Sharon Eyal

Seit 2005 arbeitet Sharon Eyal mit Gai Behar zusammen. Gemeinsam gründeten sie 2013 das Ensemble S-E-D (vormals L-E-V), mit dem sie für die renommiertesten Bühnen und Festivals weltweit kooperieren, wie The Joyce Theatre in New York City, Jacob’s Pillow in Becket, Sadler’s Wells in London, das Montpellier Danse Festival sowie Julidans in Amsterdam. Darüber hinaus hat sie Werke für führende Kompanien weltweit geschaffen, darunter Jakie und Into the Hairy mit S-E-D für das Nederlands Dans Theater, 2 Chapters Love für das Staatsballett Berlin sowie ima und SAABA für die GöteborgsOperans Danskompani. Für ihre choreografische Arbeit wurde sie vielfach ausgezeichnet, so etwa mit dem FEDORA – Van Cleef & Arpels Prize for Ballet 2017 oder dem deutschen Theaterpreis DER FAUST 2018. Im Jahr 2023 erhielt sie in Frankreich den Titel „Officières de l’ordre des arts et des lettres“.

Gai Behar

Als Partyproduzent prägte Gai Behar die Clubszene in Tel Aviv und war von 1999 bis 2005 Kurator multidisziplinärer Kunstveranstaltungen. Behar gestaltete zusammen mit Sharon Eyal ihr Stück Bertolina im Jahr 2005. Seitdem ist er an der Kreation ihrer Werke beteiligt.

Das Herz einer Tänzerin

Olivia Ancona
Choreografische Einstudierung von Corps de Walk

Was charakterisiert für dich den choreografischen Stil von Sharon Eyal – und worin unterscheidet er sich von dem anderer zeitgenössischer Choreograf:innen?

Jemand sagte einmal: „Sharon ist das Herz einer Tänzerin“, und ich finde, das bringt ihr Wesen sehr gut auf den Punkt. Als Performerin verkörpert sie die Leidenschaft und den Geist eines Menschen, der sein ganzes Leben getanzt hat. Dieses Gefühl durchzieht all ihre Werke wie eine unterschwellige Kraft. Es wirkt ansteckend auf die Tänzer:innen, die ihre Stücke tanzen, und wird für das Publikum spürbar – durch das Zusammenspiel aller Elemente: Körperlichkeit, Komposition, Licht und Musik.

Wie gehst du bei der Vermittlung der Choreografie an unsere Tänzer:innen vor?

Ich arbeite das Material schrittweise durch und zerlege die verschiedenen Ebenen, aus denen jedes Stück besteht. Ich bereite mich monatelang vor, um jede Bewegung, jedes Zählen, jede feine Nuance im Ausdruck im Detail zu lernen und die spezifischen Qualitäten des Stücks zu verstehen. Wenn ich dann mit den Tänzer:innen im Studio bin, wird es sehr viel angenehmer, in einen echten Austausch zu treten. Ich vermittle das Material in Schichten – zuerst die Bewegungen im Zusammenhang mit den Zählzeiten, dann die Qualitäten und wie man diese körperlich umsetzen kann. Durch Wiederholung üben wir, auf das zu hören, was das Material in uns auslöst, und lernen so nicht nur die Bewegungen, sondern auch die Abschnitte des Stücks immer besser kennen. Sharons Werke erfordern eine intensive Konzentration und Präsenz – was bedeutet, dass obwohl die „Partitur“ festgelegt ist, das Erleben der Schritte bei jeder Wiederholung anders sein wird. Unser Ziel ist es, auf dieses innere Erleben zu hören – um der Lebendigkeit willen, für uns und letztlich auch für das Publikum.

In Corps de Walk verschmelzen die Körper der Tänzer:innen oft zu einem Kollektiv – wie entsteht dieses Gefühl von Einheit auf der Bühne?

Es gibt fast immer Gruppen, die sich unisono bewegen. Das ist wie ein Anker für die Arbeit von Sharon und gilt auch für ein Solo, das als Zweig, Erweiterung oder Repräsentation des Kollektivs existiert. Wenn zwölf Menschen nur ihre Augen bewegen, könnte man aus der Ferne etwas so Kleines vielleicht nicht erkennen. Aber die Kraft der Gruppe wirkt wie eine Lupe, die auch die subtilsten Bewegungen verstärkt. Selbst in ihrem Einsatz von Unisono bleibt immer Raum für Individualität. Das entspricht dem Leben – und macht das Erleben einer so unablässigen Gruppenarbeit echter als bloße Perfektion oder durchorganisierte Strenge.

Inwieweit ist das Stück für dich abstrakt oder narrativ – oder vielleicht beides?

Die Gefühle sind echt, die Körperlichkeit ist rigoros, und die Vorstellungskraft ist reichlich vorhanden – aber ich denke, es ist durchaus gerechtfertigt zu sagen, dass das Stück abstrakt ist. Ich habe das Gefühl, dass es auf eine für Sharons Arbeit ungewöhnliche Weise Freude und Leichtigkeit vermittelt – gerade bei einer so scheinbar militanten Choreografie.

Wie verändert sich deine Beziehung zum Stück im Verlauf der Probenzeit?

Die Schichten von Lernen, Verstehen und Engagement wachsen mit der Zeit. Was manchmal trocken beginnt – „Was mache ich wann?“ –, wird zur individuellen Reise jeder einzelnen Person, sowohl innerhalb des Stücks als auch in der Erfahrung des Prozesses. Als Einstudierende ist es mein Ziel, die Bedürfnisse des Stücks mit dem Alltäglichen in Balance zu halten und die Menschen vor mir wirklich zu sehen. Die Fragen, die ich mir stelle, werden mit der Zeit di­fferenzierter: Wie vermittle ich die Schritte am besten? Wie manage ich Zeit und Energie? Wie kann ich den Tänzer:innen helfen, mehr von sich selbst zu erfahren, indem sie die Präzision der Bewegung nutzen? Wie kann ich Zeuge ihrer eigenen Recherche und Performance sein? Mein Fokus verschiebt sich von Zählzeiten und Bewegungen zu Menschen und zum Prozess, hin zum größeren Ganzen – und letztlich dazu, wie alle Elemente in der Au­fführung zusammenkommen.

Was nimmst du aus der Arbeit an Corps de Walk mit – sowohl als Tänzerin als auch als Mensch?

Es ist das erste Mal, dass ich an Corps de Walk arbeite. Ich war begeistert von der Aussicht, an einem einzigartigen abendfüllenden Werk von Sharon und Gai zu arbeiten – und an einem, das 2011 geschaffen wurde. Ich habe mich dieser großen Aufgabe mit dem Vertrauen in das Hessische Staatsballett gestellt, da es meine zweite Zusammenarbeit mit der Kompanie ist und meine bisherigen Erfahrungen dort so positiv und prägend waren. Die Arbeit erfordert höchste Aufmerksamkeit, Gedächtnisleistung, Präzision – und zugleich Selbstvertrauen, Individualität und Menschlichkeit. Persönlich finde ich diese Reibung spannend – sowohl als Künstlerin als auch als Mensch. Ich lerne enorm viel von den talentierten Tänzer:innen, die Informationen schneller aufsaugen, als sie sie verarbeiten können. Je öfter ich Werke wie dieses von Sharon einstudieren darf – und das mit so erfahrenen Tänzer:innen – desto klarer wird mir, wie überwältigend viel Aufwand es bedeutet, einfach nur Mensch zu sein. Kein Wunder, dass manche von uns eine Million Aufgaben brauchen, um sich daran zu erinnern, hier und jetzt zu sein.

Olivia Ancona ist eine internationale, interdisziplinäre Tanzkünstlerin aus den USA, die in Berlin lebt.