gefundene Wert f\u00fcr Zeit, Verbindung und Leben im Moment bringt Bedeutung und Tiefe und eine Dankbarkeit. Die Ver\u00e4nderung bzw. Wiedererkennung meiner Einstellung und Perspektive dem Tod gegen\u00fcber m\u00f6chte ich in Gedanken und Ideen teilen. Durch meine choreografische Arbeit und meine St\u00fccke \u00f6ffne ich einen Raum und stelle die Frage: Wie seht ihr das? Was denkt ihr? Ich finde es wichtig, solche Themen darzustellen und den Zuschauern den Raum zu geben, ihre eigene Meinung und ihre eigenen Gedanken zu formulieren.<\/p>\n

Ich habe Sung-Eun kennengelernt. Sie hat viel von ihren Erfahrungen und ihrer Arbeit erz\u00e4hlt. Ich fand es sehr emotional, erweiternd, bedeutsam und sorgf\u00e4ltig, was sie macht. Es gibt auch viele Zusammenh\u00e4nge mit dem, was mir als Choreograf wichtig ist: Emotionen zu zeigen, zu bearbeiten und auszudr\u00fccken. So entsteht ein Raum f\u00fcr das Thema, \u00fcber das in meinem Umfeld nicht viel gesprochen wird. Ich habe das Bed\u00fcrfnis, mich damit auseinanderzusetzen und diesen Raum zu \u00f6ffnen.<\/p>\n

Wie stellst du dir die Entwicklung der Freien Szene in Wiesbaden in den n\u00e4chsten f\u00fcnf Jahren vor? Welche Vision hast du f\u00fcr die Zukunft?<\/strong><\/p>\n

Ich denke, die freie Szene hat mit der Unterst\u00fctzung der Akteure viele Chancen, sich hier in Wiesbaden weiterhin zu entwickeln. Damit meine ich konkret die lokale Freeszene in Wiesbaden. Menschen, die hier leben und arbeiten. Ich glaube, es gibt M\u00f6glichkeiten. Es ist eher eine Frage der Organisation, Energie und des Willens, Zeit zu investieren, ohne gro\u00dfe Sicherheit zu haben, um Nachhaltigkeit zu schaffen.<\/p>\n

Vieles in der Freien Szene wird durch freiwillige Arbeit geleistet, und genau da scheitert es oft an der Realit\u00e4t. An Leidenschaft fehlt es nicht.<\/p>\n

Ich denke, wir haben in den letzten Jahren bereits gro\u00dfe Fortschritte erzielt. Was ich bemerke, ist, dass es gen\u00fcgend K\u00fcnstler gibt. Um die freie Szene zu repr\u00e4sentieren, sind Initiativen wie der Dance Nexus e. V. entstanden. Es gibt Initiativen, die Tanzk\u00fcnstler vernetzen und Selbsthilfe f\u00f6rdern. Am meisten scheitert es an der Infrastruktur, dem Zugang und dem Wissen. Da ich aus dem Theaterbereich komme, habe ich einen Vorteil, trotzdem gibt es immer wieder neue Dinge f\u00fcr mich. Ich kann mir nur vorstellen, dass es f\u00fcr andere noch \u00fcberfordernder ist. Hier hilft die Vernetzung. Die Vernetzung bringt dem Tanz mehr Sichtbarkeit und Gemeinsamkeit und hoffentlich auch mehr Engagement mit dem Tanzpublikum. Das finde ich toll! Ein Beispiel ist das \u201eTanznah\u201c-Festival, das entstanden ist. Ich hoffe, dass alles aufeinander aufbaut.<\/p>\n

Ich glaube, am hilfreichsten f\u00fcr die Weiterentwicklung w\u00e4re es, feste Orte (f\u00fcr Proben und Auff\u00fchrungen) und Termine sowie F\u00f6rderm\u00f6glichkeiten zu haben, wo K\u00fcnstler ihre Arbeit ohne zu viel zus\u00e4tzlichen Aufwand machen k\u00f6nnen. Auch Pl\u00e4tze, an denen man sagen kann: \u201eHier gehe ich hin und schaue Tanz in all seinen Formen an.\u201d<\/p>\n

Es gibt auch viele M\u00f6glichkeiten f\u00fcr weiter Kollaborationen, wie zum Beispiel mit dem Staatstheater bei diesem Festival in der Wartburg. Den Festival biete Raum f\u00fcr Tanzschaffende, in Wiesbaden zu arbeiten und sich zu pr\u00e4sentieren. Tanz ist eine lebendige Kunstform, und durch diese M\u00f6glichkeiten bleibt sie sichtbar, aktuell und kreativ.<\/p>\n

Was meine eigene Zukunft betrifft, ist alles offen. In Wiesbaden bleibe ich mit meinen Kindern und meiner Familie. Als K\u00fcnstler, bleibe ich im Moment hier und gehe von einem Projekt zum n\u00e4chsten. Ich lasse mich von meinen Interessen leiten und schaue, welche Mittel ich dann brauche, um sie auszudr\u00fccken. Es ist ein langwieriger Prozess, Menschen, Orte und Mittel zusammenzubringen, aber es ist mir sehr erf\u00fcllend.<\/p>\n

Wie beeinflussen Kooperationen mit Musiker:innen und T\u00e4nzer:innen deinen kreativen Prozess?<\/strong><\/p>\n

Ich bin, muss ich sagen, ziemlich eigenst\u00e4ndig, was die Entwicklung der Grundidee angeht. Von Anfang an w\u00e4hle ich ein Thema aus, zu dem ich etwas ausdr\u00fccken m\u00f6chte. Ich tauche tief ein, setze mich mit allen gesammelten Informationen auseinander und frage mich, welche Aspekte mir wichtig sind und was ich gerne ausdr\u00fccken m\u00f6chte. Sobald ich diese Grundidee habe, suche ich Menschen aus, die mich dabei inspirieren und unterst\u00fctzen k\u00f6nnen.<\/p>\n

Die Grundidee bildet den Kern und bietet eine Struktur zur Umsetzung. Innerhalb dieser Struktur gibt es viel Spielraum f\u00fcr Details. Ich lasse mich von den Menschen, mit denen ich arbeite, und von dem, was sie als perspective mitbringen, inspirieren. Ich glaube, dass wir gemeinsam vielf\u00e4ltigere Ideen haben und dass aus einer gr\u00f6\u00dferen Auswahl mehr entstehen kann. Es ist wie einen Baum zu pflanzen und sich um ihn zu k\u00fcmmern.<\/p>\n

In der choreographische Prozess benutze ich viel verschiedene Wege zu kreieren. Diese involviert die T\u00e4nzer:innen. Von ganz klare festgelegte Schritte und Formen, verschiedene Aufgaben, eigen Material hineinzubringen bis zu Improvisationen. Ich setze die Richtung und schaue was sie bringen. Da es um neue Kreationen geht, ist meine frage oft, \u201chier ist eine Idee, wie w\u00fcrdest du das ausdrucken?\u201d Authentizit\u00e4t bringt viel zu der Glaubhaftigkeit die gezeigt wird. Es bringt auch viele sch\u00f6ne Bewegungen, woran ich selbst nicht denken w\u00fcrde. Die Bewegungsideen flie\u00dfen zusammen, Mischen sich und solange sie kongruent zu der Konzept sind formen der Choreographie.<\/p>\n

Wann hast du begonnen, Choreografie als m\u00f6glichen beruflichen Weg f\u00fcr dich zu sehen?<\/strong><\/p>\n

Choreografie hat mich immer sehr fasziniert. Ich muss sagen, als T\u00e4nzer am Anfang und auch in der Schule, war ich sehr perfektionistisch und es war mir sehr schwierig zu choreografieren. Eine Verletzlichkeit zu zeigen und auch der wissen wie. Meine selbst bewertenden Gedanken Stand mir oft im weg.<\/p>\n

Ein gro\u00dfer Einfluss war Stephan Thoss, f\u00fcr den ich als T\u00e4nzer gearbeitet habe. Er hat mir im Laufe unserer Zusammenarbeit sein Wissen vermittelt. Ich habe kleine St\u00fccke f\u00fcr choreografische Abende kreiert und mich von dort aus weiterentwickelt. Meine Einstellung ist heute wie am Anfang meiner Tanzkarriere: Ich mache einfach weiter und schaue, wohin mich mein Weg f\u00fchrt.<\/p>\n

W\u00e4hrend ich damals dankbar war, eine Solo von zwei Minuten herauszuarbeiten, mache ich mittlerweile Choreografien von einer Stunde mit bis zu zehn T\u00e4nzer:innen, alles selbstorganisiert. Und in diese Stunde finde ich es oft echt schwierig, meine Ideen zurecht auszudr\u00fccken. Meine Herausforderung als Choreograf ist es jetzt, Klarheit zu schaffen und mich auf das Wesentliche zu fokussieren.<\/p>\n

Wie pr\u00e4gt deine Erfahrung als T\u00e4nzer, deine choreografische Praxis und umgekehrt: Wie beeinflusst das Choreografieren deine Arbeit als T\u00e4nzer?<\/strong><\/p>\n

In meiner choreografischen Praxis sehe ich viele Aspekte meiner Erfahrung als T\u00e4nzer wieder. Meiner Meinung nach ist es eine vielseitige Aufgabe, Choreograf zu sein. Es gibt so viele verschiedene Wege und Herangehensweisen.<\/p>\n

Ich habe die Erfahrungen und Einfl\u00fcsse, die ich als T\u00e4nzer hatte, und dazu kommen die, die ich in den letzten Jahren als Lehrer gesammelt habe. All das verbindet sich mit meiner choreografischen Praxis.<\/p>\n

F\u00fcr mich ist Choreografie nicht nur, Bewegung in Formen und Bewegungen zu gestalten. Es geht auch darum, Ideen herauszuarbeiten, ein Konzept in Bewegung umzusetzen, mit Menschen umzugehen, sie einzubinden und mit ihnen zu arbeiten, um das Beste aus ihnen herauszuholen. Ich versuche, Raum f\u00fcr einen tiefen Prozess zu kreieren, in dem wir uns austauschen und mit Ideen auseinandersetzen k\u00f6nnen. Ich ermutige dazu, eigene Ideen einzubringen und diese Erfahrungen und Erlebnisse zu teilen. Ein choreografischer Prozess ist mir nicht nur das Endresultat, sondern auch der Weg dorthin, der hoffentlich Entwicklung f\u00fcr die Beteiligten bietet.<\/p>\n

Der Prozess ist oft spannend. Er sollte Spa\u00df machen, intensiv und tiefgehend sein.<\/p>\n

Gibt es etwas Bestimmtes, das du dem Publikum mit diesem St\u00fcck vermitteln m\u00f6chtest?<\/strong><\/p>\n

Das Thema ist existenziell. Es liegt sehr nahe. Es ist sehr tiefgr\u00fcndig und intensiv. Der Prozess des Sterbens ist etwas, das wir alle durchlaufen werden, und ich denke, die Angst davor loszulassen, ist der Kern dessen, was ich zu vermitteln versuche. Der Weg ist es nicht, das Thema zu vermeiden, sondern es im Gespr\u00e4ch bzw. durch Kunst zu \u00f6ffnen.<\/p>\n

Mit dem St\u00fcck m\u00f6chte ich das Thema \u00f6ffnen und eine Perspektive darauf geben, was Menschen in diesem Zustand durchmachen und was alles m\u00f6glich ist.<\/p>\n

Mein Wunsch ist, dass sich das Publikum mit dem Thema auseinandersetzt und eine Reise erlebt, die auf der B\u00fchne dargestellt wird. Durch das St\u00fcck lade ich sie ein, in das Thema einzutauchen und sich mit dem Ausdruck der T\u00e4nzer zu verbinden. Ich biete ein emotionales Erlebnis, in dem sie sich selbst vielleicht wieder erkennen oder hineinversetzen k\u00f6nnen. Der Versuch ist es, das Thema durch den Tanz nachvollziehen und sp\u00fcren zu k\u00f6nnen.<\/p>\n

Hast du schon einmal kreative Blockaden erlebt? Wenn ja, wie gehst du damit um?<\/strong><\/p>\n

Manchmal habe ich mit einer Resistenz zu k\u00e4mpfen. Ich bringe mich voran, indem ich viele kleine Tricks anwende. Dazu geh\u00f6ren feste Termine zu setzen, loszulassen, kleine Spiele zu machen und mit Authentic Movement zu arbeiten. Hauptsache ist, sich einfach die Zeit zu nehmen, um da zu sein und sich mit den Ideen auseinanderzusetzen.<\/p>\n

Das Buch \u201eThe War of Art\u201c von Steven Pressfield hat meine Einstellung sehr beeinflusst. \u201eMach was\u201c ist eigentlich die vereinfachte Aussage. Um Resistenz zu bek\u00e4mpfen, muss ich aus dem bewertenden Kopf in einen kreativen, spielerischen Raum kommen (was ich mit dem K\u00f6rper verbinde). Meine Erfahrung ist, dass beide Einstellungen nicht gleichzeitig existieren k\u00f6nnen. Da ich Blockaden mit Stillstand assoziiere, nutze ich den Einfluss von Authentic Movement oder kleine spielerische Aufgaben, um mich in Bewegung zu bringen und \u201ekreatives Momentum\u201c zu erzeugen. Es l\u00e4uft am meistens dann wieder!<\/p>\n\t\t\t<\/div>\n\t\t<\/div>\n\t<\/div>\n<\/div>\n\n\n<\/div><\/div><\/div><\/div><\/div><\/div><\/div><\/div>\n\n

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Gef\u00f6rdert durch:<\/p>\n

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Eine Choreografie von Matthew Tusa<\/p>\n","protected":false},"featured_media":10922,"template":"","event-type":[12,92],"event-location-city":[],"event-location-venue":[],"event-tags":[205,188,215],"class_list":["post-10715","nb_production","type-nb_production","status-publish","has-post-thumbnail","hentry","event-type-gastspiel","event-type-gastspiel-en","event-tags-einfuehrung-im-foyer","event-tags-nachgespraech","event-tags-tanznah"],"acf":[],"_links":{"self":[{"href":"https:\/\/www.hessisches-staatsballett.de\/de\/wp-json\/wp\/v2\/nb_production\/10715","targetHints":{"allow":["GET"]}}],"collection":[{"href":"https:\/\/www.hessisches-staatsballett.de\/de\/wp-json\/wp\/v2\/nb_production"}],"about":[{"href":"https:\/\/www.hessisches-staatsballett.de\/de\/wp-json\/wp\/v2\/types\/nb_production"}],"wp:featuredmedia":[{"embeddable":true,"href":"https:\/\/www.hessisches-staatsballett.de\/de\/wp-json\/wp\/v2\/media\/10922"}],"wp:attachment":[{"href":"https:\/\/www.hessisches-staatsballett.de\/de\/wp-json\/wp\/v2\/media?parent=10715"}],"wp:term":[{"taxonomy":"event-type","embeddable":true,"href":"https:\/\/www.hessisches-staatsballett.de\/de\/wp-json\/wp\/v2\/event-type?post=10715"},{"taxonomy":"event-location-city","embeddable":true,"href":"https:\/\/www.hessisches-staatsballett.de\/de\/wp-json\/wp\/v2\/event-location-city?post=10715"},{"taxonomy":"event-location-venue","embeddable":true,"href":"https:\/\/www.hessisches-staatsballett.de\/de\/wp-json\/wp\/v2\/event-location-venue?post=10715"},{"taxonomy":"event-tags","embeddable":true,"href":"https:\/\/www.hessisches-staatsballett.de\/de\/wp-json\/wp\/v2\/event-tags?post=10715"}],"curies":[{"name":"wp","href":"https:\/\/api.w.org\/{rel}","templated":true}]}}