Tanzworkshop, Jams, Come Together!

In diesen zwei Tage findet das Street- & Clubstyles Special statt und wir laden ein zu einem vielfältigen Programm, das sowohl Anfänger:innen als auch erfahrene Tänzer:innen begeistert, mit Workshops, Jams, Exchange und zusammen sein teilen. Das Theater wird dabei zum zentralen Ort der Begegnung und des Austauschs, an dem Tanzstile und persönliche Geschichten aufeinandertreffen.

An beiden Tage soll Hip-Hop, Afro Fusion, Locking und House im Fokus stehen. Erfahrene Dozent:innen geben in Workshops ihr Wissen weiter und schaffen Raum für individuelles Ausprobieren. Hier können die Teilnehmenden was Neues ausprobieren oder ihre Fähigkeiten erweitern und neue Inspirationen sammeln. Mit einem Jam Session schließen wir dieses Special bei der alle zusammen in diese besondere Atmosphäre des Events genießen können. Hier ist Platz für Vielfalt und Austausch in jeder Form. Egal ob Tänzer:in oder Zuschauer:in, Anfänger:in oder Profi – herzlich willkommen zu zwei Tagen voller Tanzkultur!

Dieses Mal geht es an die frische Luft und die Zuschauenden sind zugleich auch die Teilnehmenden.

Gemeinsam mit der Frankfurter Choreografin und Tanzprofessorin Hannah Shakti Bühler sowie dem österreichischen Tänzer und Choreografen Simon Mayer plant das Hessische Staatsballett ein großes „Tanz-Event“ im Freien, bei dem alle dazu eingeladen sind mitzutanzen.

Folkdanceparty ist ein gehosteter Dancefloor, ein Abend der Gemeinschaft zelebriert und die Kunst des Feierns als Ressource in Zeiten der Instabilität erlebbar macht. Inspiriert von alten und neuen Traditionen und Ritualen, wird das Publikum im Wechselspiel zwischen partizipativen, animierten und performativen Momenten auf eine Reise durch verschiedene Tanzstile und Tanzspiele eingeladen.

Musikalisch wird der Dancefloor durch DJ Sets und Live-Musik von Simon Mayer, Hannah Shakti Bühler und Gastmusiker:innen begleitet.

Die partizipative Performance Lecture Choreomaniacs reflektiert und verkörpert Tanz als Medium für Befreiung, Ekstase und Disziplinierung des Körpers.

Die Arbeit beschreibt eine Zeitreise, die soziale Phänomene der Tanzepidemien bzw. Tanzplagen – wie das mittelalterliche Ereignis der Tanzwut im Rhein-Gebiet oder die bis in die 1970er Jahre praktizierten süditalienischen Tarantismus-Rituale – in Erinnerung holt und im Zuge eines zeitgenössischen, humorvollen und postfeministischen Blicks mit Cyborg Culture verbindet.

Es entsteht ein Tanzkonzert, in dem sich ein anfangs akademischer Vortrag in ein Ritual wandelt und dabei Tanz, Live-Musik und Gesang nutzt, um neue Formen des Zusammenkommens zu untersuchen.

Das Publikum beteiligt sich an diesem Befreiungsritual, in dem das Archaische mit dem Digitalen verbunden wird: ein Ritual zwischen Ordnung und Unordnung, in dem der Körper sowohl organische Materie als auch Maschine wird; zwischen Besessenheit, Hysterie, Humor und Widerstand.

Während die Wurzeln des Voguing in New York liegen, entstand Waacking an der Westküste der USA, in Los Angeles, als Tanz der LGBTQ-Disco-Scene der 1970er-Jahre – zu einer Zeit, in der queere Menschen weitestgehend unsichtbar und stigmatisiert waren.

Hervorgegangen aus Punking (als positive Selbstbezeichnung des abwertenden Begriffs „Punk“) entstand dieser expressive Stil mit seinen typischen akzentuierten Armbewegungen zum Beat der Musik. Die internationale Waacking-Ikone Mounia Nassangar schafft mit Stuck ihr erstes choreografisches Werk, indem sie die Bewegungssprache des Waacking in eine persönliche wie eigensinnige zeitgenössische Bühnenarbeit überführt. Hier sucht sie nach Antworten auf ihre körperlichen und geistigen Blockaden. Der Tanz wird zu einem Mittel, um innere und äußere Zwänge in Freiheit und Selbstbestimmung zu verwandeln.

Fünf Tänzerinnen nähern sich in Stuck dem Waacking auf ihre je ganz individuelle Weise. Ihre Körper und ihre Geschichten sind unterschiedlich, aber sie alle teilen eine starke Erfahrung: die Dringlichkeit des Tanzes und des Ausdrucks, die sich jeder Unterdrückung zu widersetzen vermögen.

Avessos (dt.: „von innen nach außen“) ist die neue Arbeit des brasilianischen Tänzers und Choreografen Marcos Abranches – derzeit Künstler in Residenz am Staatstheater Darmstadt. Er untersucht für diese Soloperformance unterschiedlichste Stilrichtungen und künstlerische Darstellungsformen wie DanceAbility, Butoh, Contact Improvisation, Kino, Fotografie, Mode, Musik und somatische Techniken wie Feldenkrais.

DanceAbility ist eine Methode für Tanz, Bewegung und nonverbale Kommunikation. Sie integriert Menschen mit und ohne Behinderungen und beruht auf dem Prinzip „Inklusion statt Isolation“.

Japanischer Butoh ist ein Tanz, der Konventionen umstößt. Er zielt darauf ab, sich von den gewöhnlichen Formen des Körpers und des Denkens zu befreien und über Improvisation und Verkörperung neue Daseinsformen zu erreichen. In der Contact Improvisation geht es unter anderem um Verlagerungen von Gewicht: halten und gehalten werden.

Avessos  ist eine Einladung, sich in ein Kaleidoskop der Ausdrucksformen zu begeben und einem ergreifenden Solo beizuwohnen.

Am Sonntag, den 10.11. findet ein „Meet the Artists“ im Anschluss and die Vorstellung statt.

Zwei Frauen essen Sonnenblumenkerne in einem Park, vor einem Hauseingang oder in einem Hof. Sie teilen einen alltäglichen Raum, ein Gespräch, die Intimität der Stille. Plötzlich durchbrechen Gesang und Tanz diese gewöhnliche Welt und verwandeln sie in ein magisches Spektakel.

In Taranto Aleatorio („Zufälliger Taranto“) zeigen die Choreografin und Tänzerin María del Mar Suárez / La Chachi und die Sängerin Lola Dolores ihre persönliche Sicht auf die Rohheit des Taranto, einer Spielart des Flamenco. Ursprünglich stammt diese Form des Tanzes aus dem andalusischen Bergbaugebiet in Almería. Begleitet wird er von einem einfach anmutenden, trockenen Lied ohne Gitarre, das aus dem Bedürfnis heraus entstanden ist, unabhängig zu singen.

Beide Künstlerinnen gehen in dem Stück nach dem Zufallsprinzip vor und schaffen über ihre unverfrorenen Gesten eine humorvolle Atmosphäre. Ihre Choreografie gleitet von leichten zu wirbelnden Bewegungen, bei denen die Schuhabsätze in einem lachend-klagenden Rhythmus auf dem Boden erklingen und ein nicht enden zu wollendes Lied den Raum umgibt.

In A Beginning agieren fünf Tänzer*innen und Sänger*innen in der Dunkelheit. Spärlich mit tragbaren Lampen beleuchtet, durchfluten ihre Gesänge den Raum.

Licht wird für die Künstler*innen Aurora Bauzà und Pere Jou dabei zu einem Objekt, das eher die Stimmen als die Körper beleuchtet. Die Dunkelheit regt hingegen die Vorstellungskraft an, um das zu beobachten, was gefühlt, aber nicht gesehen wird.

Bauzà und Jou haben in diesem Stück eine Körper- und Bewegungspraxis entwickelt, die zwei Bewegungen in einem einzigen Körper zeigt: die Bewegung des Gesangs, die klingt, und die Bewegung, die man sieht.

Gleichzeitig verändert die Dunkelheit die Vorstellungen von Raum und Zeit. Die Grenzen zwischen den Körpern der Darsteller:innen und denen des Publikums werden verwischt: So wird das Stück zu einer Reise und theatralischen Erzählung über die ewige Dialektik zwischen Individuum und Kollektiv, zwischen Bewegung und Stimme, Dunkelheit, Licht.

Vor der Vorstellung wird ein Warm-up stattfinden (19:00 Uhr), sowie im Anschluss ein „Meet the Artists“

Sprache: Rumänisch, Englisch, Latein

Sieben Tänzer:innen, gekleidet in Erdtönen, stehen auf der Bühne. Ihre Bewegungen scheinen zurückhaltend, leise, dann eckig, fast schon maschinell, um wieder in eine sanfte, zarte Ausdrucksform überzugehen.

Every Minute Motherland des polnischen Choreografen Maciej Kuźmiński handelt von der Flucht vor dem Angriffskrieg Russlands gegen die Ukraine. In Zusammenarbeit mit seiner Kompanie und ukrainischen Tänzer:innen im Exil findet Kuźmiński durch die Sprache des Tanzes einen Ausdruck für das Unaussprechliche: den Krieg als Einschnitt, der das Leben eines Menschen aus der Bahn wirft.

Trauma, Exil und Entfremdung, verlorene Identitäten. Das Stück lenkt die Aufmerksamkeit auf die Körper und Erfahrungen der Zeug:innen, während sich täglich im Fernsehen und in den sozialen Medien der Krieg in betäubender Wiederholung abspielt.

Jede Minute, „every minute“, zehrende Gedanken an das Land, aus dem sie fliehen mussten, an die Menschen, die sie zurückließen. Verlorenheit und Schmerz werden von einer sanften Ausdruckskraft getragen, von kleinen Gesten, in denen das ganze Ausmaß der Tragödie aufscheint.

Im Anschluss an die Vorstellung am Fr 1.11. findet ein „Meet the Artists“ statt.