Die partizipative Performance Lecture Choreomaniacs reflektiert und verkörpert Tanz als Medium für Befreiung, Ekstase und Disziplinierung des Körpers.

Die Arbeit beschreibt eine Zeitreise, die soziale Phänomene der Tanzepidemien bzw. Tanzplagen – wie das mittelalterliche Ereignis der Tanzwut im Rhein-Gebiet oder die bis in die 1970er Jahre praktizierten süditalienischen Tarantismus-Rituale – in Erinnerung holt und im Zuge eines zeitgenössischen, humorvollen und postfeministischen Blicks mit Cyborg Culture verbindet.

Es entsteht ein Tanzkonzert, in dem sich ein anfangs akademischer Vortrag in ein Ritual wandelt und dabei Tanz, Live-Musik und Gesang nutzt, um neue Formen des Zusammenkommens zu untersuchen.

Das Publikum beteiligt sich an diesem Befreiungsritual, in dem das Archaische mit dem Digitalen verbunden wird: ein Ritual zwischen Ordnung und Unordnung, in dem der Körper sowohl organische Materie als auch Maschine wird; zwischen Besessenheit, Hysterie, Humor und Widerstand.

Erhalten Sie einen exklusiven Einblick in die Arbeit von Nathan Adriaanse, einem südafrikanischen Tänzer, Choreographen und Tanzpädagogen, der seit über einem Jahrzehnt auf weltweiten Bühnen zuhause ist. Nathan begann seine Karriere mit Breakdance im Alter von dreizehn Jahren und gilt heute als Meister des Hip-Hop und des Groove, der international gefeierte Choreografien kreiert. In jüngster Zeit hat Nathan seinen Fokus auf die lebendige Freie Szene gerichtet, wo er mit experimentellen und offenen Formaten Grenzen zu verschieben sucht. Im Rahmen der Residenz Host arbeitet er mit einem vielfältigen Ensemble von Tänzer*innen und einer Videokünstlerin zusammen und erforscht künstlerische Strategien, die Audiodeskription, Video und Choreografie miteinander verbinden: eine Erkundung, die durch seine einzigartigen Erfahrungen mit Sehbehinderungen geprägt ist. Die Residenz verbindet  Tanz, Video, Choreografie und Licht und öffnet sich für ein Showing im Darmstädter Ballettsaal. Das Publikum ist eingeladen, sich aus erster Hand ein Bild von Nathans intensiver Recherche zu machen und einen Einblick in einen transformativen künstlerischen Prozess zu gewinnen, der Konventionen in Frage stellt und Kreativität zelebriert.

Erleben Sie mit uns eine unvergessliche Erfahrung, die die Grenzen der Performancekunst neu definiert!

Mit dem Residenzprogramm HOST werden Barrieren im Bereich künstlerische Produktionen reduziert. Tanzkünstler*innen mit Behinderungen haben in Deutschland, unabhängig von der Qualität ihrer Arbeit, nach wie vor kaum Zugang zu etablierten Theaterinstitutionen. HOST soll ein erster Schritt sein diesen Künstler:innengruppen Zugang zu professionellen Arbeitsstrukturen zu ermöglichen und zugleich Perspektiven und Körperlichkeiten in der Tanzszene zu diversifizieren.

Fotokollage:
Laura Hicks: Otto Akkanen / Eslam Elnebishy: Arnaud Beelen

SPHEARES untersucht die Ontologie des Hören als Sensor alternativer Realitäten, die Frage nach dem Hören als Katalysator physischer Handlungen. Hören als Werkzeug zur Wahrnehmung des Unsichtbaren jenseits bloß Akustischem, Hören als Forschungsrahmen sowie politischer und philosophischer Vorschlag.

In einer Welt, die von der Gewalt des unmittelbaren Bildes (Baudrillard), dem Gewicht von Wortäußerungen und Meinungen (LaBelle) oder von dem, was semantisch oder physisch fassbar ist und somit das manifestiert, was wir als Realität wahrnehmen (Nancy), kann Hören als eine transformative Praxis angesehen werden, die die Grenzen des Vertrauten und Bekannten verschiebt. Im Gegensatz zum zielgerichteten, relationalen Zu-hören ist Hören dabei (in enger Anlehnung an Nancy) ein ganzheitlichen Bewusstseinszustand, ein Sensor des Ephemeren. Zwischen Assoziationen an Yutori (jap. Konzept) und Prinzipien aus Qi Gong steht letztlich die Frage nach der Fähigkeit zur Re-Sensibilisierung in einer vom Lärm betäubten Welt.

Workshop

Treffpunkt: Foyer Kammerspiele

In dem Workshop zur Pop-up Residenz “SPHEARES” laden Johannes Schropp und die Tänzerin Raquel Nevado Ramos die Teilnehmeden ein an ihrer Recherche Tanz zu einem akutistischen Erlebnis zu machen teilzuhaben.

Im Workshop erproben wir gemeinsam Aspekte des choreografischen Anteils der Installation SPHEARES. Zentral ist das Phänomen des Hören, wie wir unsere eigenen und andere bewegte Körper durch unsere Ohren wahrnehmen.

Bitte bringen Sie bewegungstaugliche Kleidung mit.

SPHEARES untersucht die Ontologie des Hören als Sensor alternativer Realitäten, die Frage nach dem Hören als Katalysator physischer Handlungen. Hören als Werkzeug zur Wahrnehmung des Unsichtbaren jenseits bloß Akustischem, Hören als Forschungsrahmen sowie politischer und philosophischer Vorschlag.

In einer Welt, die von der Gewalt des unmittelbaren Bildes (Baudrillard), dem Gewicht von Wortäußerungen und Meinungen (LaBelle) oder von dem, was semantisch oder physisch fassbar ist und somit das manifestiert, was wir als Realität wahrnehmen (Nancy), kann Hören als eine transformative Praxis angesehen werden, die die Grenzen des Vertrauten und Bekannten verschiebt.

Im Workshop werden Aspekte des choreografischen Anteils der Installation erprobt. Zwischen Mikrofonen und Lautsprechern steht die Frage, wie wir unsere eigenen und andere bewegte Körper durch unsere Ohren wahrnehmen. Anstelle einer visuellen Betrachtung des dabei entstehenden Tanzes geht es aber vielmehr um den veränderten, ohrgesteuerten Wahrnehmungsmodus selbst.

Der Workshop  findet im Rahmen der Tanzplattform Rhein-Main statt, ein gemeinsames Projekt von Hessischem Staatsballett und Künstler*innenhaus Mousonturm

Rhythmen, die die Hüften in Bewegung versetzen und die Hintern wackeln und zittern lassen: Shake your booty! „hip piece“, das neue Stück des Choreograf_innen-Duos Verena Billinger und Sebastian Schulz ist der Körpermitte gewidmet, dem Zentrum der Begierde und der Lust, dem Motor des Tanzes. Und verortet sich damit mitten in den aktuellen kulturellen Auseinandersetzungen um Aneignungen und Besitzansprüche, Erotisierung und Exotisierung, Sexualitäten und Geschlechtlichkeit, Identitätspolitiken und Universalismus. Auf der Bühne: eine Gruppe von Tänzer_innen verschiedener Herkunft und tänzerischer Ausbildung, die sich von Expert_innen für Afro Dance, Afro House, sogenanntem orientalischem- oder Bauchtanz, Dancehall, verschiedenen Hip-Hop-Stilen (Popping, Locking u.a.), Salsa und Twerking in die Kunst des Hüftschwungs haben einweihen lassen. Sie präsentieren ihren Zugang zu den neu gelernten Bewegungen – mal nüchtern und verletzlich, analytisch, mal spielerisch und ausgelassen. Und erforschen den Tanz als Möglichkeit, sich von Zuschreibungen freizumachen und mehr und anderes zu werden, als sie auf den ersten Blick sind.

Work in Progress: 10. Mai 2024, 18:45 Uhr | Treffpunkt Foyer Kammerspiele am Staatstheater Darmstadt

In der Pop-Up Residenz möchte ich gemeinsam mit den Tänzerinnen Emma Rasmussen und Maria Stäcker die Recherche zu meinem kommenden Tanzstück PHYSICAL MEMORIES beginnen und erste choreografische Skizzen kreieren. Die einwöchige Residenz ist in zwei Phasen unterteilt, in denen wir uns mit prägenden Lebenserinnerungen sowie Erinnerungen an bestimmte Räumlichkeiten auseinandersetzen werden.

Zum Abschluss der Residenz wird am Freitag, dem 22.03.2024, um 18 Uhr ein Work in Progress in der Probebühne 3 stattfinden. Ein Artist-Talk ist ebenfalls geplant, um Raum für Fragen, Anregungen und Feedback zu ermöglichen.

Das Tanzstück PHYSICAL MEMORIES wird am DO 25.04.2024 in der KunstKulturKirche Allerheiligen in Frankfurt am Main Premiere feiern.

Weitere Vorstellungen am SA 27. &  SO 28.04.2024.

Gefördert durch die Stadt Frankfurt am Main, das Hessisches Ministerium für Wissenschaft und Kunst und die KunstKulturKirche Allerheiligen. Unterstützt durch das Künstler*innenhaus Mousonturm und das Hessische Staatsballett im Rahmen der Tanzplattform Rhein Main und durch Die Druckerei – Raum für Tanz Frankfurt.

Richard Oberscheven ist ein vielseitiger Künstler, der als Tänzer, Choreograf, Tanzpädagoge, Vinyl-DJ und Musikproduzent tätig ist. Er gestaltet aktiv die freie Tanz-Szene in Frankfurt und Mannheim mit. Seine künstlerische Praxis fußt in einem bewussten Körper, der das Entdecken, Erforschen und die Auseinandersetzung in Bewegung ermöglicht. Richards Arbeiten wurden an verschiedenen Orten wie dem Theater Felina-Areal, KunstKulturKirche Allerheiligen, Kulturhaus Frankfurt, smallformatdance, Festival des Nations Luxemburg, Tanzfestival SoloDuo NRW 2019, Stadttheater Gießen und in der Altenfeuerwache Saarbrücken aufgeführt. Sein Repertoire umfassen abendfüllende Tanzproduktionen wie Rotational Distance I & II (2022/2023), Körper an Körper (2019) und eine Vielzahl an Stücken wie Entwurf & Gefüge I & II, 4 Passages (2024), Dispersed, Any Glimpse Of Now, Two/here, Unfolding Process (2023), Piece For Guitar (For Stella) von Cornelius Cardew (2022), As I would like (2019), solo_works (2018), any directions (2015) und it was written (2014). 2019 gewann er mit seinem Solo As I would like beim Internationalen Tanzfestival SoloDuo NRW die Kategorie Best Performer.

Emma Rasmussen ist eine Tänzerin aus Dänemark. 2019 studierte sie Klassischen und Zeitgenössischen Tanz an der Hochschule für Musik und Darstellende Kunst in Frankfurt am Main. Zuvor besuchte sie die Tivoli Balletschool in Kopenhagen, wo sie hauptsächlich klassisches Ballett tanzte, aber auch Zeitgenössisches Training erhielt, unter anderem von Anne Peyk, Niels Balle und Andrew Bowman. Nach ihrem Umzug nach Frankfurt verfeinerte sie ihre Balletttechnik durch Nora Kimball, Isaac Spencer und Andrea Tallis und erweiterte ihr Interesse in Zeitgenössische Techniken durch Dieter Heitkamp, Jason Jacobs und anderen. Unter anderem hat sie mit verschiedenen Choreographen wie mit Tim Rushton, Marguerite Donlon und Isabelle Schad zusammengearbeitet.

Maria Stäcker praktiziert seit ihrer frühen Kindheit Improvisationstanz und Kontaktimprovisation. Sie erhielt Unterricht bei Sylvia Heyden (TANZ Braunschweig) und wirkte u.a. 2017 in der Produktion „Thesis“ im Rahmen des Luther Jubiläums der Stadt Braunschweig mit. 2019 kam sie das erste Mal in Kontakt mit Butô in Heidelberg, wo sie mit dem Ensemble „zwischenTANZ“ am Projekt „Lichtbrunnen“ des Industrietempels Mannheim teilnahm. Seit 2018 studierte sie im Bachelor Philosophie und Soziologie an den Universitäten Heidelberg, Tübingen sowie in Paris (Sorbonne-Université) und inzwischen im Master an der Humboldt Universität zu Berlin. Sie interessiert sich sowohl theoretisch als auch praktisch für die Verbindung von Körper und Geist und für den Dialog zwischen Wissenschaft und Kunst. Ihr erstes Solo entstand während eines einmonatigen Workshops der Butô Company „Motimaru“ im Sommer 2022, das sie in Berlin und Brüssel und 2024 in Tokio und Nagoya aufführte. Seit Herbst 2023 wirkte sie außerdem tänzerisch mit dem interdisziplinären Ensemble „Tamé“ (Cello, Textilkunst, Tanz) an der Vorstellung „One, one, one, one“ (Brüssel) und an der Produktion „Point de Vue“ im Rahmen von einer von KAOS vzw geförderten Residenz in Antwerpen mit.

Judith Hummel gibt seit 2013 regelmäßig Workshops für junge Erwachsene im Bereich „Körper: Performance, Improvisation, Shiatsu“. In den Workshops teilt sie Elemente aus ihrer Arbeit als Tänzerin und Performerin sowie Elemente aus ihren eigenen choreografischen Projekten. Die japanische Körperarbeit Shiatsu, worin Hummel 2018 die Grundausbildung absolviert hat, fließt in die Lehrtätigkeit mit ein. Themen wie Identität, Abschied, Neubeginn, Gruppe & Individuum sind inhaltliche Schwerpunkte der 3-4-tägigen Seminare. Träger sind LKJ Baden-Württemberg e.V., Stuttgart, LKB Hessen e.V., Frankfurt sowie BAG Spielmobile e.V., München. Außerdem hat Judith Hummel an der TUM in der Poliklinik und Tagesklinik für Kinder- und Jugendpsychosomatik sowie als Referentin bei der Caritas in der Erwachsenenbildung Workshops dieser Art gegeben. 2010 ist sie Assistentin in dem Schultanzprojekt Anna Tanzt V des Bayerischen Staatsballetts und begleitet von 2006-2010 zahlreiche Projekte von Tanz und Schule e.V., München.

Alessandra Corti, geboren in Italien, absolvierte ihre Tanzausbildung an der Ballettakademie des Turiner Theaters, in deren Ensemble sie anschließend für zwei Jahre tanzte. Im Atelier Teatro Danza der Akademie Paolo Grassi in Mailand arbeitete sie mit Cesc Gelabert, Lidya Azzopardi, Luca Veggetti, Susanne Linke, Avi Kaiser sowie dem Japanischen Kollektiv Dumb Type.  Erste eigene Arbeiten waren das Solo ‚Happy End‘ am Theater Bremen und ‚Un mondo silenzioso‘ für das Teatro Libero Milano. Von 2007-2014 war sie Ensemblemitglied der Tanzcompagnie Oldenburg. Seit 2016 ist Alessandra Corti auch Gastchoerografin an der Akademie Paolo Grassi in Mailand und Gastlehrerin an der Hochschule für Musik und Darstellende Kunst Frankfurt. Für die BallettCompagnie Oldenburg kreiert sie in dieser Spielzeit ‚Apartment 7a‘, ein Tanzstück für Kinder.

Das Work in Progress Showing findet am 11. April um 19:00 Uhr statt
„One pearl after the other (AT)“
Treffpunkt Künstlereingang | Staatstheater Darmstadt, Hügelstraße, 64283 Darmstadt

Dauer: ca. 2 Stunden